Championship Vinyls

Henry Miller

2008-07-30T13:56:00.003+02:00

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En Wikipedia, la biografía de Henry Miller está presentada así:

La juventud de Miller fue errática. Alternaba diversos trabajos con breves períodos de estudios en el City College de Nueva York. En 1924 se casa con June Mansfield tras divorciarse de su primera esposa, Beatrice Sylvas, con la que tuvo una hija.

En 1930, durante la Gran Depresión, se va a Francia donde vive el estallido de la Segunda Guerra Mundial. En esta época, Miller decide consagrarse totalmente a la literatura. Sus primeros años de bohemia en París fueron miserables, tuvo que luchar contra el frío y el hambre; se alimentaba con las comidas que le ofrecían y dormía, cada noche, bajo un puente distinto. La suerte se presentará en la persona de Richard Osborn, un abogado americano que le ofrece una habitación en su apartamento. Cada mañana, Osborn, dejaba encima de la mesa de la cocina un billete de 10 francos para que Miller lo gastara a su conveniencia. Conoce a Anaïs Nin (de la que fue amante), a Brassaï y a Alfred Perlès, y empiezan sus tanteos con el surrealismo.

En el otoño de 1931, Miller obtiene su primer empleo como corrector de estilo en el periódico Chicago Tribune, gracias a su amigo Alfred Perlès; ocasión que aprovecha para publicar varios artículos que firmará con el nombre de Perlés, dado que sólo los miembros del equipo editorial podían editar sus escritos. Escribe, en ese año, Trópico de cáncer, en la Villa Seurat de Montparnasse, que será publicado gracias al apoyo de su amiga y amante, la también escritora Anaïs Nin, en 1934. Esta novela le supuso, en los EE.UU, un proceso por obscenidad, según las leyes vigentes en esa época dictadas contra la pornografía. Esta novela estuvo censurada, en su país, hasta la década de 1960, y sólo pudo ingresar clandestinamente con la portada de Jane Eyre, el clásico de Charlotte Brontë.

Miller prosigue su batalla personal contra el puritanismo intentando liberar, desde un punto de vista moral, social y legal, los tabúes sexuales existentes en la literatura americana. Continúa escribiendo novelas, todas censuradas en los Estados Unidos por obscenas. Publica Primavera negra (1936), y Trópico de Capricornio (1939), que consiguen su difusión en los EE.UU pese a tener que ser vendidos subrepticiamente, lo cual contribuye a forjar su reputación de escritor underground.

Regresa a los Estados Unidos en 1940 y se instala en el Big Sur (California), donde continúa produciendo una literatura pujante, colorista y socialmente crítica. Escribe El coloso de Marussi (1941), que versa sobre un viaje a Grecia, país que visitó invitado por Lawrence Durrell; el libro más que una guía al uso es un monumento lírico a la sensualidad mediterránea, una crítica brillante al modo de vida americano y un alegato por la paz. Le siguieron La pesadilla del aire acondicionado (1945-47), la trilogía La crucifixión rosa, compuesta por Sexus (1949), Plexus (1953), y Nexus (1960). Escribió Las naranjas del Bosco en 1957; y el estudio literario, El mundo de D.H. Lawrence en 1980.

Se le ha considerado, incluso, un precursor del postmodernismo. Sus trópicos, tachados de pornográficos, generaron una gran polémica y fueron prohibidos en los países anglosajones. En 1964 la Corte Suprema de los Estados Unidos anula, de la Corte de Estado, el juicio contra Miller por obscenidad, lo que representa el nacimiento de lo que, más tarde, será conocido con el nombre de revolución sexual.

Entre sus aficiones estaban las de pianista amateur y pintor. Escribió libros sobre su pintura y tras su muerte, sus acuarelas fueron trasladadas a dos museos: el Henry Miller Museum of Art en la ciudad de Omachi Nagano (Japón) y el Henry Miller Art Museum en la Coast Gallery de Big Sur.

Falleció en Pacific Palisades, California. Sus restos fueron incinerados y sus cenizas esparcidas sobre Big Sur.

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Uno de los autores que más me agrada leer (si se puede utilizar la palabra "agradar" para Miller... creo que sería más acertado decir que me "complace"). El arranque de su Trópico de cáncer es mi favorito de cualquier libro que haya leído, junto con el de El guardián entre el centeno, de Salinger.

Una obra recomendable, que no se ve mermada por el paso del tiempo por su inigualable estilo y los temas que trata. Aún así, no es para todo el mundo, y la impresión que el lector que se lleve de este libro depende mucho de la actitud con la que se acoja su lectura. De todas maneras, representa una importante reflexión muy acorde con su tiempo y con la literatura de entonces.

Ulysses, by James Joyce

2008-07-18T18:47:00.007+02:00

El genio.

He aquí algunas cosas que he encontrado en torno a este libro que me ha fascinado:

Por tada de la edición original.

The book has fascinated scholars and baffled readers for decades with its dense prose, obscure puns and allusions to the characters and events of Homer's epic Greek poem The Odyssey.
It has also outraged censors with its choice language and graphic descriptions of basic bodily functions.
However, for all its renown and notoriety, it is a book that few have read and even fewer comprehend.
To rectify this, BBC News Online presents an irreverent simple chapter-by-chapter guide to the key events, characters and Homeric parallels.

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SUMMARY
Chapter by chapter
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CHAPTERS 1-3

The first three chapters introduce would-be writer Stephen Dedalus, familiar to Joyce readers from his earlier novel A Portrait of the Artist as a Young Man.

Joyce is buried at Fluntern cemetery in Zurich, Switzerland

On the morning of 16 June 1904, Stephen leaves the disused watchtower he shares with "stately, plump Buck Mulligan", vowing never to return.

After teaching at a nearby school he talks to an ageing master who gives him a letter to deliver to the offices of a Dublin newspaper.

He then goes for a long walk on the beach that gives him plenty of time to ponder his literary aspirations and dead mother fixation.

CHAPTERS 4-5

Jewish advertising salesman Leopold Bloom buys a kidney, then returns home to 7 Eccles Street and has it for breakfast. He then defecates. Upstairs Molly, his unfaithful opera singer wife, waits for him to leave so she can entertain her lover.

CHAPTER 6

Bloom attends a funeral at Glasnevin Cemetery, his symbolic encounter with death mirroring Odysseus's descent into Hades. It's a real barrel of laughs.

CHAPTER 7

NEAR MISS AT NEWSPAPER OFFICE
Bloom and Stephen almost meet in a chapter peppered with tabloid-style headlines.

CHAPTERS 8-9

It's lunchtime, so Bloom stops at Davy Byrne's "moral pub" for a gorgonzola sandwich and a glass of burgundy. He then pays a call to the National Library where he overhears Stephen sounding off about Shakespeare.

CHAPTER 10

Lots of short episodes. Lots of different characters. All connected by a Vice-Regal parade from one side of town to the other.

CHAPTER 11

In a chapter full of song - Joyce's allusion to Homer's deadly Sirens - Bloom narrowly avoids meeting Molly's lover, concert promoter Blazes Boylan.

CHAPTER 12

Bloom has an argument with a pub bore whose blinkered anti-Semitism mirrors Homer's one-eyed Cyclops. He exits, closely followed by a cake tin.

CHAPTER 13

As evening falls, Bloom sees two young girls on the beach and masturbates in a chapter written in the florid style of a romantic penny-dreadful.

CHAPTER 14

Stephen and Bloom meet at last in a maternity hospital in a chapter whose structure is meant to represent both the nine months of pregnancy and the birth of the English language. And they say this book is hard.

CHAPTER 15

READER
(horrorstruck) Blimey, this looks like heavy going.

STEPHEN'S DEAD MOTHER
No kidding! There's over 100 pages of this stuff, all written in the style of a play script. But all you need to know is that Bloom follows Stephen to a brothel where they have lots of freaky hallucinations.

CHAPTER 16

A weary Bloom takes Stephen to a cabman's shelter where they listen to the ramblings of a tattooed sailor who makes little or no senzzzzzzz

CHAPTER 17

Q. What happens next?

A. Bloom and Stephen walk back to Eccles Street. Bloom offers Stephen a bed for the night but Stephen refuses and leaves. Bloom goes to bed. The section is written in a question-and-answer format like a religious catechism.

CHAPTER 18

yes Molly Bloom sits awake in bed yes and remembers her youth in Gibraltar yes and her many sexual partners yes in one unbroken stream of consciousness yes and recalls the day she yes gave herself to Bloom while munching some heavily symbolic seed cake yes

(The 35-page chapter consists of just seven sentences. The final words are: "...and yes I said yes I will Yes.")

Bloomsday!

2008-07-11T23:14:00.003+02:00

El pasado 16 de junio se celebró, como todos los años, el día de Bloom. El 16 de junio es el día en que transcurre el Ulises, de James Joyce. Tardo en ponerlo aquí (casi un mes), pero me encantó celebrar ese día disfrazándome de Joyce. Temo que sería mejor irlandés de principios del siglo pasado que madrileño del mundo actual.

Mis libros favoritos

2008-05-13T21:29:00.007+02:00

Este verano he decidido dedicarlo principalmente a leer. Por fin, con las vacaciones, el tiempo libre, demasiado. Y hay que llenarlo de alguna manera.
Una pequeña lista con mis libros favoritos y pequeñas reseñas de ellos. Como es habitual, no hay ningún orden:

El guardián entre el centeno, J.D. Salinger
Mi eterno libro favorito. Holden Caulfield, ya por siempre mi alter ego, inmerso en el complejo viaje de la adolescencia a la madurez. La biblia de los inadaptados, supongo.
Otras obras del autor: nueve cuentos.

La conjura de los necios, J. K. Toole
El libro más divertido que he leído en mi vida. "Divertido" no es lo mismo que "fácil" o "tonto". Se trata de uno de los libros más inteligentes del siglo XX. Ignatius J. Reilly es uno de mis grandes gurús espirituales. Otra Biblia para inadaptados.
Otras obras del autor: La Biblia de neón.

La montaña mágica, de T. Mann
El proceso de aprendizaje del joven Hans Castorp, aislado del mundo "real" en la montaña mágica, en el sanatorio Berghof. Las meditaciones sobre el tiempo, la importancia relativa de los hechos, el futuro truncado, el amor visto desde un punto de vista original... es un libro perfecto.
Otras obras del autor: La muerte en Venecia, Los Buddenbrook.

Ulises, de J. Joyce
La novela más importante del siglo XX, incontables veces reseñada, conocida por muchos, leída por pocos. Asusta abrir este libro, pues su fama de difícil le precede. Sin embargo, a pesar de lo practicamente incomprensible de algunos pasajes, de lo hermético del mundo de este genio irlandés, merece la pena. Todo el universo resumido en un sólo día. La Odisea cotidiana del hombre del siglo XX. Leopold Bloom somos todos. Y también Stephen Dédalus. Y hasta Molly Bloom.
Otras obras del autor: Dublineses, Retrato del artista adolescente, Exiliados.

La insoportable levedad del ser, M. Kundera
Una de las grandes obras del genio checo. La realidad del amor y de lo que significa estar vivo y que las cosas (las personas) te importen. La asombrosa facilidad con la que las personas entran en nuestra vida, y lo difícil que es entender la dependencia y la pérdida. Dolorosa pero gratificante.
Otras obras del autor: El libro de los amores ridículos, La identidad, La inmortalidad.

La senda del perdedor, C. Bukowski
Me gustan todas las novelas de Bukowski. Elijo esta porque es la primera que leí. El significado real del sueño americano (de cualquier sueño). La vida de los que nunca ganan. De los olvidados, los buenos-para-nada, los que nunca se llevan a la chica y son despreciados (o peor, ignorados) por los demás. La vida de los perdedores.
Otras obras del autor: Factótum, Cartero, Mujeres, Hoolywood.

El extranjero, A. Camus
La ausencia total de valores, el abismo y el hombre asomado a él. La insoportable levedad de la vida. La ausencia de límites y objetivos, la pasividad absoluta para evitar el dolor. Meursault asesinando a un árabe en una playa y siendo juzgado por no llorar la muerte de su propia madre.
Otras obras del autor: La peste, El mito de Sísifo, Calígula, Los justos.

El gran Gatsby, de F. S. Fitzgerald
La persecución obsesiva de un sueño que sólo uno mismo es capaz de ver. Un sueño llamado Daisy. La traición de todos, las luces del lujo que ciegan el alma de los seres mediocres y que son incapaces de ver que Gatsby está por encima de todos ellos. Gatsby juega al mismo juego que ellos, pero no es capaz de carecer tan cínicamente de cierta moral. Sólo el narrador es capaz de verlo. Incluso su adorada Daisy le traiciona.
Otras obras del autor: Suave es la noche.

El lobo estepario, de H. Hesse
Harry Haller, el lobo estepario, no puede evitar vivir como un burgués, aunque se niegue a reconocerlo. La multitud de almas y personalidades en un solo ser humano, el orientalismo entrando en occidente, Harry Haller deprimido y desquiciado entrando en el teatro de las ilusiones.
Otras obras del autor: Siddharta, Bajo las ruedas.

Mientras agonizo, de W. Faulkner
La muerte y la odisea del entierro. Esta novela es un duelo en sí misma. El duelo por Addie Bundren, muerta pero no enterrada, vagando dentro de su ataúd, en la carreta de su familia, a través del desolador Sur profundo de los Estados Unidos.
Otras obras del autor: El ruido y la furia, Luz de agosto.

Trópico de Cáncer, de H. Miller
La primera genialidad de Miller. "Vivo en la villa Borghese. No hay ni pizca de suciedad en ninguna parte, ni una silla fuera de su lugar. Aquí estamos todos solos y muertos." Suficiente.
Otras obras del autor: Trópico de Capricornio, Sexus, Plexus, Nexus.

Nueva York bajo el terror de los Zombies, de Lucio Fulci

2007-11-22T17:52:00.001+01:00

Y llegamos a la primera obra de Fulci sobre zombies. Esto es especialmente importante ya que Fulci es conocido como el padre de los speghetti zombies, películas de temática zombie hechas en Italia -también es conocido como el "padrino del gore"-.

Se trata de una secuela apócrifa de la mítica Dawn of the Dead (1978), del genio George A. Romero. Realmente el guión de la película fue escrito antes de que se estrenara el film de Romero en Italia -promocionado en Europa por Dario Argento, que lo dotó de la banda sonora de Goblin, así como del título Zombie-. En Italia, el título original de la película de Fulci fue Zombi 2, evitando posibles problemas legales con la omisión de la "e". Ambas películas no tienen demasiada relación, salvo por tratar la temática de la épica zombie -un grupo de personas aisladas y acorraladas por los muertos vivientes-, y las secuencias del comienzo y del final -las de Nueva York- fueron incluídas tras el éxito de la película de Romero, de cuyo éxito se sirvieron multitud de películas italianas, empezando por la que comento en estos momentos.

Nueva York bajo el terror de los Zombies (1979), o Zombie en USA, es una película que contiente casi todos los tópicos de las películas de zombies de Romero. Un grupo de personas se ven acorraladas por los zombies en algún lugar aislado; muertos que se levantan de sus tumbas; mordiscos; personas que se convierten en zombies... También comparte elementos del cine clásico de terror -hagamos referencia a I walked with a Zombie (1943, Jacques Tourneur)- como el científico involucrado en la resurrección de los difuntos. Sin embargo todo esto está pasado por la peculiar cámara de Fulci. Esto es: ambientes malsanos y húmedos, feísmo estético, sangre y violencia por doquier... El cóctel resultante es una de mis películas de zombies favoritas.

Desde luego no se puede esperar gran cosa de las interpretaciones, que son correctas y punto. Lo más importante reside en la forma en que se cuenta la historia -una escalada lenta de tensión tras un prólogo brillante, y un final apoteósico-, en los efectos especiales -bizarrísimos y algunas veces bastante realistas para la época-, y en la estética de los ambientes.

Desde luego, queda recomendada como una de las piezas clave de la historia de este subgénero Qque es el cine de zombies.

El más allá, de Lucio Fulci

2007-11-22T14:54:00.001+01:00

Parece que he decidido hacer un mini-ciclo Fulci en medio del ciclo "Diablos sobre ruedas, Gatitas al volante". Y es que este director italiano lo merece -senota bastante lo mucho que me gusta el cine italiano de género-. Es un director controvertido como pocos, puedes adorarle u odiarle, dudo mucho que haya un término medio.

Ya he comentado Lo Squartatore di New York (1982), conocida -poco- en España como El destripador de Nueva York, y he hablado de lo mucho que me ha gustdo.

L'aldilà-E tu vivrai nel terrore es el título original de la película que me ocupa ahora mismo. Fue estrenada en 1981, y en España fue renombrada como El más allá -en inglés, The Beyond-, y pertenece a la faceta más "fantástica" de Fulci. No es una simple películade zombies -como Nueva York bajo el terror de los zombi, que me encanta-, sino que entra dentro de un universo má Lovecraftiano.

La sinopsis es básicamente esta (contiene spoilers): Liza acaba de heredar un hotel donde cincuenta años atrás encontrarton a un puintor crucificado en la pared. Contrata a Marta, y su hijo Joe, dos raros persnajes que mueren en extrañas circustancias. Liza se irá dando cuenta de que algo raro está pasando en el edificio. Escucha ruios y un timbe de vez en cuando se activa precisamente e la habtación 36, donde fue crucificado el pintor. El hotel está construído sobre una de las siete puertas del infierno sobre las que habla la profecía de Eibon.

Es considerada como la obra maestra de Lucio Fulci. No es mi favorita del director pero es muy buena. He de confesar que la primera vez que la ví no terminó de gustarme. Gore desordenado, a veces bastante cutre -para lo que estamos acostumbrados hoy en día-y cierta dejadez en el guión. La segunda vez me encantó, porque vi que Fulci no pretendía contar una historia, sino transmitir sensaciones.

La anécdota tarantiniana relativa a esta película es que el director estadounidense reestrenó -creo que en 1997- esta película.

Recientemente ha sido reeditada en DVD.

El Destripador de Nueva York, de Lucio Fulci

2007-11-20T21:07:00.000+01:00

Parada obligatoria en esta película. Viva Lucio Fulci. Es o único que se me ocurre decir tras verla por segunda vez.

Es una auténtica oda a la irreverencia y a la brutalidad. Sexo desmedido, violencia muy explícita y el Pato Donald como asesino. ES NECESARIA.

La película, de 1982, peca -lo que para mi es una virtud- de los típicos excesos del cine de su autor. En este caso destacan mujeres sensuales bastante promiscuas, escenas de violencia bastante dolorosa hasta para el espectador -ese pezón y esa cuchilla de afeitar... ufff-, y una narrativa exuberante y a veces excesiva -aunque a mi me parece bastante estilizada y me gusta-.

La trama nos lleva a Nueva York donde comienzan a aparecer cadáveres de jovencitas horriblemente mutilados. El inspector encargado del caso recibe llamadas del asesino, que pone la voz del Pato Donald... el inspector consulta a un profesor de psiquiatría y comienza el desfile de sospechosos típicos del giallo, donde todo el mundo podría ser el culpable.

No desvelo nada más. Simplemente queda recomendada al 100% para los amantes del gre -aunque esta entra casi dentro del erótico-gore-.

Por desgracia siempre le cojo el gusto a ciertos directores una vez han muerto. Fulci falleció en 1996, a causa de la diabetes. Entra dentro de ese grupo de directores -como Leone o Kubrick- con los que me hubiera encantado llegar a conversar en vida. Habrá que esperar a estar en L'aldilà para hacerlo -chiste cutre cinéfilo-.

Como anécdota, diré que en una ocasión Quentin Tarantino -qué recurrene es en mi cinefilia este director- confesó a la hija de Fulci haber visto 30 veces El Destripador de Nueva York. Cuando su hija se lo contó al director italiano, éste, reconocido fan de Reservoir Dogs, aconsejó a su hija "casarse con ese individuo inmediatamente".

Ahí queda eso.

Giallos

2007-11-20T20:02:00.000+01:00

Hago un pequeño alto en la maratón de películas con persecuciones trepidantes de coches para comentar un par de películas de ese género que tanto me gusta: EL GIALLO. "Giallo" significa literalmente "amarillo" en italiano, país de donde es originaro el género.

¿Y qué es un giallo? Pues no es más que lo que podríamos llamar un spaghetti Thriller, la versión italiana enloquecida y desquiciada de los thrillers norteamericanos -por ejemplo, las pelis de Hitchcock-. La principal diferencia es la escasez de tapujos en lo que a violencia explícita se refiere -he aquí una de las principales fuentes de las splatters- la descarada sexualidad de las protagonistas -a veces próxima al destape español- y la fuerte estilización -elemento compartido por casi todo el cine italiano "de género", no hay más que ver mis adorados spaghetti western-.

El retrato robot del asesino prototípico del giallo es básicamente una persona enfundada en una gabardina, con guantes de cuero negros, y que porta un pasamontañas o un sombrero que le oculta la cara. Suelen usar armas blancas -cuchillas de afeitar, navajas, sierras...- pero pueden cometer asesinatos de lo más ocurrentes con casi cualquier cosa -véase la bañera de agua caliente de Rojo oscuro, de Dario Argento-.

Algunos de los autores más destacados son:

-Mario Bava: el "creador" del género. O al menos el mas importante de los primeros que dieron su visión a la italiana de los thrillers americanos. Destaca cómo impuso las normas estéticas del género: la estilización de los planos, la plasticidad de los colores, muy vivos... Obras suyas son La máscara del Demonio (1960) , Diabolik (1968), Seis mujeres para el asesino (1964) o Bahía de sangre (1971).

-Dario Argento: el director que dio fama internacional al género. Discípulo de Bava, debutó con la genial El pájaro del plumaje de cristal (1970). Este auto destaca por su persnal manera de dirigir, caracterizada por ciertos planos "firma" (como alguien asomándose a un cristal, las manos del asesino en primer plano...) y por sus personajes plenamente funcionales. Otras obras suyas en el género son El gato de las nueve colas (1971), Cuatro moscas sobre terciopelo gris (1971) -con la que cierra su "trilogía de los animales"-, Rojo oscuro (1975) o Tenebrae (1982). También es importante destacar otras obras de Argento englobadas dentro del género fantástico, como Suspiria (1977), Inferno (1980) o Phenomena (1985). Últimamente ha participado en la serie Masters of Horror, con uno de los capítulos más terroríficos, a mi juicio: Jennifer. Además a día de hoy está por estrenarse la tercera parte de su trilogría sobre las madres: la Terza Madre (precedida por Suspiria e Inferno). A mi personalmente me encanta el trabajo de este director.

-Sergio Martino: tal vez no sea especialmente destacable dentro del género en sí, pero suyo es mi giallo favorito (o uno de los tres favoritos): Torso, violencia carnal (1973). Su cine es aún más violento que el de Argento -o al menos más brutal-, y tiene un contenido sexual más descarado.

-Lucio Fulci: el padre del Spaghetti Zombie. Sin embargo le meto en este grupo por una película fundamentalmente -la única suya dentro del giallo que he visto hasta la fecha-: El destripador de Nueva York (1982). Me ustaría dedicarle un monográfico a esta película más adelante -porque creo que la voy a ver bastantes veces-. pero el único adjetivo que le encaja es el de bizarrada. Y eso me encanta. Fulci es un director plenamente excesivo, cualidad por la cual puedes adorarle -como hago yo- u odiarle -como hace mucha gente. También destacan en su filmografía son Zombie 2: Nueva York bajo el terror de los zombies (1979), Miedo en la ciudad de los muertos vivientes (1980), Aquella casa al lado del cementerio (1981), o El más allá (1981). Esta última me encanta.

Por último, creo que merece una mención especial Ennio Morricone con el que tal vez sea uno de sus trabajos más olvidados o desconocidos: las bandas sonoras de la trilogía inicial de Dario Argento -arriba mencionadas-, la llamada "trilogía de los animales". Quentin Tarantino rescató algunos de estos temas para su Death Proof.

Vanishing Point, de Richard C. Sarafian

2007-11-20T17:29:00.001+01:00

O Punto Límite: Cero, por estos lares. Esta sí que la descubrí gracias a Tarantino y su genial Death Proof, refrito de grades giallos, slashers y pelis de coches como la que nos ocupa en estos momentos. Y por descubrirme esta le estoy especialmente agradecido, pues se trata de mi Road Movie favorita actualmente. Es inigualable.

Esta película es como una especie de Easy Rider pero con coches en lugar de motos, y a mí personalmente me gusta hasta más.

El argumento -según tengo entendido, de Cabrera Infante- aunque sencillo, es genial. Kowalski, un ex-piloto de carreras, ex-policía y demás "ex" se marca una meta: conducir desde Denver hasta San Francisco -Cisco para los amigos- al volante de su Dodge Challenger blanco del 70 en menos de quince horas. Hace una especie de apuesta con el tipo que le vende anfetaminas, pero no creo que se muestren las verdaderas motivaciones de Kowalski -o al menos yo no las ví-. Realmente lo que le mueve es el hastío, las ganas de conseguir algo, de ganar por una vez en la vida.

Para conseguirlo burlará a la policía de varios Estados, cruzará e Valle de La Muerte a toda velocidad, y se topará con personajes de lo màs extravagantes: un viejo cazador de serpientes, una comuna religiosa en medio del desierto, un hippie y su novia la motorista nudista... Toda una gozada de película, señores.

Además hay que mencionar a Super Soul, un locutor radiofónico negro y ciego que guiará a Kowalski a lo largo de su camino. "El ciego que guía al ciego".

No me gustaría desvelar nada más, porque es demasiado genial como para verla con partes del argumento destripadas. Eso sí, el final es absolutamente maravilloso.

El actor que hace de Kowalski, Barry Newman, está sencillamente genial. El papel le queda como hecho a medida, no se me ocurre nadie más famoso que pudiera quedar mejor para el papel.

La dirección es genial, con carreras trepidantes realmente bien rodadas -no como las que tienden a rodarse hoy día, que son puro artificio-, la fotografía es puramente setentera -cosa que me encanta- y la banda sonora es una de las primeras en incluir música rock.

Sólo queda decir Gracias a Dios por el oportunimo de la industria del DVD en España, ya que parece que editan sistemáticamente cualquier película que Tarantino mencione en sus obras -cosa ue yo agradezco, porque muchas me pican la curiosidad, y acaban convirtiéndose en algunas de mis favoritas, como esta-.

Conclusión: hay que verla. Es una película necesaria. Por lo menos a mí me encantó.

Faster, Pussycat, Kill! Kill!, de Russ Meyer

2007-11-19T14:32:00.000+01:00

Dando comienzo a este ciclo sobre películas en las que la cámara va a bordo de un coche hacia el encuentro con el destino, la muerte o el mismísimo infierno.

La primera de la lista es Faster, Pussycat, Kill! Kill! (1966)del padrino del Sexploitation, el gran Russ Meyer, que en este film da rienda suelta a todas sus fantasías sexuales.

Y es que esta película es precisamente eso: Escotes de mujeres con grandes -muy grandes- pechos, coches, velocidad y dobles sentidos, siempre obscenos. ¿Divetido, no?

Esta película es como una especie de sueño para un tío. Para las chicas puede que sea algo diferente. Las mujeres de Meyer son muy sexys y promiscuas, pero también son fuertes -supermujeres- y crueles. Se le podría dar un enfoque casi feminista y decir que esas gatitas son un alegato sobre el verdadero poder de la mujer, el matriarcado, y blah blah blah. Pero quienes la hayan visto sabrán que la peli va sobre tetas. Y no estoy diciendo que eso sea malo, es divertida como el inierno.

Argumento:

La película nos cuenta la historia de Varla, Rosie y Billie, interpretadas respectivamente por Tura Santana, Haji y Lori Williams, que son tres go-gós de una discoteca donde reciben los gritos lascivos de los clientes del local. Cuando su dura jornada -nocturna- de trabajo concluye, van al desierto con sus potentes coches para meterse en algunos líos. Y es que no son precisamente la tímida chica a la que podríamos estar acostumbrados en el cine de la época -la película es del 66-, sino que son una especie de mutación superdesarrollada -sobre todo sus glándulas- y retorcidas de la mujer que retrataba el gran Howard Hawks. Son un grupo de verdaderas zorras del infierno.

El reparto lo completan Stuart Lancaster, Susan Bernard y Ray Barlow.

Prefiero no desvelar nada más de la trama porque es una película que cada cual ha de experimentar por sí mismo, sin prejuicios ni ideas preconcebidas. Se debe comenzar con ella con el cuentakilómetros a cero.

Detalles:

Respecto a la parte ténica de la película, resulta brillante la composición de los planos y la calidad de la fotografía -en blanco y negro-. Y es que es una película en la que se ve la mano de un director realmente inteligente y con mucho talento -tal vez incomprendido y discriminado por el género al que se consagró- como es Russ Meyer.

En la película Death Proof podéis encontrar multitud de referencias a esta película -composiciones de planos y demás-, pero el homenaje más obvio es la camiseta que lleva una de las chicas, en la que se puede ver la figura de Tura Santana como Varla. Además se nota bastante la influencia de Meyer -una más en el haber del director cinéfilo por excelencia- y de esta película en concreto, en practicamente toda su filmografía.

John Waters, el director de Pink Flamingos, dijo de esta película que "[...]es, sin duda alguna, la mejor película jamás filmada. Incluso puede ser mejor que cualquiera que se haga en el futuro... las malvadas Pussycats de Meyer se han convertido en un modelo para todos los personajes de mis películas".

Queda comenada la primera de la saga de películas sobre coches que he decidido comentar mientras aprendo a conducir.

CICLO: Diablos sobre ruedas, Gatitas al volante

2007-11-18T20:07:00.000+01:00

Últimamente me ha dado porel cine de coches, así que declaro abierto un pequeño monográfico sobre películas de coches, road movies, y demás. He llegado a este punto debido a dos factores fundamentales: el hecho de que este verano se estrenase Death Proof -que, como a todo fan de Tarantino, me encantó hasta decir "Dios, lo ha vuelto a hacer"- y el estar sacándome el carnet de conducir y estar ya con el práctico. Si unimos los dos factores -Tarantino y vida real- tendremos una locura pasajera por las peliculas sobre coches. Tarantino encendió la chispa de este gusto y el coche hizo el resto. Eso no quiere decir que me hayan dejado de gustar los westerns o las pelis de artes marciales. Simplemente añado otro género al saco.
El ciclo Estará formado por las siguientes películas:
Faster, Pussycat, Kill! Kill!, de Russ Meyer.
Punto límite: Cero (Vanishing Point), de Richard C. Sarafian.
El diablo sobre ruedas, de Steven Spielberg.
La huída, de Sam Peckinpah.
Eso sí, no me gustaría que se pensara "bah, las ha visto sólo porque a Tarantino le gustan". Ni de coña. Algunas de ellas las he descubierto gracias a él. Otras ya las conocía y me decidió a verlas. Y otras ya me encantaban antes.

Quedan todos invitados, pues, a la carrera.

Johnny cogió su fusil, de Dalton Trumbo

2007-10-25T20:18:00.000+02:00

Hoy toca repasar un clásico esencial de la historia del cine descubierto par mi por un compañero de clase y de charlas cinéfilas, al que aprovecho para agradecer la recomendación desde aquí -dejando constancia de que no sólo me gustan las "pelis de testosterona"-. Se trata del clásico antibelicista Johnny Cogió su fusil (Johnny got his gun), dirigida en 1971 por Dalton Trumbo, que adaptó una novela propia.

Guión: Dalton TRUMBO (d'après son roman, 1939)

Producción: Bruce CAMPBELL y RICH PRODUCTIONS

Images: Jules BRENNERMusique: Jerry FIELDING

Formato: Blanco&Negro - color (Eastmancolor) 35 mm.

Duración: 111 minutos.

Galardones: el GRAN PREMIO ESPECIAL DEL JURADO, PREMIO DE LA CRÍTICA INTERNACIONAL Festival de Cine de Cannes;

Intérpretes:

Timothy Bottoms

Jason Robards

Kathy Fields

Donald Sutherland

Diane Varsi

Marsha Hunt

Se trata de, junto a Senderos de Gloria (Paths of Glory, 1957, Stanley Kubrick), la mejor película antibelicista que he visto. La visión de Dalton Trumbo, aunque genial en el planteamiento, flaquea en mi opinión en la dirección, que a veces se hace confusa. Sin embargo, teniendo en cuenta que se trata de la única película dirigida por Trumbo, no está nada mal. Además, consigue crear situaciones realmente angustiosas mediante los juegos de sombras, principalmente en la escenas en blanco ynegro -pues se trata de una película que intercala escenas en color y en blanco y negro-.

El guión, como ya he dicho basado en la novela del propio director y adaptada por él mismo, es verdaderamente brillante. Un joven norteamericano (Joe) es enviado a luchar en la I Guerra Mundial -esa terrible carnicería organizada con pensamient decimonónico pero armamento del s XX-. Deja atrás a su familia -su padre falleció algún tiempo atrás- y a suamantísima novia, con la que mantiene una primer ay única relación sexual la noche antes de partir. En las trincheras. Joe resulta horriblemente herido por una bomba: pierde ambos brazos y ambas piernas, así como la mandíbula, la lengua, y los ojos, quedando ciego, mudo, sordo e irreconocible. Se trata por tanto, de un torso que es incapaz de exteriorizar emoción o pensamiento algunos, pero que sigue sufriendo y haciéndose preguntas. Un hombre enjaulado en su propia mutiliación, que no tiene más compañía que la suya propia, sus angustias, y sus fantasmas.

Así, Trumbo nos narra mediante flashbacks, sueños y hechos reales -éstos últimos, en blanco y negro- el tremendo desasosiego y dolor de un hombre destrozado. Pero no contentos con el resultado, el ejército decide ocultarle en un hospital, para mantenerle vivo y estudiarlo. Johnny sólo quiere que le muestren al mundo, como la grotesca creación del hombre que es.

Las enfermeras encargadas de cuidarle son aleccionadas para no sentir lástima por él. Sólo una acaba esteriorizando la tremenda empatía, el terrible sentimiento de culpa que hace brotar en el mismo espectador la visión del pobre Joe.

Mi opinión: brillante de principio a fin.

La Nouvelle Vague y "Al final de la escapada", de Godard

2007-10-21T12:22:00.001+02:00

Introducción a la Nouvelle Vague:

Jean-Luc Godard. Últimamente parece estar de moda desmitificar a este legendario cineasta, esta leyenda viva del cine y estandarte de la genial corriente Nouvelle Vague, que revolucionó el mundo del celuloide durante finales de los 50's y la década de los 60's. Cineastas como Truffaut (mi favorito personal dentro del movimiento), Chabrol, Rohmer o el propio Godard (mi otro favorito de la Nueva Ola) reinventaron las normas del cine, rompiendo con el estilo clásico y concibiendo lo que sería el embrión del "cine moderno".

La instrucción de todos ellos se llevó a cabo principalmente en dos frentes. En primer lugar, la Cinemathèqe Française de París -donde, por otra parte, comenzó la revuelta de mayo del 68-, templo parisino del cine donde se proyectaba todo tipo de películas, clásicas y modernas, buenas y malas. Allí fue donde contemplaron obras de Howard Hawks, de John Ford, de Sam Fuller, de Alfred Hitchcock... y se enamoraron perdidamente de ellas; el segundo frente fue la revista Cahiers du Cinéma -fundada en 1951 por André Bazin-, desde la cual una nueva generación de críticos (entre ellos Godard, Rivette, Chabrol, Rohmer o Truffaut) creaban opinión sobre las películas, sobre los cineastas y sobre el modo de ver este genial medio.

Podría decirse que la actividad de esta "Nueva Ola" del cine francés comenzó con su precursor Jean Pierre Melville. Pero las primeras películas consideradas como puramente de la generación son fundamentalmente tres: Los 400 golpes (les 400 coups, 1959, François Truffaut), Hiroshima Mon Amour (1959, Alain Resnais), y Al final de la escapada (À Bout de Souffle, 1959, Jean-Luc Godard). Es precisamente en este título donde se unieron varios genios para crear una película totalmente innovadora y rompedora, una de mis favoritas del movimiento. Godard y Truffaut la escribieron, con la colaboración de Chabrol, y Godard la dirigió, además de editarla de manera absolutamente rompedora.

Ésta es la película que me ocupa hoy.

Introducción a Godard:

Como ya he dicho, parece estar de moda desmitificar a Godard. Igual que lo está decir que Marlon Brando "no era tan buen actor" (mentira, era un genio, maestro de maestros como Nicholson o De Niro).

El cineasta del cigarro y las eternas gafas de sol. Godard fue (sigue vivo, pero su obra actual me interesa más bien poco...) un cineasta brillante que rompió las encorsetadas normas clásicas del cine clásico, reclamando la maestría de genios menospreciados en la época como Howard Hawks.

Hizo un puñado de películas brillantes antes de radicalizarse y comprometer su cine a la causa del comunismo (decisión que hace que en cierto punto, su cine deje de interesarme, pues pierde esa "inocencia" y genialidad inicial).

Está claro que es un cineasta en ocasiones casi inaccesible (Alphaville), pero en otras demostró ser el genio mundano, el gran innovador que cambió muchas cosas, abonando el terreno para el cine moderno. Hablo de películas como Al final de la escapada o Banda Aparte.

Argumento (puede contener spoilers):

Al final de la escapada trata de una película protagonizada por unos brillantes Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg (bella como pocas en la pantalla). El argumento se centra en Michel (Belmondo) un joven que se limita a vivir el momento, resultando nihilista a veces -quedando emparentado con el Mersault de El extranjero, la novela de Albert Camus-, que comete un asesinato movido por el impuslo del momento, cuando se desplazaba en coche robado de Marsella a París. En París, se dedica a perseguir a un tal Antonio que le debe dinero, mientras seduce a viejas novias y trata de que Patricia (Seberg), una joven estadounidense que vende el New York Herald Tribune en los Campos Elíseos, le acompañe a Roma. Las dudas de ella y la huída de él de la policía desencadenan una historia de amor compleja que termina trágicamente.

"¿Qué significa... asquerosa?"

Nueva lista de películas favoritas

2007-10-08T18:27:00.000+02:00

No me apetece borrar la anterior lista de mis películas favoritas, siempre está bien revisarla para ver mi evolución como cinéfilo. Pero me apetece colgar una un poco más depurada.
He llegado a la conclusión de que he de diferenciar las que considero "mis películas favoritas" de aquellas otras que considero "las mejores películas que se han hecho". Es decir, que son dos conceptos completamente diferentes. Por ejemplo, considero Érase una vez en América como una de las tres mejores películas que se han hecho, pero puestos a elegir entre mis favoritas, pondría El bueno, el feo y el malo, por hablar sólo de un director.

De todos modos es muy variable. Si hubiera redactado la lista a los 12 años, estarían El silencio de los Corderos y Star Wars sin dudarlo. Y siguen encantándome, pero a día de hoy, las estrictamente favoritas son estas.

Por lo tanto, allá van. Esta vez las únicas normas son: no repetir director ni equipo creativo y reducir la lista a 10.

Por lo tanto, allá van esas 10 películas que, no siendo necesariamente las mejores de la historia -también tengo lista para eso, pero es mucho más complicado-, son aquellas que de verdad me gustan.

Eso sí, no habrá ranking. No es un podio ni nada así. Es simplemente una lista. De hecho, las ordenaré de manera cronológica.

Río Bravo (Rio Bravo, 1959, Howard Hawks).

Tarantino la definió como "the best hang out movie ever". Y lo mismo pienso yo. Poner la película es como ir a dar un paseo con viejos amigos. Vas y haces la ronda con el bueno de John T. Chance y con Dude. Tocas unas canciones con Colorado. Juegas una partida en el hotel... Muchos de los valores por los que me rijo vienen de hombres como Hawks o Leone, que hablaban de tiempos en los que "los hombres eran hombres", cualquiera que sea el significado de eso.

El bueno, el feo y el malo (Il Buono, il bruto, il Cattivo, 1966, Sergio Leone).

Para mí, en esta película está la mejor escena jamás rodada. Y qué diablos, nunca he visto nada tan emocionante en la pantalla. Esos tres chacales luchando ferozmente por un tesoro, el marco de la guerra civil americana, la emoción de la música de Ennio Morricone, la brillante direccíón de Sergio Leone. Si tuviera que hacer un top 1 de mis películas favoritas, esta sería la elegida.

Cowboy de medianoche (Midnigh Cowboy, 1969, John Schlesinger)

Una de las últimas inclusiones en la lista. Ejemplar película de Schlesinger que muestra las aventuras de un gigoló Tejano en Nueva York. Memorable la peculiar amistad entablada con Ratso (Dustin Hoffman), la brillante banda sonora... Una película que me encantó de principio a fin y que merece estar entre estas diez. Y menudo finalazo.

Grupo Salvaje (Wild Bunch, 1969, Sam Peckinpah)

Mucho dudé si meter esta película o Perros de paja, del mismo director. Sin duda, se nota que me gusta el western (no todo, ojo). Genial película crepuscular sobre los últimos hombres de verdad en el oeste. Un puñado de forajidos violentos y puteros que no dudan en matar por egoísmo. Pero al final matan por una causa justa, redimiéndose. La frase: "Si se mueven, mátalos".

Taxi Driver (Taxi Driver, 1976, Martin Scorsese).

Nunca se reflejó tan bien la soledad del hombre. La metáfora del taxista, completamente rodeado de gente, pero abrumadoramente solo. Los intentos fallidos por salir de esa soledad, el descenso a la locura, la redención como brutal héroe. Menuda obra maestra hizo usted, señor Scorsese. Y menudo Robert De Niro, en uno de los papeles de su vida.

La chaqueta metálica (Full Metal Jacket, 1987, Stanley Kubrick).

Siempre odié las clases de Educación Física. Me sentía como el Recluta Patoso en la primera mitad de la película. La dura instrucción militar, la alienación del hombre para ser convertido en máquina de matar... y después la segunda mitad, la puesta en práctica, el horror (y a la vez la belleza) de la guerra, lo salvaje del mundo... Kubrick, señoras y señores. Seguramente no es su mejor película, pero sí fue la que vi de él. Las primeras impresiones son importantes.

Pulp Fiction (Pulp Fiction, 1994, Quentin Tarantino).

Pocas palabras para el genio de los diálogos y del ritmo narrativo. EL cineasta más brillante de los últimos tiempos. Dicen que no ha inventado nada nuevo... inventa con la suma de los opuestos, crea un estilo propio a base de fuentes tanto cultas como desconocidas. La película de los 90's, sin lugar a dudas, y una de las que más me impactaron en el primer visionado. Está en la lista desde el minuto uno de la primera vez que la ví.

Chungking Express (Chong qing sen lin, 1994, Wong Kar-Wai).

Mi película oriental favorita, probablemente. Amor en tiempos de superpoblación y comida rápida. Dos historias muy vagamente relacionadas, sobre un par de policías y sus problemas con las mujeres. La ciudad que hierve de gente, la tierna pero triste pérdida de un amor, y el esperanzaador descubrimiento de otros nuevos. Eso, y Faye Wong bailando al ritmo de California Dreaming.
Fargo (Fargo, 1996, Hermanos Cohen).

Otra gran obra de los 90's (para mí, junto con los 60's y 70's, las épocas doradas del cine), en la que para mí es la mejor película de humor negro. Mucha gente la ve como un thriller, pero yo me desternillo con ella. Brillante diálogo, sordidez, nieve y dinero. Los Cohen en su mejor obra (con permiso de El Gran Lebowski). Es de esas películas que nada más acabar de verla estaba deseando ponerla otra vez (de hecho, la vi dos días consecutivos). Grandes Frances McDormand y Steve Buscemi.

Hable con ella (2002, Pedro Almodóvar)
Probablemente, la inclusión más polémica (???). Esta película es una de las cosas más absolutamente tristes que pueden verse. Y su creador lo logra mediante el humor. Si puedes reírte con unos personaje,s entonces llorarás por lo que les pase. Si todo son lágrimas, acabarás aborreciéndolos. Qué buen ejemplo de cine.

Seguramente cualquier día alteraré la lista. Pero por ahora, creo que estas son mis 10 favoritas (aunque lógicamente, hay muchas más).

Curiosamente, no he visto ninguna de ellas en la gran pantalla (cosa que me encantaría hacer algún día). Si ya son mis favoritas habiéndolas visto sólo en pantalla pequeña, no quiero imaginar cuánto me gustarían en el cine.

Especial Audrey Herpburn: homenajeando a un ángel

2007-09-08T14:41:00.000+02:00

Damas y caballeros. El proyector se pone en marcha. La pantalla se ilumina. Una música celestial llega a nuestros oídos, se trata de Moon River. Vemos una calle, inconfundiblemente neoyorkina. Y un taxi que se acerca. Del taxi, sale una mujer con un elegante traje de noche, y unas gafas de sol. En la mano, una bolsa. Se para frente a Tyffany's, la famosa joyería. Saca de la bolsa un croissant y un café. Y se los toma tranquilamente, mientras se dedica a mirar los lujosos escaparates.
Desde luego, no es lo mismo leerlo en mi torpe descripción, que verlo en imágenes. Pero puedo asegurar -y seguro que cualquiera que sepa de lo que estoy hablando- no podrá evitar recordar esa mítica escena inicial de Desayuno con Diamantes. Y estoy seguro de que todos nos enamoramos de esa mujer que desayunaba entre lujo y glamour en ese momento. Sí, señoras y señores. Se trataba de la única e inigualable. Se trataba de Audrey Hepburn. Aquella que ha marcado mi cánon de belleza femenino. Aquella que hace que me estremezca con una mirada en primer plano, o con un gesto sutil.

Se trata no solo de una de las mejores actrices de la historia del cine, ni de la cara más bonita que se ha paseado por una pantalla, regalándonos obras como la ya mencionada Desayuno con diamantes (Breakfast at Tyffany's, 1961, Blake Edwards). Se trata además de una persona excepcional, que vivió de una manera ejemplar y que dejó tras de sí un legado a seguir.

Una vida de película:

Nació en Ixelles , comuna de Bruselas, Bélgica, el 4 de mayo de 1929 con el nombre de Edda Kathleen Hepburn-Ruston Van Heemstra, hija del banquero inlés Joseph Hepburn-Ruston y de la aristócrata holandesa Ella van Heemstra. Fue al colegio en Inglaterra y en Holanda hasta que, con motivo del divorcio de sus padres en 1935 se instaló definitivamente con su madre en Holanda. Allí, en Arnhem, sufrió las carencias de la Segunda Guerra Mundial, motivadas por la ocupación alemana. Como curiosidad, Audrey colaboró como correo de la resistencia contra los nazis.

Carrera cinematográfica:
Finalizada la guerra, Hepburn y su madre se trasladaron a Londres, donde tomó clases de ballet y trabajó como modelo. En 1951 comenzó a actuar en películas de cine. Eran papeles de figurante que fue poco a poco incrementando con el paso de los años. En ese periodo apareció también muy brevemente en la famosa película de la Ealing Oro en barras (1951). Decidida a hacerse un hueco en el mundo del cine, Audrey se marchó a Hollywood para probar suerte y la verdad es que no pudo ser más afortunada.
Tras revelarse en Broadway con "Gigi" consiguió su primer papel americano en una película de William Wyler llamada Vacaciones en Roma (1953), una comedia romántica co-protagonizada por un ya estelar Gregory Peck.
El film fue todo un éxito y su aristócrata interpretación premiada con el Oscar a la mejor actriz. No cabe decir de que fue la intérprete femenina revelación del año.
En los años 50, Audrey se presentaba como un tipo de belleza muy alejado de las carnosas féminas estilo Jane Russell, Marilyn Monroe o Jayne Mansfield. Su elegancia y apariencia distinguida fueron muy bien aprovechadas en películas de corte romántico de múltiples variantes como Sabrina (1954) de Billy Wilder, Una cara con ángel (1956) de Stanley Donen o Ariane(1957) también dirigida por el gran Wilder. Fue en esa época en la que conoció a Hubert de Givenchy, un apuesto diseñador que trabajaba para Dior. Givenchy se convirtió en su mejor amigo y el ideólogo del «look Audrey», basándose en la figura elegante y sin estridencias de la actriz.
Otros films de los 50 fueron Guerra y Paz (1956) de King Vidor, Mansiones Verdes (1958) de Mel Ferrer e Historia de una monja (1959) de Fred Zinnemann. Por sus actuaciones en Sabrina e Historia de una monja, Audrey volvería a ser nominada al premio Oscar.
En Mansiones Verdes había sido dirigida por Mel Ferrer, actor, productor y director con el que se había casado años atrás, en 1954.
Con Ferrer compartiría protagonismo en dos ocasiones, Guerra y Paz (1956) y en Encuentro en París (1964), una película firmada por Richard Quine. Cuatro años después de finalizar este trabajo se divorciarían.
Títulos como Los que no perdonan (1960) de John Huston, Desayuno con diamantes (1961) de Blake Edwards -por el que volvió a ser nominada al Oscar-, Charada (1963) de Stanley Donen, My Fair Lady (1964) de George Cukor, Como robar un millón y... (1966) de William Wyler, Dos en la carretera (1967) de Donen o Sola en la oscuridad (1967) -última nominación- de Terence Young mostraban tanto su talento interpretativo como el éxito que seguía manteniendo entre la audiencia cinéfila con productos de calidad que compartía al lado de gente tan importante como Burt Lancaster, Cary Grant, Rex Harrison o unos jóvenes George Peppard y Albert Finney.
Tras su divorcio de Ferrer y su boda con el médico Andrea Dotti en enero de 1969 (se divorciarían en 1982), Audrey Hepburn se retiró del cine para ocuparse de sus dos pequeños hijos durante unos años regresando en 1976 con la crepuscular historia sobre Robin Hood desarrollada en Robin y Marian (1976), un film dirigido por Richard Lester y co-protagonizado por Sean Connery.
Sus posteriores apariciones en la pantalla grande se cuentan con los dedos de una mano siendo su último trabajo el compartido con Steven Spielberg en Always (1989), donde daba vida a un ángel (todos han querido ver en ese papel la evocación que se tenía de ella en muchos ambientes) poco antes de ser nombrada embajadora especial de UNICEF.

Sus obras de caridad:
A través de UNICEF, Hepburn dedicó el resto de su vida a ayudar a los niños necesitados en los países más pobres. En UNICEF todavía recuerdan su dedicación y entrega a la causa, que databa desde el año 1955 y que, poco a poco, fue ganando peso en su vida. Cabe destacar su estatua en la sede UNICEF de Nueva York, inaugurada en el año 2000.
Una de las cosas que más destacaron en sus últimos años fue la dedicación, por encima de su salud, a las causas del sida o la malnutrición de los niños en todo el mundo. En 1993, tres meses antes de su muerte y ya desahuciada, Audrey hizo su último viaje a Somalia, un acto que siempre fue muy agradecido por UNICEF y que dignificaba su ya sencilla y humana forma de entender la vida.

Sus matrimonios:
Hepburn estuvo casada en dos ocasiones, la primera con el actor Mel Ferrer, con el que tuvo un hijo, Sean (que actualmente gestiona la fundación Audrey Hepburn Childhood), y la segunda con Andrea Dotti, un médico italiano trece años menor que ella, que le dio su segundo hijo, Lucca. Audrey confesó que el fracaso de estos dos matrimonios la hizo sufrir mucho. En los últimos años estuvo unida al famoso compositor Claudio Jones.

Una estrella que se apaga:
Falleció de cáncer de colon en su casa de Tolchenaz, en Suiza, el 20 de enero de 1993 a los 63 años de edad. Ese mismo día, Elizabeth Taylor dijo que «Dios estaría contento de tener un ángel como Audrey con él».

En el 2007 se subastó un traje que lució la actriz en la película Desayuno con diamantes por un precio de 467.200 libras (unos 700.500 euros) destinando el dinero a un proyecto, impulsado por el escritor Dominique Lapierre, para dos escuelas en Bengala.

Tras exponer todo esto, sólo me queda dedicar este artículo lógicamente a la tristemente desaparecida actriz, y decir: siempre serás querida, Audrey. Más que ningún otro astro en la pantalla.

"I was born with an enormous need for affection, and a terrible need to give it"

El bueno, el feo y el malo, de Sergio Leone

2007-09-05T11:46:00.000+02:00

Este no es un comentario sobre una película cualquiera -de hecho, ninguno de los que escribo lo es-. Ésta es una película especial, porque contiene la que para mí es (y, mucha atención) la que probablemente es la mejor escena jamás rodada en la historia del cine.

Se trata de El Bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966, Sergio Leone), que es sin duda la cumbre del Spaghetti Western, al igual que Hasta que llegó su hora es el funeral y el toque de campanas a muerto del western en general -ya que posteriormente sólo se vislumbran algunos toques de genialidad, no por ello menos importantes, como Wild Bunch de Pekinpah, o Sin Perdón de Eastwood-.
Y me apetece comentarlo hoy porque hace poco han surgido dos noticias relacionadas con el tema: en el festival de Venecia de este mismo año, se ha homenajeado a uno de mis géneros favoritos: el Spaghetti western. Por fin se ha hecho justicia. Un género por décadas despreciado oficialmente, pero adorado y venerado por cineastas de todo el mundo y de todas las generaciones, es al fin reconocido como una de las cumbres de la historia del cine.

Sí, señores, esto es justicia histórica. Y es que, independientemente de sus largos periodos de crisis, el cine italiano nos ha regalado periodos maravillosos, como son el neorrealismo de postguerra (por ejemplo, Roma, città aperta de Rossellini), algunos peplum memorables (allí se rodaron gran parte de las escenas de obras como Quo Vadis o Ben-Hur), este mismo Spaghetti Western, y, en los 60's y 70's, el género Giallo, que no es otro sino el mítico terror italiano encabezado por directores como Dario Argento.
La segunda noticia es el incendio acaecido en los míticos (y por mi siempre reverenciados como una de las mecas más importantes del cine mundial) estudios de Cinecittà, lugar clave para entender el cine de Leone, así como otras muchas grandes producciones mundiales. Afortunadamente, el incendio no fue demasiado grave, y fue poca la zona afectada por las llamas.

1.-Ficha:

Título original: Il Buono, il brutto, il cattivo
Año: 1966
Duración: 182
Compañía Productora: Produzioni Europee
Associati (PEA)
Distribuidora: Regia Films Arturo Gonzalez S.A.
Distribuidora DVD: Filmax Home Video
Género: Acción-Suspense
Reparto: Aldo Giuffrè, Claudio Scarchilli,
Clint Eastwood,Eli Wallach, Enzo Petito,
John Bartha, Lee Van Cleef,Luigi Pistilli,
Mario Brega, Rada Rassimov,
Dirección: Sergio Leone,
Productor: Alberto Grimaldi,
Guión: Agenore Incrocci, Furio Scarpelli,
Luciano Vincenzoni, Sergio Leone,
Música: Ennio Morricone,
Fotografía: Tonino Delli Colli,
Montaje: Eugenio Alabiso, Nino Baragli,

2.-Tres tiburones
Mientras La muerte tenía un precio pulverizaba records en el Supercinema de Roma, los directivos de la sede londinense de la United Artists fueron invitados a un pase junto con las tres mil personas que abarrotaban el recinto. El objetivo del productor Alberto Grimaldi, el guionista Luciano Vincenzoni y de Sergio Leone era vender los derechos de la distribución del film en el extranjero. Finalmente, llegaron a un acuerdo por el que obtuvieron un millón de dólares. En la misma reunión, al ser cuestionado acerca del próximo proyecto del trío, Vincenzoni improvisó: "Es un film acerca de tres bribones en busca de un tesoro en la época de la guerra civil americana". Los ejecutivos de la United Artists preguntaron qué presupuesto necesitaban para el film. Dándose la vuelta, Vincenzoni le preguntó a Grimaldi en italiano y éste contestó "Ochocientos mil dólares". Vincenzoni, en inglés, dijo a los ejecutivos de la United Artists "un millón de dólares", cifra que fue aceptada. El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo) terminó costando un millón trescientos mil dólares, aunque su distribución internacional ya casi garantizaba dicha cantidad.
Tras el fallido intento de colaboración con el dúo de guionistas conocido como Age-Scarpelli, la historia, que fue escrita por Vincenzoni y Leone (de nuevo con la participación no acreditada de Sergio Donati), estaba protagonizada por tres hombres.

3-Sinopsis:

El bueno (Clint Eastwood) alias "Blondy" ("Rubio"), el malo (Lee Va n Cleef) alias "Angel Eyes" ("Ojos de ángel; Sentencia") y el feo (Elli Wallach) alias "Tuco", y cuyo nombre completo es Tuco Benedicto Pacífico Juan María Ramírez, son respectivamente, un cazarecompensas, un asesino a sueldo que luego deviene en sargento inescrupuloso del norte, y un ladrón. Se ubican en un ambiente del viejo oeste durante la Guerra de Secesión Norteamericana.

El bueno y el feo tienen un trato. El bueno vende al feo para cobrar la recompensa, le rescata de la horca en el último momento, y se reparten el botín. Pero el bueno decide acabar con el negocio, pero falla en su intento, y el Feo se venga de él.

El feo lleva a El bueno a morir al desierto, así se cruzan con una diligencia del Ejército del Sur en la cual un soldado moribundo entrega la localización de un tesoro en monedas de oro (200.000 dólares enterrados en una tumba) a cambio de agua, pero resulta que muere sin que ninguno de los dos tenga la información completa: a El feo le dijo el nombre del cementerio Sad Hill (Loma Triste), y a El bueno le dijo el nombre sobre la cruz en una tumba: Arch Stanton.

Así -aunque peleados y cada uno con la mitad del secreto- se vuelven a asociar y emprenden rumbo al cementerio por la esperanza del oro. En el camino, suceden varias complicaciones, incluido un encuentro con el Malo del que parece logran escapar, y finalmente un duelo en triángulo en el círculo central empredrado del cementerio -sin precedentes hasta entonces en la historia del género- y que culminará entre el frenesí y la delirante música de Ennio Morricone con el tema llamado El Trío.

3.-El Reparto:

Para los tres personajes principales, Sergio Leone decidió mantenerse fiel a las anteriores partes de la Trilogía del Dólar.

-EL BUENO:

Para El Bueno, eligió a Clint Eastwood, con quien trabajó por primera vez en Por un puñado de dólares (Pugno di dollari, 1963, Sergio Leone), cuando el actor sólo había hecho algunos trabajos para la televisión norteamericana. Se trataba también de la película que supuso el bombazo en taquilla, e inició el Spaghetti Western. Posteriormente, volvieron a colaborar en la segunda parte de la trilogía, La muerte tenía un precio( Per qualche dollaro in più, 1965, Sergio Leone), en la que volvía a hacer de bueno (aunque el argumento no tenga relación entre las diferentes partes de la trilogía).
Finalmente, Eastwood fue también contratado para hacer de bueno en esta tercera parte de la trilogía. Posteriormente, Eastwood se convirtió en uno de los más importantes e influyentes actores de Hoollywood, con films tan destacados como El desafío de las águilas (Where Eagles Dare, 1968, Brian G. Hutton), o la saga de Harry el Sucio -Harry el sucio (Dirty Harry, 1971, Don Siegel), Harry el fuerte (Magnum Force, 1973, Ted Post), Harry el ejecutor (The enforcer, 1976, James Fargo), Impacto súbito (Sudden Impact, 1983, Clint Eastwood) y La lista negra (In the Death Pool, 1988, Buddy Van Horn)-, por citar sólo dos de sus papeles más importantes.
Eastwood también se ha atrevido con la dirección, rodando películas como el jinete pálido (Pale Rider, 1985), El Sargento de hierro (Heartbreak Ridge, 1986), Sin perdón(Unforgiven, 1992), los puentes de Madison (The bridges of Madison County, 1995), Mystic River (2003, nominado a mejor director en los Oscar), o Million Dollar Baby (2004, con la que consiguió los Oscars a Mejor Director y Mejor película, entre otros premios y nominaciones).

-EL FEO

Para el papel de El Feo, Leone contrató a Elli Wallach. Dentro de su vasta carrera, que abarca más de medio siglo vigente como actor, se pueden mencionar las películas Los Siete Magníficos (The Magnificent Seven, 1960, John Sturges), Lord Jim (1965, Richard Brooks), El Padrino III (The Godfather, Part III, 1990, Francis Ford Coppola) y Mystic River (2003, Clint Eastwood). Su personaje más recordado es el granuja Tucco, el Feo de El bueno, el feo y el malo (Il Buono, il Brutto, il Cattivo, 1966, Sergio Leone).

-EL MALO

Lee Van Cleef se convirtió en actor después de servir en el ejército durante la II Guerra MUndial, y de una breve carrera como contable. Su primera película fue un clásico del oeste, Solo ante el peligro (High Noon, 1962, Fred Zinnermann), en la cual interpretaba a un villano. Aparece también como villano en el clásico de John Ford, El hombre que mató a Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962, John Ford), pero a mediados de los años 60, estaba retirado de la actuación y se ganaba la vida como pintor de poca monta, hasta que un día Sergio Leone lo rescató para sus Spaghetti Westerns. Inicialmente reacio a abandonar Nueva York para trasladarse a Europa a rodar, puesto que por aquel entonces tenía que terminar de entregar un cuadro por valor de 30 dólares, sus reticencias rápidamente se disiparon al oír que su sueldo s ería de 50.000 dólares.
Tras la Trilogía del dolar (apareción e la segunda y la tercera entrega), protagonizó diversos westerns y películas de acción, en los que casi siempre interpretaba un papel similar al que interpretó en La Trilogía del Dólar.
Lee Van Cleef murió en 1989 y fue enterrado en Los Ángeles.

4.-El Compositor
La música de la película corrió a cargo del compositor habitual de Leone, el genial Ennio Morricone, probablemente el mejor compositor de la historia del cine.
Morricone compone y conduce varias piezas míticas: la famosísima pieza con la que comienza el film, inspirado por el aullido de un coyote mientras los geniales títulos de cr édito te transportan a otra época; la tensa y bellísima pieza de guitarra Il Tramonto, que ilustra algunas de las escenas de El Malo, y que Quentin Tarantino recuperó para su Kill Bill; o la colosal y épica l'estasi dell'oro, que da ritmo a la carrera de Tucco por el cementerio...
Probablemente, una de las mejores bandas sonoras que se han compuesto, gracias de nuevo al eterno Maestro y Genio que es Morricone.

5.-IL TRIELLO

Me apetece hablar especialmente de la escena final de la película. Como ya he mencionado, para mi es probablemente la mejor escena de la historia del cine. Aquella en que la unión de ritmo narrativo irreal, pulso tenso, planos, música, miradas, interpretaciones... TODO encaja a la perfección, alcanzando el nivel más alto de la historia.

Los veinte minutos finales son lo mejor de El bueno, el feo y el malo. Una vez superado el obstáculo del puente, Tuco es el primero en llegar al cementerio. Rubio le ha dicho que la tumba en la que está el dinero lleva el nombre de Arch Stanton. Así pues, Leone filma l'estasi dell'oro (como llama acertadamente Morricone al tema musical de esta secuencia, con la voz de la soprano Edda Dell'Orso) con teleobjetivos que siguen desde la distancia los movimientos circulares de Tuco en b úsqueda de la tumba.

Hasta ese momento, este manierismo en la puesta en escena es lo más arriesgado que había hecho el director. Cuando encuentra la tumba, la abre y resulta que allí no hay dinero. Evidentemente, Rubio no iba a fiarse de él y el dinero se halla en otra. Justo en ese momento aparece Sentencia y el triello (que no duello) se hace inevitable. Rubio escribe el nombre de la tumba verdadera en un trozo de piedra y el ganador se quedará con el dinero.

Esta última parte del film fue también la más trabajada por Ennio Morricone, que llevó su colaboración con Leone hasta el extremo de componer los temas correspondientes antes que las secuencias fueran filmadas. De esta manera, los planos fueron rodados y montados con dicho acompañamiento musical en mente y no al revés, como es habitual.
Para el nuevo enfrentamiento en la arena Morricone escribió una variación del degüello de La muerte tenía un precio, incluyendo la guitarra y la trompeta de mariachi. Al igual que en el anterior film, la resolución tiene lugar tras un interminable intercambio de miradas y
amagos de coger el revólver. Aún sin la frase de "Indio" "cuando acabe la música, coge el revólver y dispara si puedes", los personajes esperan al fin de la misma para disparar. Lógicamente gana "El bueno" al alcanzar a "El malo".

El carácter absurdo de Tuco queda puesto de manifiesto una vez más; Rubio le había descargado la pistola la noche anterior y éste no se había enterado. "El Feo" ha quedado relegado a la segunda categoría: "los que cavan".
Rubio, finalmente, no había escrito nada en la piedra: "Carson únicamente dijo la tumba sin nombre junto a la de Stanton". Aunque hace creer a Tuco que lo va a matar (colgándole de una soga), finalmente lo libera y deja que se lleve la mitad del dinero.

[Quiero agradecer a www.zonadvd.com por el estupendo análisis que hacen de esta película, y de su escena final. Ha sido de gran utilidad.]

Jaime Infante, Guardián entre el centeno

2007-09-04T12:53:00.000+02:00

Pues sí, en estos días me siento como el protagonista de mi novela favorita: El guardián entre el centeno, de J.D. Salinger (también aprovecho para decir que actualmente mi mayor ambición es llegar algún dñia a adaptar esta novela al cine y ganar por ello la Palm D'Or de Cannes, ahí es ná).
Y es así porque Holden Caulfield -el personaje- siempre se queja de ser incapaz de sentir "que está dejando un lugar". Le pasa cuando le echan del instituto, igual que le había pasado tantas veces antes.
A mí me está pasando más o menos lo mismo.
Al principio del verano, me daba lástima pensar en el instituto. Es como todo. Estás deseando que una etapa pase. Y cuando se ha acabado, te da un poco de lástima.
Pensaba por ejemplo en los compañeros -bueno, más que nada en las compañeras- que quedaban detrás. Y me daba lástima pensar "jo, me gustaba hablar de cine con esta persona" o "jo, con lo contagiosa y graciosa que era la risa de esta compañera y ya no la voy a oir más" -al igual que el de Holden, mi vocabulario está lleno de "jo"-.
Pero hace unos días pasé por delante de mi viejo instituto -no puedo evitarlo, vivo muy cerca, y está en medio de una de mis rutas principales: casa-tienda de cómics-. Estaba caminando tan tranquilo, con Happy Together sonando en los auriculares, cuando me dí cuenta de que tenía una sonrisa de bobo en la cara.
Paré. Me quedé mirando el gimnasio donde tantos malos ratos había pasado -odiaba la Educación Física-, la ventana del aula de Francés -una de las pocas clases que me gustaban-, el parking, donde pude reconocer algunos de los coches de mis antiguos profesores. Y no me dio ninguna lástima. Estaba feliz, en plan "que te jodan, I.E.S. El Pinar, tú a mi ya no me alcanzas".
Seguí caminando, y la sensación era la misma que cuando uno acaba un libro y lo cierra. Se queda un rato sentado -o tumbado, o como quiera que lea-, aún impregnado en las últimas palabras de la obra, y lo paladea. O como cuando uno sale del cine, de ver una película que le ha maravillado, y a pesar de querer comentar la película, se queda en silencio, maravillado por lo que acaba de presenciar. Me sentí como Robert De Niro después de violar a Deborah en Érase una vez en América. Contradictoriamente genial.
Ahora, si miro hacia delante, me acuerdo de algo que me dijo alguien muy querido: "los años de instituto están bien, pero siempre son frustrantes. Los de universidad son realmente buenos". Espero que así sea.
Hablando sobre sueños y futuro, siempre acabo cayendo en una serie de tópicos. El hecho de querer llegar a ser un gran director, reconocido y admirado; querer tener casas en ciudades como París, Amsterdam, Hong Kong o Tokio; y uno de lo más raro. El extraño deseo de que algún día ese instituto deje de llamarse I.E.S. El Pinar y pase a llamarse I.E.S. Jaime Infante. Porque si llego a hacer todo lo que quiero llegar a hacer, habré sido la persona más importante que haya pasado por él. Un lugar al que he llegado a odiar tanto, cobrará una nueva y brillante dignidad simplemente porque yo suspendía las matemáticas en él, o porque gané el premio de relato corto el último año, o porque nunca me dio la gana jugar al fútbol en E.F.
Y ese día yo miraré atrás y volveré a decir "que te jodan, I.E.S. Jaime Infante".

Happy Together, de Wong Kar-Wai

2007-09-04T11:05:00.000+02:00

Como ya habréis visto, me estoy desviando un poco de comentar "exclusivamente" las películas de mi top 25. Pero es que sería una tarea demasiado árdua y cansina. Así que intercalo con los comentarios de otras películas que me encantan.

Dado que el top 25 no es algo hermético, en cualquier momento podré hacer modificaciones. E incluso películas que ya hayan sido comentadas pueden quedar fuera de él.
La película que quiero cometar hoy es una de esas que seguramente acabaré incluyendo en tan magna lista.
Como últimamente ya he explicado, Wong Kar-Wai es uno de mis directores favoritos, y me apetece comentar varias de sus películas. Hoy toca el turno -aunque no llevo ningún orden específico- a Happy Together (春光乍泄, Wong Kar-Wai, 1997), película con la que su realizador consiguió el premio al mejor director en el festival de Cannes. Está basada en la novela The Buenos Aires Affair, de Manuel Puig.

Ficha:

TITULO ORIGINAL

Happy Together
(Cheun gwong tsa sit)

AÑO

1997

DURACIÓN

92 min.

PAÍS

DIRECTOR

Wong Kar-Wai

GUIÓN

Wong Kar-Wai

MÚSICA

Danny Chung

FOTOGRAFÍA

Christopher Doyle

REPARTO

Leslie Cheung,
Tony Leung (AKA Tony Leung Chiu Wai),
Chang Chen

PRODUCTORA

Block 2 Pictures /
Jet Tone Production /
Prénom H Co. /
Seowoo Film Company

Argumento:
Ho Po-Wing (Leslie Cheung) y Lai Yiu-fai (Tony Leung) son una pareja gay de Hong Kong que mantienen una relación tormentosa. Deciden viajar a la Argentina para visitar las Cataratas del Iguazú. Una vez en la Argentina, tras otra de sus frecuentes discusiones, deciden separarse. Lai Yiu-fai comienza a trabajar de portero de una sala nocturna. Al poco tiempo Ho Po-wing reaparece, después de recibir una dura paliza. Todo parece indicar que se ha dedicado a la prostitución. Yiu-fai lo acoge en su minúscula habitación alquilada e intentan retomar una relación que pronto se verá de nuevo alterada por constantes suspicacias, celos y peleas, incluso violentas. Mientras tanto, Yiu-fai, que ahora trabaja de cocinero en un restaurante oriental, ha trabado amistad con Chang, un joven compañero de trabajo taiwanés, de Taipei. Chang, heterosexual, pero cuyos sentimientos hacia Yiu-fai parecen ambiguos, es una persona amable y cariñosa, que supone para Yiu-fai un contrapunto a su cada vez más difícil relación con Po-wing. Tras una gran discusión, a causa de la negativa de Yiu-fai a devolver a Po-wing su pasaporte, estos vuelven a separarse. Poco tiempo después de que Chang decida volver a Taiwán con su familia, Yiu-fai viajará finalmente a las Cataratas del Iguazú, solo. Regresará a Hong Kong, después de hacer escala en Taipei, donde intentará encontrar a Chang en el puesto de comidas de la familia de este, aunque él estaba allí, tras lo cual volverá a su ciudad.

Reparto:
Se trata de una película que cuenta con dos personajes principales claros: Ho-Po Wing (Leslie Cheung) y Lai Yiu-fai (Tony Leung).
Leslie Cheung realiza un trabajo muy bueno dotando a su personaje de una ambigüedad tremenda, ya que a pesar de que el espectador ve que se comporta realmente mal, que hace daño a Lai Yiu-Fai, éste no puede dejar de quererle. Se expresa así, a la perfección, cómo muchas veces el amor ciega los graves defectos de la otra persona. En 1987 había aparecido en A better tomorrow, del también hongkonés John Woo. También apareció en filmes como Adiós a mi concubina, de Cheng Kaige, o en Ashes of time, también de Kar- Wai. Alcanzó algo de éxito en los escenarios como cantante de música pop. Se suicidó el 1 de abril de 20303.

¿Qué decir del siempre brillante Tony Leung? Es uno de mis actores orientales favoritos (por no decir "el favorito"), y en esta película borda su papel. Refleja de manera insuperable la fragilidad y las contradicciones de su personaje, que vive atormentado en un eterno ni contigo ni sin tí, ya que a pesar del tremendo daño que Ho-Po Wing le hace, no puede dejar de quererle en cuanto éste le pregunta si "Comienzan de nuevo". Leung había aparecido en Hard Boiled, de John Woo, y es un habitual en el cine de Kar-Wai. Desde su cameo final en Days of being Wild, hasta su último (hasta la fecha) papel en 2046, pasando por películas como Chungking Express, o In the mood for love. Leung ha sido llamado "la respuesta china a Clark Gable".

Música:
Se trata de una película situada en Argentina, así que no podía faltar el tango. Un tango que refleja perfectamente ese tira y afloja que llevan los dos protagonistas, y esos breves momentos de bienestar y de felicidad.
Pero además, se unen a las piezas de tango dos composiciones que encajan a la perfección en el film.
Cucurrucucú Paloma, de Catano Velosso. Una canción que da ambiente a las imágenes de las Cataratas de Iguazú que Kar-Wai retrata con tanta maestría.
Y la canción que da título a la película: Happy Together, de The Turtles, pero en esta ocasión en versión de Frank Zappa. Este tema pone punto y final a la película, acompañado de unas bellísimas escenas a cámara rápida.

Chungking Express, de Wong Kar-Wai

2007-08-21T22:07:00.000+02:00

Me apetece comentar una de esas películas especiales, que por lo menos a mí, me remueve algo por dentro. Es una película con la que he mantenido un romance similar al que vive uno de sus protagonistas. Se trata de Chungking Express, de Wong Kar-Wai.

Ya comenté en alguna ocasión lo mucho que me gusta este director -para mí, uno de los tres mejores que existen en la actualidad, junto con Quentin Tarantino y Takashi Miike-, y lo mucho que me han influenciado sus obras In the mood for love y 2046. Pero la guinda del pastel de la filmografía de este director es esta película, curiosamente, una de las más modestas, hablando de presupuesto, tiempo de rodaje -dos semanas-, etc.

Ficha:

AÑO

1994

DURACIÓN

103 min.

PAÍS

DIRECTOR

Wong Kar-Wai

GUIÓN

Wong Kar-Wai

MÚSICA

Frankie Chan / Roel A. García

FOTOGRAFÍA

Jacky Pang

REPARTO

Brigitte Lin, Chin Hsia, Takeshi Kaneshiro, Tony Leung (AKA Tony Leung Chiu Wai), Faye Wang

PRODUCTORA

Jet Tone Productions

Una brebe historia sobre Chungking Express:

La historia detrás de esta película es de lo más interesante. Kar-Wai había rodado ya dos películas: As Tears Go By (1989) y Days of being Wild (1991), y estaba en proceso de post-producción de su tercera obra, la épica película sobre espadas y artes marciales Ashes of time (1994). El proceso de montaje de esta colosal obra resultaba tan agobiante y absorvente que Kar-Wai quiso tomarse un pequeño descanso, y desvincularse del proyecto para rodar una película más modesta. Una especie de película de rock, en plan Road Movie. Y vaya que si lo hizo...

"Después del tratamiento más grave y profundo de Ashes of Time, con Chungking Express quise realizar una película contemporánea más ligera, pero donde los personajes se enfrentaran a los mismos problemas (…) Chungking Express supone una ruptura en el conjunto de mi obra: los personajes llegan a aceptar su soledad, son más autónomos y más independientes, no hallan desesperación en su propia búsqueda, sino sobre todo divertimiento"

En occidente, la película fue apadrinada por el genial Quentin Tarantino, que la incluyó dentro de su Rolling Thunder Video Collection. Ade más, Tarantino ha declarado que esta película le inspiró para su celebérrima Pulp Fiction (1994).
También fue apoyada por la prestigiosa revista francesa Cahiers du cinéma, estandarte de la Nouvelle Vague francesa de finales de los 50's y comienzos de los 60's.

Dos Historias de amor
La película consta básicamente de dos mediometrajes unidos sutilmente. Ambos transcurren en el mismo lugar -las Chungking Mansions, cuatro bloques de edificios de Hong Kong repletos de inmigrantes de todas partes, una especie de torre de Babel moderna-, y en circunstancias similares. En ambos casos la historia gira en torno a un policçia recién abandonado por su novia, que se enamora de una mujer extraña y misteriosa.

1.- Chungking Mansions: historia del agente 233

En la primera, una peligrosa traficante de drogas que ha perdido una mercancía de cocaína por culpa de unos contactos indios, pasa la noche con el solitario agente de policía 223. Qiwu, el agente 233, ha sido recientemente abandonado por May, su novia. Dentro de esta historia se trata bastante explícitamente el tema de "la cuenta atrás", según la cual Hong Kong iba a volver a pertenecer a China en 1 997.
Al final de la historia, ambos perso

najes se encuentran en un caféQiwu, obsesionado con la compra diaria de una lata de piña que caduque el 1 de mayo, promete enamorarse de la "primera mujer que pase". Y allí está ella, la traficante. Él acaba conquistándola, pero tras subir a la habitación del hotel, no llega a consumarse el acto sexual: ella se duerme, él come ensaladas del chef y se va al amanecer. Al final, lo único que le queda al agente 223 es una felicitación de cumpleaños en su busca, y el

recuerdo de un momento mágico.

2.-Midnight Express: historia del agente 663

El cambio de historia ocurre cuando el agente 233 se dirige al bar Midnight Express y rechaza a la alocada Faye, una chica que acaba sintiéndose atraída por el agente 663, interpretado por Tony Leung -que ya había participado en Days of being wild (en un pequeño cameo al final del film), y que posteriormente protagonizaría Happy Together, In the mood for love y 2046-. Este agente tiene una relación con una azafata, que acaba por abandonarle. Conoce a Faye porque cada noche pasa por el Midnight Express a pedir una ensalada del chef para su chica. La relación que desarrollan a

mbos personajes es extraña: Faye, enamorada del agente, consigue las llaves de su casa para dedicarse a cambiar el espacio íntimo del agente por otro. Conocedora de los problemas de insomnio del agente, pone somnífero en sus botellas de agua, y para que olvide a su novia azafata, esconde todos los obje

tos que puedan recordar a la misma, cambia un peluche por otro, "ahoga" a un avión de juguete en la pecera, esconde la camisa de la azafata, y un largo etcétera en el que Faye trata de reconfigurar el mundo del policía.

El agente 663 obviamente nota las diferencias, y sabe que la chica entra en su casa, aunque no se lo diga. La personalidad del agente 663 presenta ciertas costumbres que no se antojan muy normales: principalmente, su costumbre de desdoblarse sobre objetos, de hablar con ellos como si fueran ser

es vivos con conciencia propia, claro símbolo de su debilidad psicológica tras el abandono. De esta forma, en Chungking Express objetos mundanos como una lata de piña caducada, una toalla "que llora" y un avión de juguete llegan a transformarse en

símbolos personales de los personajes.
La historia de los dos personajes acaba cuando el policía cita a la camarera del Midnight Express en el bar California.

Contra toda expectativa, Faye acaba en la verdadera California, de la que vuelve un año después, convertida en azafata, mientras que el agente 663 se encuentra rigiendo el Midnight Express

Una tercera parte titulada Fallen Angels acabó siendo realizada como film en sí mismo, estrenándose después de Ashes of time.

Banda Sonora

En la genial banda sonora, destacan piezas como las versiones hechas por la propia Faye de temas como What a difference a day make o California Dreaming.

Una de las veces en que mejor ha encajado una canción con la imágen es la escena en la que Faye juega en la casa del agente 663, mientras escucha California Dreaming.

Mi historia de amor con Chungking Express:

Ya ciomenté en una ocasión cómo conocí esta obra. Verano del 2006. Una noche de insomnio me da por encender la televisión. Y de repente, veo una escena que me maravilla: una joven asiática está jugando en una casa como si fuera una niña. Lleva guantes de fregar los platos y gafas de sol. Como banda sonora suena California Dreaming, de los Mamas & the papas.

No logro saber de qué película se trata. Tampoco logro saber quién era su director, o aquella preciosa joven oriental. Al día siguiente, consigo la canción, y desde entonces es una de mis favoritas.

Pasan los meses, pasa el tiempo...
Alguien me comenta la existencia de una película llamada 2046, que es "una peli de chinos de esas que te gustan a tí, pero que transcurre en el pasado, pero a la vez en el futuro. Muy rara, pero a tí seguro que te gusta". El comentario no llega a influenciarme mucho, pero algún poso queda. Ya conozco la existencia de esta película, es decir, ha quedado archviada en mi cabeza, latente, esperando a ser despertada...

Pasan otros pocos meses. Mi vida se complica. Cambios importantes, momentos tristes, y días para olvidar. Con el tiempo, otra persona -de hecho, las dos personas que me han comentado la existencia de la cinta son mujeres- me habla un poco de una película que siempre tiene por casa y que le gusta bastante a un amigo suyo. La cosa va interesándome más y más. Despierta el gusanillo por ver la obra.

Pasa algún tiempo, y nos encontramos en Navidades. Un día, en plena campaña de compra de regalos navideños, encuentro dos películas: In the mood for love y 2046 a muy buen precio (ni se me había ocurrido bajármelas). Me las compro. Las veo. Todo cambia.

Por fin he encontrado a un director que sintoniza con mi modo de ver el amor y las relaciones personales. Por fin alguien que expresa toda esa melancolía y desengaño con elegancia, sin caer en burdas horteradas góticas -para pajilleros-. He encontrado a uno de mis directores favoritos, y se llama Wong Kar-Wai.

Pasan más meses. Las circunstancias hacen que viva algo digno de una película de este autor con la segunda persona que me recomendó 2046. Utilizo pasajes de In the mood for love con fines personales durante esa temporada. Me siento como el personaje interpretado por el sublime Tony Leung en ambas obras. Pero en lugar de aborrecer al director por el horrible desenlace del affair, utilicé su cine como terapia.

En plena etapa tristona, en la que nada parece estar claro, me topo de nuevo con esa escena, con esa canción... en internet, buscando información sobre Kar-Wai. Se trataba de Chungking Express. Y yo sin saberlo. Este director estaba enamorándome poco a poco. Con su elegancia, con su forma de ver las cosas y con su... música. La música es esencial en su cine. Es perfecta. Desde la Perfidia de Days of being Wild, hasta el Happy together de la película homónima, pasando por la ya mencionada California Dreaming, de Chungking Express.

Por eso es una historia de amor como la segunda de esta película. Con una "amante" que se esconde en alguna parte de mi -de la casa del agente 663-, diciendo "Hola" "hola", desde detrás de una columna, y escondiéndose a tiempo para que no la descubra.

Ahora, ya consciente de la gran admiración que siento por este director, me he lanzado a por el resto de su filmografía. Películas como Fallen Angels o Happy Together, que en breve comentaré.

Gracias, señor Kar-Wai. Por haber hecho su cine. Por haber hecho que me reafirme en mi gran sueño: ser director algún día. Estoy seguro de que si llego a serlo, le deberé mucho.

Taxi Driver, de Martin Scorsese

2007-08-02T12:27:00.000+02:00

Taxi Driver es una película dirigida por Martin Scorsese en 1976, y escrita por Paul Schrader, autor de los guiones de obras maestras como The Yakuza (Sydney Pollak, 1976), (ObsesiónObsession, Brian De Palma, 1976), El Expreso de Corea (Rolling Thunder, John Flynn, 1977), Toro Salvaje (Raging Bull, Martin Scorsese, 1980) o La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ, 1988, Martin Scorsese). He de decir que algunas otras obras de este guionista han estado a punto de entrar en el top 25, tales como Rolling Thunder o Raging Bull.

Taxi Driver está protagonizada por Robert De Niro, y cuenta con secundarios de excepción como son Harvey Keitel, una jovencísima Jodie Foster, o Cybill Shepherd. Es una de las obras cumbres de uno de los mejores tándem actor/director de la historia del cine: De Niro/Scorsese.
Ficha:
Título original: Taxi driver
Director: Martin Scorsese
Productor: Julia Phillips, Michael Phillips
Compositor: Bernard Herrmann
Género: Drama
Año: 1976
Origen: EE.UU.
Duración: 109 minutos
Rating: + 18 años
Intérpretes:
Robert De Niro, Cybill Shepherd, Jodie Foster, Harvey Keitel, Peter Boyle

Argumento:
Travis Bickle (Robert De Niro) es un marine veterano del Vietnam que no puede dormir. Consigue un trabajo como taxista, solicitando el turno de noche, para mantenerse ocupado y sacar algún dinero. Es un individuo solitario deseoso de que 'llegue la lluvia que limpie la calle de escoria'. Se enamora de Betsy (Cybill Shepherd), una atractiva oficinista que trabaja para la campaña electoral del Senador Charles Palantine, pero la relación no prospera, dado lo excéntrico del carácter de Bickle. Conoce después a una joven prostituta (Jodie Foster), que trabaja para el chulo Sport (Harvey Keitel). Armado hasta los dientes, decide que debe salvarla.

Reparto:

El reparto de esta película es redondo. Es decir, cada personaje está interpretado por la persona idónea.
Robert De Niro, como el moderno cowboy solitario que "cabalga" con su taxi por las calles y que comienza a pensar que las cosas no están nada bien, y que alguien debe cambiarlas. Poco a poco, vamos metiéndonos en su mundo, porque la película siempre está vista desde su punto de vista. Lo que hace llega a parecernos lógico, y empatizamos con él, sin darnos cuenta de que está perdiendo el juicio. Todo esto lo consigue Robert De Niro con su mejor arma interpretativa: sus ojos. No hay más que verlo en la celebérrima escena del espejo. El mítico "¿Estás hablando conmigo?", grabado en letras de oro en la historia del cine, es una de las más logradas interpretaciones que se han hecho. Y es que Robert De Niro, para mí uno de los mejores actores que ha habido en el cine, estaba en su mejor etapa: después de Malas Calles (Mean Streets, Martin Scorsese, 1973), El Padrino II (The Godfather Part II, Francis Ford Coppola, 1974), por la que consiguió el Oscar al mejor actor secundario, o Novecento (Bernardo Bertolucci, 1976) , y antes de otras obras maestras como El Cazador (The Deer Hunter, Michael Cimino, 1978), Toro Salvaje (Raging Bull, Martin Scorsese, 1980), por el que ganó su segundo Oscar, esta vez al mejor actor (hay que decir que consiguió en este tiempo nominaciones al mejor actor por casi todas sus películas) o Érase una vez en América (Once upon a time in America, Sergio leone, 1984).

Cybill Shepherd, como Betsy, la chica de la que se enamora, y que le rechaza. Betsy es una chica que trabaja para la campaña electoral de Charles Palantine. Es simplemente por este hecho que Travis se interesa por la política. Pero, como ella le rechaza, ni siquiera el sistema funciona: la chica de la que se enamora trabaja para el estado, y le ha rechazado. Shepherd había salido en obras como La última película (The Last Picture Show, Peter Bogdanovich, 1971).

Jodie Foster, como la jovencísima prostituta que Travis decide salvar, Iris. La damisela en apuros, limpia de espíritu, pero corrompida por el entorno. Travis decide actuar como una especie de Guardián entre el centeno, y salvar la poca infancia e inocencia que queda en la chica. Foster bordó el papel, pasando mucho tiempo con una prostituta real de esa edad, que sale en la película como su amiga. Es importante decir que Foster contaba sólo con 14 años de edad. Se trata de uno de esos casos de actriz brillantemente precoz, que compararía con la Jennifer Connelly de Érase una vez en América. La carrera posterior de Foster es historia cinematográfica: anteriormente había aparecido en algunas series televisivas (incluída la mítica Kung Fu), y en películas como Alicia ya no vive aquí (Alice Doesn't live here anymore, 1974, Martin Scorsese). Posteriormente a Taxi Driver -su verdadero lanzamiento al reconocimiento-, caben destacar lógicamente películas como Acusados (The Accused, 1988, Johnathan Kaplan), por la que consiguió su primer Oscar a la mejor actriz, o la que es la interpretación de su vida, en la obra maestra El Silencio de los Corderos (Silence of the Lambs, Johnathan Demme, 1991), por la que volvió a ganar el Oscar a la mejor actriz. Posteriormente, yo no oculto el rencor que le guardo por su negativa a participar en la secuela de esta última, Hannibal (Ridley Scott, 2001), que, aunque claramente inferior a la obra maestra de Demme, hubiese ganado muchos enteros con su aparición. De todos modos, tampoco la culpo demasiado: tal vez ella fue capaz de prever cómo la saga se estaba convirtiendo en algo muy diferente a lo que comenzó siendo una auténtica obra de arte.

Travis decide salvar a Iris de Sport (Harvey Keitel), el chulo para el que trabaja. Keitel, que ya había aparecido en obras de Scorsese como Malas Calles (Mean Streets, Martin Scorsese, 1973) o Alicia ya no vive aquí (Alice doesn't live here anymore, Martin Scorsese, 1974), volvió a formar equipo con el director en Taxi Driver. Posteriormente, cabe destacar Los Duelistas (The Duellists, Ridley Scott, 1978), La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ, Martin Scorsese, 1988), y el comienzo de su relación con el brillante Quentin Tarantino, cuya ópera prima, Reservoir Dogs (Quentin Tarantino, 1992) produjo. También apareció en películas como El Piano (Jane Campion, 1993). Posteriormente, volvió a aliarse con Tarantino para películas como Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994), o Abierto Hasta el Amanecer (From Dusk till Dawn, Robert Rodriguez, 1996). Es destacable también su participación en Clockers (Spike Lee, 1995), y el extraño vínculo que se crea con Jodie Foster: ambos han aparecido en algún episodio de la saga de Hannibal Lecter, ya que Keitel interpreta a Jack Crawford en la precuela, El Dragón Rojo (Red Dragon, Brett Ratner, 2002).

Música:

Sobre la banda sónora, sólo se puede decir que la composición de estilo Jazz que realizó Bernard Herrman para la ocasión encaja con el tono y la trama de la película como un guante. Le aporta un tono melancólico y crepuscular, que recuerda a la obra de Sam Peckinpah.

"Puff, Puff, Puff, Puff, Puff, Puff, Puff"

Bubba Ho-Tep, de Don Coscarelli

2007-08-01T17:36:00.000+02:00

Me veo obligado a hacer un nuevo parón en el comentario de "mis películas favoritas", para comentar una película que vi hace unos días y que me ha resultado, cuanto menos, curiosa. Se trata de Bubba Hot-Ep (2002), de Don Coscarelli, director de la saga Phantasma. Está protagonizada por uno de los grandes: Bruce Campbell, protagonista de la saga Evil Dead, de Sam Raimi. La película está basada en un relato de Joe R. Landsdale incluido en The King Is Dead: Tales of Elvis Post-Mortem.

Se trata de una película con un argumento de lo más original y rebuscado: Elvis Presley (Bruce Campbell), el Rey del Rock, está vivo. Es un anciano con una infección en el prepucio, que vive confinado en una residencia en el este de Texas. Cuando dice que él es Elvis, nadie le cree, porque todo el mundo piensa que El Rey murió en 1977. Sin embargo, el que murió fue un imitador, Sebastian Haff, con el que el verdadero Elvis intercambió la identidad, cansado de la fama. Elvis vivió desde entonces como imitador de sí mismo.
En la residencia, se encuentra, ni más ni menos, que con JFK (Ossie Davis), que ahora es negro, ya que el servicio secreto sustituyó un trocito de su cerebro por un saquito de arena, y le tiñó de ese color.

En esto, comienza una serie de asesinatos en la residencia. La culpable es una momia egipcia que se extravió durante su traslado de un museo a otro. Esta momia está absorviendo almas, y se manifiesta siempre de noche, precedida de algunos cortes en el suministro eléctrico y de unos escarabajos "grandes como emparedados".
Ahora JFK y Elvis están sólos ante la momia, y son la única esperanza de los habitantes de la residencia...

Dentro de que la película no es gran cosa -de hecho, es bastante torpe, Don Coscarelli-, tiene ese gusto de serie B cutre-guay que tanto me gusta. Y que es original nadie se lo quita.
Lo mejor de la función: sin lugar a dudas, Bruce Campbell, actor de culto célebre por la saga Evil Dead, de Sam Raimi, y que demuestra que es una auténtica estrella de la serie B.

"Hacía dos campañas electorales que no se me ponía así de dura"

La naranja Mecánica (A Clockwork Orange), de Stanley Kubrick

2007-08-01T16:30:00.000+02:00

Toca turno -porque me da la gana a mí, no porque esté siguiendo un orden lógico) a La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange, 1971), de Stanley Kubrick. Está basada en la novela homónima de Anthony Burgess.

Estamos ante una obra maestra, sin duda. Y no sólo eso, estamos ante EL MAESTRO, en esto de hacer cine: el Señor Stanley Kubrick, que sin duda estaría en mi top 3, en mi top 2 y en mi top 1 de mejores directores de la historia del cine (ahí queda eso).
La naranja Mecánica es una de las obras más polémicas de este siempre controvertido y sorprendente director. Se sitúa tras -la que tal vez sea su obra maestra, aunque él reservó este calificativo a Barry Lyndon-, 2001, una odisea del espacio (2001: a space oddisey, 1968).
La película fue calificada "X" en muchos países, y en Reino Unido fue prohibida su exhibición, a petición del propio Stanley Kubrick, debido a las amenazas de muerte que recibió su familia. El motivo de esto fue que la película inspiró algunos crímenes violentos, en los que los criminales vestían como los Drugos, o cantaban Singin' in the rain, igual que Alex cuando propina la paliza al escritor.

Ficha:

Título original: Clockwork orange
Año: 1971
Duración: 137
Compañía Productora: Warner Bros Pictures
Reparto: Malcolm Mcdowell, John Clive,
Michael Bates, Patrick Magee,
Warren Clarke
Dirección: Stanley Kubrick
Productor: Stanley Kubrick
Guión: Anthony Burgess, Stanley Kubrick
Música: Wendy Carlos
Fotografía: John Alcott
Montaje: Bill Butler
Dirección artística: Russel Hagg
Nacionalidad: Reino Unido

Argumento:
La historia se centra en el Nadsat -adolescente- Alexander Delarge -en adelante Alex-, un joven cuyos principales intereses son la violación, la ultra-violencia y Beethoven. Alex pasa las noches en el Milk Bar Korova, junto con sus tres Drugos: Pit, Georgie y Dim. Son un grupo de jóvenes con unas vestimentas peculiares -enteramente vestidos de blanco, con bombín negro y coquilla- que beben lactana plus, es decir, leche con algunos aditivos.
Durante el primer tercio de la película, se presenta a Alex, sus Drugos, y sus fechorías, así como la época: un futuro indeterminado y con una estética marcadamente sesentera. Los cuatro jóvenes pasan las noches propinando palizas a vagabundos, peleando contra grupos rivales, irrumpiendo en casas, y violando mujeres, llevándose siempre un jugoso botín en cada actuación, lo que les permite llevar una vida no exenta de caprichos. Pero lo que apasiona a Alex es la música de Beethoven. Es de lo que de verdad disfruta en la intimidad de su cuarto.

Sin embargo, debido a su despótico comportamiento con sus compañeros de fechorías, estos se revelan, y planifican un robo en una casa, durante el cual traicionarán a nuestro joven héroe, dando comienzo al segundo tercio de la película. Esto llevará a Alex a la prisión, donde será sometido a trato humilante y vejatorio, ante el cual Alex no reacciona sino con más violencia. La única voz realmente moralista -y tal vez sensata- de la película es la del capellán de la prisión, que reclama el derecho del libre albedrío. Pero Alex, cuando mira la Biblia, sólo se ve a sí mismo dando latigazos a Jesucristo, y acostándose con bellas mujeres Orientales.

Sin embargo, a oídos de Alex llega un innovador sistema de cumplimiento de penas: el tratamiento Ludovico, al que se presenta voluntario. Se trata de un tratamiento médico mediante el cual consiguen que Alex sienta repugnancia -y dolor físico- ante la violencia y el sexo. Pero también le capan emocionalmente: es incapaz de tomar iniciativas, y se convierte en un pelele en manos del mundo, en un Hombre mecánico. Además, a modo de castigo, hacen que también odie la música de su adorado Beethoven.
Durante el tercer tercio de la película, un Alex rehabilitado, será devuelto a las calles, donde las víctimas de sus fechorías pasadas se cobrarán su venganza: los bagabundos, sus propios Drugos -ahora agentes al servicio de la Ley y el Orden-, y el escritor de izquierdas, a cuya mujer violaron brutalmente. Todos se aprovecharán de la desgracia de Alex, de un modo u otro. Pero durante la estancia en la casa de dicho escritor, Alex se arroja por una ventana, incapaz de soportar la tortura que ahora le supone escuchar a su amado Beethoven.
Finalmente, Alex, re-rehabilitado, es decir, en su estado original, acabará siendo aliado del corrupto gobierno.

El reparto:
Kubrick dijo en una ocasión que, sin Malcolm McDowell, no habría habido La Naranja Mecánica. Y qué razón tenía. Sin duda, gran parte de la genialidad de la obra reside en la inigualable interpretación de Mcdowell, que convierte a un ser despreciable y dañino como es Alex, en un personaje atrayente y pícaro. McDowell había participado anteriormente en Calígula, de Tinto Brass. Pero, sin duda, el papel de su vida fue Alex, y siempre será recordado por él (para bien o para mal).
Algunos de los demás actores que participan en la película son Patrick Magee (Frank Alexander, el escritor), Warren Clark (Dim), John Savident (el "Conspirador"), David Prowse, (el "guardaespaldas" de Frank Alexander), que posteriormente encarnaría al mismísimo Darth Vader, en la trilogía original de Star Wars, o James Marcus (Georgie).

Temas:

Moral

Una de las principales preguntas moralistas de la película -como en otros libros de Burgess- es la definición de "bondad". Después de la terapia de aversión, Alex se comporta como un buen miembro de la sociedad, pero no por opción; su bondad es involuntaria y mecánica, como lo dice el título de naranja mecánica. En prisión, el padre, el único hombre honesto y genuino allí, critica al Tratamiento Ludovico alegando que la verdadera bondad debe venir de adentro. Debe ser genuina.

Psicología

Otro tema central es el ultraje a la psicología conductual propuesta por los psicólogos John B. Watson y B.F. Skinner. Burgess desaprobaba el conductismo, llamando al libro más famoso de Skinner, Beyond Freedom and Dignity (Más Allá de la Libertad y la Dignidad), "uno de los libros más peligrosos jamás escrito". Aunque Watson concedía limitaciones al conductismo, Skinner argumentaba que la modificación de la conducta (aprender técnicas de recompensa sistemática y castigo) era la clave para un sociedad ideal. El tratamiento Ludovico es la forma de modificación de conducta que los científicos aplicaron a Alex, condicionandolo a asociar actos de violencia con malestar físico, previniendolo de ser violento. La película incorpora una desconfianza al conductismo, enfocandose en la deshumanización y falta de opción en los métodos de modificación de conducta.

Del papel a la pantalla:

Es importante decir que la película de Stanley Kubrick omite el último capítulo de la obra de Burgess, lo que da a la obr a un significado totalmente diferente.
En el libro, existe un "Capítulo 21", en el que Alex, con unos años más, ha decidido abandonar la violencia, por verla como una cosa de críos, y planea buscar una mujer y formar una familia. Por fin, ha elegido el bien por voluntad propia. Está redimido.
Sin embargo, la versión que consiguió Kubrick de la novela, era la edición americana, en la que el editor cortó directamente este último episodio. Por tanto, la película refleja esa edición amercana. Así, el final de la obra es tremendamente pesimista, ya que no solo Alex acaba elgiendo el mal, siendo fiel a su propia naturaleza -por tanto, el libre albedrío queda anulado-, sino que además, se convierte en una herramienta del Estado.

La música:
En La Naranja Mecánica, la música cumple un papel muy importante no sólo estética y emocionalmente, sino que es requisito del propio guión y parte fundamental de la historia. Aparte de la estupenda composición de sintetizador realizada por Wendy Carlos, muy innovadora para la época, cabe destacar sin duda alguna, la utilización que Kubrick hace de Ludwing Van Beethoven. Ante todo, del tercer movimiento de su famosísima 9º Sinfonía, con la que Kubrick ilustra las grandes escenas de ultraviolencia, creando un conjunto inigualable, y mil veces imitado.

"Videa bien, hermanito, videa bien"

El silencio de los corderos (Silence of the lambs), de Johnathan Demme

2007-07-31T22:01:00.001+02:00

Voy a comentar una de mis películas favoritas desde que tenía 11 o 12 años. Ya hablé alguna vez sobre el personaje de Hannibal Lecter, con motivo del estreno de la decepcionante pre-precuela. Pero obviando eso, hablaré de una obra maestra sin igual en su género: El silencio de los corderos (Silence of the lambs, 1991), de Johnathan Demme. Y es que está sin duda entre mis favoritas, ya que es la única película con la que se me hace un nudo en el estómago de principio a fin. Es una especie de sensación de incomodidad, de malestar, que ninguna otra película me produce. Señores, estamos hablando de horror -aunque tal vez no de terror- en estado puro.
Esta película fue galardonada con cinco estatuillas de la Academia: Mejor película, Mejor Director (Johnathan Demme), Mejor Guión adaptado (Ted Tally, sobre la novela de Thomas Harris), mejor actriz (Jodie Foster) y mejor actor (Anthony Hopkins).

Ficha:

Género: Thriller / Crimen / Terror
Nacionalidad: USA
Director: Jonathan Demme
Actores: Jodie Foster, Anthony Hopkins, Scott Glenn, Kasi Lemmons
Productor: Ronald M. Bozman, Edward Saxon, Kenneth Utt
Guión: Thomas Harris, Ted Tally
Fotografía: Tak Fujimoto
Música: Tom Petty, Howard Shore

Argumento:

Un psicópata conocido como Buffalo Bill está secuestrando a sesinando a jóvenes mujeres por todo el medio oeste de Estados Unidos. Teniendo en cuenta que si conoces a uno uedes conocer al resto, el F.B.I envía a la Agente Clarice Starling (Foster) a entrevistar a un prisionero demente que quizás pueda proporcionar una visión psicológica de la mente del asesino y pistas sobre sus acciones. El prisionero es el psiquiatra Dr. Hannibal Lecter (Hopkins), conocido como Hannibal el Caníbal, un brillante asesino caníbal que únicamente se comprometerá a ayudar a Starling si ella alimenta su curiosidad con detalles sobre su propia vida. Esta retorcida relación obliga a Starling no sólo a enfrentarse con sus propios demonios psicológicos, sino que además le llevará a enfrentarse cara a cara con un asesino atroz y demente, la encarnación de una maldad tan poderosa como nunca antes había conocido.

Hannibal, el Caníbal:

Aunque esta es una película que se centra principalmente en el personaje de Clarice Starling, me parece obvio que la verdadera estrella de la función es ese delicioso sociópata llamado Hannibal Lecter. Pocos personajes llenan tanto una película, siendo practicamente meros secundarios (ha de tenerse en cuenta que Anthony Hopkins sólo aparece en pantalla durante un total de 16 minutos, en una película con un metraje de casi 2 horas).
Es un personaje sobre el que se habla desde practicamente el comienzo de la película, aunque no aparece hasta unos 10 minutos más adelante. Es decir, que antes de verle ya sabes que es alguien importante. También sabes lo que les pasa a sus víctimas. Durante la escena de la mazmorra, se crea una tensión insoportable, no sólo por lo opresivo del ambiente, sino por la tensa espera: sabes que estás a punto de ver a ese personaje que parece tan importante. Clarice atraviesa la mazmorra, pasando por delante de todo un escaparate de dementes, hasta que llega a una curiosa celda, totalmente iluminada, y recubierta de cristal.
Y ahí está él. De pié, esperando no sólo a Clarice, sino al espectador. Fue idea de Hopkins que Lecter esperara de pié. Cuando le preguntaron "¿Por qué?", respondió "Porque puede olerla".
Sus buenos modales, de caballero, nos sorprenden. Es un asesino brutal, y lo sabemos. Está loco. Pero es encantador. Es un perfecto gentleman, que puede volverse brutalmente incisivo e hiriente, cuando quiere. Porque se nutre de dolor, necesita someter a otras personas que considera inferiores, para sentirse satisfecho. Y con Clarice lo hace: le provoca para hacer que llore, pero la mujer le sorprende, porque es más fuerte de lo que parece.
El mesiático sociópata, sorprendido por una estudiante del FBI. Esto hace que se empiece a interesar en cooperar con la investigación sobre Buffalo Bill. De hecho, le da la respuesta sobre "¿Dónde está Buffalo Bill?" a Clarice al principio: cuando ella le pregunta por sus dibujos, Lecter dice que uno es de Florencia, el Duomo visto desde el Belvedere. Esto es mentira: no hay ningún palacio del Belvedere en Florencia (están en Roma y en Viena), pero es que es en el pueblo de Belvedere donde vive Buffalo Bill (James Gumb), como se ve al final de la película. Éste es un dato que, obviamente, pasa desapercibido para el espectador, pero que da una idea de lo brillante y retorcido de la mente de Lecter.
Durante las sucesivas visitas (un total de tres, en la mazmorra de Baltimore), Lecter y Starling intercambiarán información:él proporcionará información sobre Buffalo Bill a cambio de información sobre la vida privada de Starling. Esto es lo que más le gusta: saborear el dolor de ella, analizarla psicológicamente.
Starling logrará que se lleven a Lecter lejos del odioso Dr Chilton. Lo llevan a Memphis, donde tras entrevistarse con la senadora, madre de la próxima víctima de Buffalo Bill, es confinado en una celda nueva. Una celda donde no pasará mucho tiempo, ya que protagonizará la más espectacular y grotesca de las fugas.
Al final, Clarice recibe una misteriosa llamada: Lecter está suelto. Y, según parece, el Dr Chilton, va a tener compañía para cenar.

En definitiva, un personaje fascinante, máximo exponente del villano demente pero brillante, emparentado más con el conde Drácula que con Norman Bates.

El reparto:
En cuanto a los intérpretes que intervienen, destacan -lógicamente- sobre todo dos: Jodie Foster como Clarice Starling, y Anthony Hopkins, como Hannibal Lecter.
Jodie Foster construye un personaje complejo y duro, a pesar de lo hostil y aterrador del entorno. Consigue transmitir fuerza y valor desde un personaje aparentemente "frágil" como es una mujer, y más si esa mujer es simplemente estudiante, ni siquiera agente, del FBI. Ganó un merecido Oscar a la mejor actriz por este trabajo.
Anthony Hopkins hizo el papel de su vida, con un personaje inolvidable y único. Inigualable, en el mono azul de recluso, o con el bozal... son imágenes que son inseparables ya en nuestra mente con el rostro del actor británico -aunque antes de él, Brian Cox había interpretado al demente psiquiatra en Manhunter (Michael Mann). Era un personaje ofrecido a Robert De Niro, a Robert Duvall, a Gene Hackman... pero Hopkins había nacido para interpretar a Lecter. Ganó un muy merecido Oscar al mejor actor por este trabajo.
También cabe destacar a Scott Glenn, como Jack Crawford, el jefe de Clarice; y a Ted Levine, que encarna al demente Jame Gumb, Buffalo Bill. La interpretación de Levine causó revueltas entre la comunidad homosexual estadounidense, que acusaban a la película de homófoba. Eso sí, su actuación fue tan buena que ahora le cuesta encontrar papeles que no sean de psicópata, pederasta, etc.

A más ver...

Perros de paja (Straw Dogs), de Sam Peckinpah

2007-07-31T21:34:00.000+02:00

Hoy comentaré otra gran película, es esta ocasión, Perros de Paja (Straw Dogs, 1970) de Sam Peckinpah, en la que se demuestra cómo hasta el hombre más pacífico puede llegar a volverse violento, si se hace que pase el límite.
Se trata de una de las obras clave del maestro en eso de mostrar los comportamientos violentos en el cine, Perros de paja, de Sam Peckimpah.

Ficha:

PRODUCTORA: ABC Pictures Corp.
PRODUCTOR: Daniel Melnick
DIRECTOR: Sam Peckinpah
INTERPRETES: Dustin Hoffman, Susan George, Peter Vaughan, T.P. McKenna, Ken Hutchison, Del Henney, Colin Welland
GUION: David Zelag Goodman y Sam Peckinpah basado en la novela de Gordon M. Williams
MUSICA: Jerry Fielding
FOTOGRAFIA: John Coquillon (Color)

MONTAJE: Paul Davies, Roger Spottiswoode y Tony Lawson

Argumento:
"Perros de Paja" nos cuenta la historia de David Sumner (Dustin Hoffman) y su esposa (Susan George). Han decidido dejar su residencia habitual en Estados Unidos para vivir en un pequeño británico, donde creen que David encontrará la paz para escribir un tratado sobre matemáticas.
David es un ser tranquilo y reflexivo. Un matemático enfrascado en sus numeros. Un hombre de ciudad. Su esposa viene a ser lo contrario. Una chica alegre, bella, provocativa e inquieta.l
Peckinpah nos describe la relación entre ambos durante los primeros minutos de metraje, introduciendo brevemente a los personajes que residen en el pueblo.
Sin embargo, como toda relación, la convivencia es imperfecta, y David y su mujer discuten a menudo. Estas discusiones hacen que ella se vengue poniéndose algo provocativa con los hombres que trabajan en la casa.
La ambigüedad de la relación en el matrimonio, así como la intromisión de los siniestros lugareños -su mujer llegará a ser violada-, hará que se desencadene una serie de violentos acontecimientos, que terminarán con la explosión de David, que defiende la casa y al tonto del pueblo, del padre de la chica a la que éste ha asesinado por accidente. Hoffman está dando rienda suelta a su ira contenida, en lo que es una escalada típica de un western, pero trasladada en el tiempo.

El cazador (The Deer Hunter), de Michael Cimino

2007-07-31T00:52:00.000+02:00

El cazador (The Deer Hunter) es una película que Michael cimino dirigió en 1978 sobre un grupo de amigos ruso-americanos, trabajadores en una fundición de Pennsylvania, que deciden ir a servir a su país en la guerra de Vietnam.

Se trata de la mejor película de su director, mítico por sus posteriores batacazos cinematográficos, los cuales prefiero obviar, para centrarme en esta gran película.
La película fue galardonada con cinco Oscar de la academia: mejor película, mejor director (Michael Cimino), mejor actor de reparto (Christopher Walken), mejor edición y mejor sonido.

Ficha:

Título original: The Deer Hunter
Año: 1978
País: USA
Duración: 183 min
Estreno en España: 1978
Estreno en USA: 1978
Director: Michael Cimino
Reparto: Robert De Niro,
Meryl Streep, Christopher Walken,
John Savage, George Dzundza,
John Cazale, Amy Writght, Joe Grifasi
Productora: EMI Films

Argumento: Le película se divide en tres actos:
Durante el primer acto, se nos muestra la vida cotidiana del grupo de amigos durante los días previos a su partida hacia el Vietnam: su última jornada de trabajo, sus juergas en el bar de uno de sus amigos, la boda de Steve, sus amores, sus rencillas... y su última cacería.
Durante el segundo acto, nos situamos en Vietnam, y seguimos a los tres amigos, Michael (Robert De Niro), Nikonar (Christopher Walken) y Steven (John Savage), durante su estancia en manos enemigas, donde son obligados a jugar a la ruleta rusa... también vemos cómo consiguen escapar, y acaban quedando divididos y enviados hacia diferentes lugares del país.
En el tercer acto, se muestra la vuelta de Mike a Pennsylvania, así como las profundas heridas psicolçogicas y físicas de los tres hombres. Pero Mike había hecho una promesa a Nick durante la boda de Steven: que ambos volverían del Nam... y ha de cumplirla, a pesar de estar enamorado de la novia de Steve. Pronto descubrirá que la tortura de sus captores ha cambiado mucho a Nick.

El reparto:
En primer lugar, se ha de hablar de la magnñifica interpretación que De Niro hace -ninguna sorpresa, ya que es un genio en sus mejores años- de su personaje, llenándolo de profundidad, orgullo y humanidad. Desde luego, su "momento", es, además de la escena de la ruleta rusa, cuando vuelve a casa, y decide pasar de largo y pernoctar en un motel... su interpretación es insuperable, mostrando lo destrozada que puede llegar a que dar el alma de un hombre tras una experiencia así.
John Savage hace un muy buen trabajo con su personaje, dotándole de gran fondo humano, así como de tremenda amargura, durante las escenas en el hogar para veteranos de guerra lisiados.
Christopher Walken hace uno de los papeles de su vida, interpretando al moralmente destrozado Nick del final de la película. Para preparar la escena final, el último juego de ruleta rusa, pasó una semana comiendo sólo plátanos y arroz, para dotar al personaje de un aire fantasmagórico.
En cuanto a Meryl Streep, hace uno de sus mejores papeles, como la novia de Nick, y posteriormente, de Mike. Genial cuando le ofrece a Mick el jersey que había hecho para Nick.
En mi opinión, merece una mención aparte el gran John Cazale, intérprete con un curioso mérito: absolutamente todas las películas en las que participó, fueron nominadas, o ganaron el Oscar a la mejor película. Obras como El Padrino (The Godfather, Francis Ford Coppola), La conversación (The Conversation, Francis Ford Coppola), El Padrino II (The Godfather Part II, Francis Ford Coppola), La conversación (The conversation, Francis Ford Coppola), Una tarde de perros (Dog Day Afternoon, Sidney Lumet), o -póstumamente-, El Padrino III (The Godfather Part III, Francis Ford Coppola), hacen de este un intérprete singular, que falleció antes de ver estrenada El Cazador. Es importante remarcar que durante el rodaje de la película, Cazale sufría una cáncer de hueso en estado avanzado. Cuando la productora conoció este dato, decidió despedirle, pero fue gracias a la pasión de John por el guión, y a la amenaza por parte de su prometida, Meryl Streep, de abandonar el proyecto, que pudo participar en la obra.

Música:
En el apartado musical, si duda destacar la magistral Cavatina, una pieza clásica interpretada para la ocasión por John Williams, compositor de bandas sonoras como Superman, E.T., o Star Wars, por citar unas pocas. Se trata de una pieza clásica para guitarra, profundamente bella.
En segundo lugar, también es muy acertada la elección de la música sacra rusa para las escenas de caza. Les da ese tono solemne tan especial y genial.
Finalmente, no puedo quedarme sin comentar una de las utilizaciones más geniales que he visto en mi vida de una canción en una película: se trata de Can't Take My Eyes Off You, de Gloria Gaynor. Esta genial canción suena durante una escena en el bar, antes de que los amigos se vayan a la guerra, y es cantada a coro por todos ellos. Sin duda, es una de las escenas que mejor reflejan lo que es la amistad. Simplemente, perfecta.

Lovely & Deadly, de Jaime Infante

2007-07-30T23:59:00.000+02:00

Hago una pequeña pausa en el monográfico sobre mis películas favoritas, para anunciar que ya he terminado -por fin- mi primera experiencia como director.
Se trata del cortometraje Lovely & Deadly, con guión y dirección de un servidor.
La historia se centra en un ladrón a sueldo, que es mandado por su jefe -que se hace llamar "le grand homme"- para retener a la novia de uno de sus compañeros, que ha resultado ser un traidor. El encargado de la tarea trata de hacerlo de la manera más profesional posible, llevándola al piso franco donde ha de permanecer la mujer para evitar posibles llamadas a la policía, o a algún grupo rival. Pero todo comienza a ir mal, ya que la mujer logra resultar tremendamente seductora, haciendo que la profesionalidad quede de lado.
Este es el planteamiento principal de la obra. He de decir que el resultado final no es para nada perfecto, ni lo que deseaba. Pero, sin duda, es mejor de lo que cabía esperar de un novato con una cámara digital.
Y esto se debe, principalmente, a los geniales colaboradores con los que he contado. Hablo, sin duda alguna, de mi compañera de reparto -ya que finalmente, me tocó co-protagonizar la obra-, la señorita Tania Kuriy, preciosa mujer rubia de ojos azules, natural de Ucrania, y en la que he encontrado la más devota de las intérpretes, y a una de mis más queridas aliadas, en la actualidad. Tanto es así, que estoy preparando el siguiente, escribiéndolo para que ella lo interprete. Sólo puedo decir que ahora es mi musa, aquella que me inspira con nuevas fuerzas, para dedicarme a este arte que tanto me gusta.

Sin duda, mi querida actriz cumple el adjetivo "lovely".

El otro colaborador del que hablo es mi gran amigo, Ibón Cabezas, con el que, además, comparto grupo de música. Ibón ha resultado ser el más fiel -y sufrido- de lo amigos, prestándome su ayuda y asistencia en cada momento, tanto como operador de cámara como consejero y paciente escuchador.
Por tanto, antes que nada, me gustaría decir algo: gracias; muchas gracias. Por haber creído en mí, cuando nadie lo hacía; por haber sido tan buenos amigos; por haber hecho realidad este primer paso. Gracias. Siempre estaréis en mi pensamiento.
También es menester agradecer a mi propia madre su paciencia, apoyo -emocional y económico-, y su patrocinio como productora ejecutiva.
En cuanto al rodaje, duró tres días -no consecutivos-, bajo una temperatura infernal, y con un montón de inconvenientes y trabas. Pero no hay gran problema, si la voluntad es fuerte. Y así era la nuestra, pues queríamos lograr algo.

Servidor, con el más que decente maquillaje ideado por nuestra estrella.

En el apartado gráfico, opté por el blanco y negro, un aspecto siempre elegante, con el que además, pretendía homenajear algunas de las grandes películas de género negro de los años 40, así como a Jean-Luc Godard en Bande á Parte. Sin duda, resulta también conveniente la elección dadas las limitaciones técnicas de la cámara empleada. Además, también quería emular la narrativa clásica de The Godfather, de Francis Ford Coppola, así como la épica de Sergio Leone en Once upon a time in America, o Once upon a time in the west.
Respecto a la elección de la banda sonora, opté por jugar sobre seguro, aunque sé que robé directamente música de autores y de bandas sonoras. Pero no se ha de olvidar que, con esta obra, quería jugar a ser director, más que serlo -ojalá algún día llegue a ello-. Opté por abrir el cortometraje con la elegante voz de la japonesa Meiko Kaji -protagonista de Lady Snowblood-; continuar con el memorable Vals #2 de Shostakovich -empleado por mi adorado Kubrick en la genial Eyes wide Shut-, pasando por piezas para mí esenciales de la historia del cine, como son Deborah's theme, de Ennio Morricone para Once upon a time in America, de Sergio Leone, o Man with the harmonica, del mismo compositor, para Once upon a time in the West, también de Leone. Además, aproveché el tirón emocional que siempre tiene un clásico, con Sonata claro de luna, de Beethoven. Finalmente, la única canción que ya estaba en mi mente cuando escribía el guión: House of the rising Sun, de The Animals.
Sé que el resultado dista mucho de ser perfecto, pero es un primer paso hacia -espero- mi soñada carrera como realizador.
Y, de nuevo, he de mostrar mi eterno agradecimiento a Tania, ya que el papel fue escrito expresamente para otra persona, que declinó la oportunidad. Tal vez debería agradecer a esta otra persona por inspirarme -muchas líneas del cortometraje están tomadas de conversaciones entre ella y yo- y por haberse negado a actuar -ya que ahora no concibo trabajar con otra persona que no sea Tania-. Pero no lo haré, ya que sé que ni le importa, ni lo merece. La elección de Tania fue cosa mía, y sin su voluntad de trabajo no habría sido posible nada. Gracias de nuevo.

Y ahora, sólo me queda anunciar mi siguiente proyecto: un relato ambiguo entre el sueño y la vigilia, esta vez a color, y aún carente de título, que protagonizará de nuevo mi musa.

The Dreamers, de Bernardo Bertolucci

2007-07-29T21:23:00.000+02:00

Voy a comentar una película que me gusta mucho. Me gusta por sus interpretaciones, por su estética, por lo sorprendente que resulta, por su banda sonora, por su narración... se trata de The Dreamers (en español, Los Soñadores), del casi siempre polémico, y a veces delicioso, Bernardo Bertolucci.
El director de Parma se lució con esta obra, homenaje a tres cosas: al cine (sobre todo), al espíritu de mayo del 68 en París, y al despertar sexual.
En mi opinión, se tratan los tres temas con igual intensidad en el film, pero muchas veces la manera tan explícita que tiene Bertolucci de narrar los encuentros sexuales (véase El último tango en París) hace que mucha gente considere esta una obra sobre todo erótica. Es cierto que trata la sexualidad de manera poco habitual, ya que muestra desnudos frontales, y genitales en primer plano (yo diría que es el único plano Sergio Leone que he visto de un pene en el cine no X).
Ficha:
Dirección: Bernardo Bertolucci.
Países: Reino Unido, Francia e Italia.
Año: 2003.
Duración: 120 min.
Interpretación: Michael Pitt (Matthew), Eva Green (Isabelle), Louis Garrel (Theo), Robin Renucci (Padre), Anna Chancellor (Madre), Florian Cadiou (Patrick).
Guión: Gilbert Adair; basado en su novela "The holy innocents".
Producción: Jeremy Thomas.
Fotografía: Fabio Cianchetti.
Montaje: Jacopo Quadri.
Dirección artística: Jean Rabasse.
Vestuario: Louise Stjernsward.

Argumento:
Matthew es un joven norteamericano que está en París pasando un año para aprender francés. Pero lo que realmente hace es pasar el día en la Cinemathèque Française, templo de culto del cine, y hogar de nacimiento de la oh-tan-brillante Nouvelle Vague. Es la primavera del 68, y el arresto del director de la cinemathèque lleva a unos graves disturbios juveniles (principalmente entre el apasionado grupo de cinéfilos), que desencadenaron los célebres acontecimientos del mayo del 68 parisino.
Matthew conoce durante esa primera revuelta a dos jóvenes hermanos gemelos: Isabelle y Theo. Entablan una intensa amistad, que lleva a los gemelos a invitar a Matthew a pasar un mes en su gran apartamento parisino, mientras sus padres están en la playa.
El fanatismo de los tres por el cine, la extraña relación de los hermanos (casi incestuosa), y los retorcidos juegos que comienzan mezclando cine y sexo, llevarán al grupo a un despertar sexual que los aísla de los acontecimientos que se desarrollan en las calles.

Reparto:

En el papel de Matthew, un más que remarcable Michael Pitt, que se ha convertido en uno de los mejores actores del actual cine "independiente". Además de buen actor, tiene un grupo de música que se dedica a hacer grunge al más puro estilo Nirvana (de hecho, se diría que casi copian). En la película Dreamers, canta uno de los temas de la Banda Sonora: una versión del mítico Hey Joe, de Jimmy Hendrix. Entre sus papeles más destacados, y obviando el de asesino en Murder By numbers, junto a Sandra Bullock, yo destacaría su interpretacióin de Blake, el principal personaje de Last Days, la película de Gus Van Sant sobre los últimos días de Kurt Cobain.

En el papel de Theo, uno de los gemelos, un joven francés: Louis Garrel, que hace un trabajo más que correcto, y que aporta al personaje un aire misterioso y reservado, que le da un toque mágico.
Y, finalmente, la dulce, dulce guinda sobre el pastel: la bellísima Eva Green, en el papel de Isabelle, que deslumbrará a todo el público por su formidable actuación, y a la sección masculina con sus... encantos de mujer. Entre su filmografía posterior (puesto que esta fue su primera película), destacan Arséne Lupin (2004) o El Reino de los Cielos (2005), de Ridley Scott. Además, se ha convertido en Chica Bond, en la película Casino Royale (2006).

Cine postmoderno:

The Dreamers es una película sobre las películas. Es decir, que es plenamente postmoderna, habla desde el cine, sobre el cine. Y de una manera descarada, y estéticamente brillante, llegando a tomar directamente anécdotas de otras películas, para recrearlas.

Muy memorables son momentos como el "We acept you, One of us!", tomado del clásico Freaks, o la imitación por parte de Theo de Scarface, de Howard Hawks.
Sin embargo, yo me quedo con el momento en el que los tres jóvenes baten el récord marcado en Bande Á Parte(Jean-Luc Godard, 1964), de recorrido rápido (de hecho, corriendo) del Museo del Louvre.

Érase una vez en América (Once upon a time in America), de Sergio Leone

2007-07-23T11:03:00.001+02:00

Ya puse la oh-tan-trabajada-y-depurada lista de mis películas favoritas, así que voy a hacer la crítica -en el buen sentido- de las elegidas. Voy a empezar por la que vengo considerando últimamente como la "mejor película de la historia", aunque claro, este es un calificativo demasiado importante. De todos modos, si no es la mejor, sí que está entre las tres mejores. Estoy hablando del testamento cinematográfico de uno de mis directores favoritos de todos los tiempos: Érase una vez en América (Once upon a time in America), de Sergio Leone.

Ficha:

Director: Sergio Leone.

Guión : Leonardo Benvenuti, Piero De Bernardi, Enrico Medioli, Franco Arcalli, Franco Ferrini, Sergio Leone basado en la novela "The Hoods" de Harry Grey

Diálogos adicionales : Stuart Kaminsky

Fotografía : Tonino Delli Colli

Música compuesta y dirigida por : Ennio Morricone

Montaje : Nino Baragli

Ingeniero de Sonido : Jean Pierre Ruhu

Dirección artística : Carlo Simi

Producción : Arnon Milchan

Productora : The Ladd Company

1.-La larga, larga preproducción de una obra maestra:
Para hablar sobre esta película no se puede empezar de otra manera que contando la larguísima pre-producción que llevó a cabo el genial director romano. Desde algo antes de empezar a rodar el que sería el broche de oro de su Trilogía del dólar (Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo), Leone estaba enamorado de una historia: la de la novela The Hoods, de Harry Grey. El director tenía claro que quería hacer un film sobre esa historia, pero no lograba conseguir los derechos para la adaptación.
Terminó de rodar El bueno, el feo y el malo, y conoció a Grey, que finalmente le vendió los derechos (era un declarado fan de los western de Leone). Pero cuando Leone desembarcó en América, ya con un nombre hecho entre los directores no americanos más importantes del momento, los productores no querían que hiciera una película sobre gánsteres judíos. Querían otro western. Leone estaba ya cansado del género, y aunque amase profundamente ese tipo de historias, creía que era ya la hora de cambiar de registro. Con la promesa de que después de esta película, podría rodar lo que deseara, reunió un genial equipo de guionistas (Bertolucci, Dario Argento, y él mismo, entre otros), que llevaron a cabo el que habría de ser uno de los mejores western jamás rodados, Hasta que llegó su hora (Once upon a time in the west), con Claudia Cardinale, Charles Bronson y Henry Fonda.
Pero las cosas no iban a ser tan fáciles... el largo proceso de escritura del guión de lo que sería Érase una vez en América (se dice que el más largo de la historia del cine), así como las presiones de las productoras, obligaron a Leone a rodar otra película más, antes de su ansiada C'era una volta in America. Tuvo que dirigir Agáchate, maldito (Giu la testa), sobre la revolución mexicana. Así, Leone llegó a considerar esta etapa como una nueva trilogía, sobre las distintas froteras en la historia de América: Hasta que llegó su hora, sobre la construcción del ferrocarril; Agáchate, maldito, sobre la revolución al sur de la frontera; y Érase una vez en América, sobre la etapa de la ley seca.
Finalmente, tras 14 años de preproducción (durante los cuales, se dice que Leone ya tenía la película rodada en mente de tal manera que decía a los guionistas cuántas palabras poner en boca de cada personaje, según el número de pasos que iban a dar), Leone se enfrentó a la que sería su obra maestra, si es que se puede destacar alguna obra dentro de la excelente (y breve) filmografía del genio italiano. Durante la etapa anterior, Leone ya había preparado la mayor parte de la banda sonora junto a su inseparable, y siempre infalible, Ennio Morricone.

2.-Érase una vez, en América...
David Aaronson "Noodles", un pobre chaval judío, conoce en los suburbios de Manhattan de principio del siglo XX a Maximilian Bercovicz "Max", otro joven de origen hebreo dispuesto a llegar lejos por cualquier método. Entablan una gran amistad y forman, con los 3 colegas de "Noodles", Patrick Goldberg "Patsy", Philip Stein "Cockeye", y Dominic una banda que prospera rápidamente. Sin embargo, la verdadera ambición de Noodles es Deborah, el amor de su vida. Es una chica, hermana de Fat Moe (el chico del bar), que se prepara como actriz y bailarina en la parte trasera del negocio familiar. Desgraciadamente, la banda es perseguida por Bugsy, el tipo para el que Noodles y sus amigos trabajaban anteriormente, y en uno de sus asaltos, mata a Dominic. Rápidamente Noodles se tira encima suyo y le mata, por lo que pasará 12 años en prisión. Cuando Noodles sale de prisión le recibe Max, que sigue con su banda junto a los otros 2 amigos, Patsy y Cockeye. Rápidamente, entre los 4 llegan a convertirse, en tiempos de la prohibición, en unos importantes mafiosos. La ambición de Max lleva a Noodles a traicionarles para salvarles la vida... pero mueren, y Noodles nunca podrá perdonárselo a sí mismo.
Esta historia se nos cuenta mediante flashbacks de tres épocas: los 20's, los 30's, y el 68, a lo largo de 220 minutos de duración.

3.-El reparto
En primer lugar, hay que mencionar a los jóvenes actores que interpretan (genialmente) a los jóvenes golfos de la banda (Scott Tiler, Rusty Jacobs, Brian Bloom, Adrian Curran y Noah Moazezi). Sin duda, es una de los segmentos más inolvidables de la película. Una imágen que se te queda clavada es, por ejemplo, cuando Patsy va a contratar un favor sexual a una vecina a cambio de un pastel, pero tiene tanta hambre, que acaba comiéndoselo; o la muerte de Dominic, cuando dice "Noodles... resbalé".
Una vez los niños crecen, nos encontramos ante un reparto deslumbrante: Robert DeNiro como Noodles (en uno de los mejores papeles de su genial carrera), James Woods como Max, James Hayden como Patsy, y Willima Fotisthe como Cockeye. También destacan el siempre genial Joe Pescy, Burt Young y Treat Williams.
En cuanto a la sección femenina, sin duda cabe destacar, en primer lugar, a la joven que interpreta a Deborah de niña: una jovencísima Jennifer Connelly, en su primer papel. Una vez que Deborah es adulta, la encarna Elizabeth Mcgovern, con un pasmoso buen hacer. Finalmente, es importante hablar sobre Tuesday Weld, como la chica de Max.

3.-El cantar de los cantares
No quiero pasar por alto la historia de amor/desamor entre Noodles y Deborah, que es una de las más (¿bonitas?¿tiernas?¿desoladoras?) de la historia del cine.
Noodles está tremendamente enamorado de Deborah. La espía mediante un agujero en la pared mientras ella hace sus ejercicios... y aunque ella finge disgusto, realmente le deja hacerlo.
Una de las escenas más bellas de toda la filmografía de Leone es aquella en que Deborah y Noodles, aún de niños, casi se besan después de que Deborah recite una parte del Cantar de los cantares. Francamente insuperable.
Más adelante en la película, Noodles , ya salido de prisión, hace que abran un restaurante sólo para ellos dos. Tienen una cena muy romántica, y después están tumbados en el patio del restaurante, hablando. Él recita una parte del Cantar de los cantares para ella... todo parece que va a salir bien, es una escena preciosa, con la genial música de Morricone de fondo... pero ella le confiesa que el día siguiente irá a Hoolywood, para empezar su carrera como actriz. En el coche, de vuelta, Noodles se ve invadido por el sentimiento de impotencia y de rabia, al ver que nada va a salir como él esperaba, y viola brutalmente a Deborah, ante la impasible mirada del chófer. Al día siguiente, él va a despedirse de ella en la estación, pero ella baja la cortina del tren: lo que Noodles ha hecho es imperdonable.
El último episodio de la historia de amor entre Noodles y Deborah se narra cuando Noodles vuelve a Nueva York en el 68. Éste descubrirá que ahora Deborah está con su mejor amigo, Max, que no sólo no murió, sino que está viviendo la vida que correspondía a Noodles.

4.-La teoría del Opio
La película tiene una estructura circular: empieza y termina en el mismo momento y lugar: Noodles yendo a un fumadero de opio tras traicionar a sus amigos. Esto ha llevado a especular (el propio Leone prendió la mecha) sobre si toda la historia posterior (la de 1968) es un sueño producido por el Opio. Ésta tesis se sostiene en hechos como que Noodles no se relaciona en el "futuro" con personas que no conociera ya en el "presente" y "pasado", o por detalles como el númer que aparece e el camión en el que puede que muera Max (que es el número de años que han transcurrido desde que traicionó a Noodles), o en el hecho de que Deborah no ha envejecido apenas. Sin embargo, los detractores de esta teoría alegan que Noodles estaría proyectando sobre el futuro inventos que no existían en los años 30's, así como acontecimientos como al Guerra de Vietnam.

-"¿Qué has estado haciendo todo este tiempo?"
-"Acostarme temprano."

Top de mis películas favoritas

2007-07-09T12:09:00.000+02:00

Llevo tiempo madurando esta lista, y creo que nunca podría ser perfecta... hay directores que repiten, actores que también... pero ¡qué diablos! Si los mismos equipos creativos han sido capaces de crear tal perfección, merecen estar varias veces en esta lista.
Es mi lista personal de mis 20 películas favoritas. Quentin Tarantino hizo la suya personal, con 12 y he de reconocer que comparto algunas de sus elecciones, pero esta es personal e intransferible.
El mundo y los críticos podrán estar o no de acuerdo... pero para mi no hay NADA como el cine, y dentro del cine, NADA como estas películas. Todas poseen algo que yo llamo un "momento cinematográfico". Para mi esto es que de repente, en algún punto de la película, la música, la escena, el diálogo (o la ausencia de este), el ritmo, las interpretaciones... se combinan de manera insuperable, causándome escalofríos. Me encanta eso en una película. Además de estos "momentos", las películas son geniales en conjunto (individualmente), al verlas en perspectiva.
Debo decir que no están en ningún orden concreto, es decir, que según mi estado de ánimo y demás, el orden puede ser alterado, así que es simplemente un conjunto, sin jerarquía.

-El bueno, el feo y el malo (Il bueno, il Bruto, il cattivo), Sergio leone, 1966
-Taxi Driver, Martin Scorsese, 1976
-El Padrino, (The Godfather), Francis Ford Coppola, 1972
-2001: una odisea del espacio, (2001: a space oddisey), Stanley Kubrick, 1968
-El cazador, (The deer hunter), Michael Cimino, 1978
-Fargo, Joel Cohen, 1996
-La gran evasión, (The great Escape) , John Sturges, 1962
-Casablanca, Michael Curtiz, 1942
-Érase una vez en América, (Once upon a time in America), Sergio Leone, 1984
-El silencio de los corderos, (Silence of the lambs), Jonathan Demme, 1991
-Asesino Shogun, (Shogun Assasin), Kenji Misumi, Robert Houston, David Weisman, 1972
-La naranja mecánica, (A clockwork orange), Stanley Kubrick, 1971
-Pulp Fiction, Quentin Tarantino, 1994
-Blade Runner, Ridley Scott, 1982
-Apocalypse Now, Francis Ford Coppola, 1979
-Chungking Express, Wong Kar-Waikira Kurosawa, 1994
-Alta Fidelidad, (High Fidelity), Stephen Frears, 2000
-Star Wars (trilogía original), George Lucas, Irvin Kershner, Richard Marquand 1977-1980-1983
-Banda Aparte (Bande á Part), Jean-Luc Godard, 1964
-El club de la lucha, (Fight Club), David Fincher, 1999
-The Killer, John Woo, 1989
-Amélie, (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain), Jean-Pierre Jeunet, 2001
-El precio del poder, (Scarface), Brian De Palma, 1983
-Perros de paja (Straw Dogs), Sam Peckinpah, 1971
-Los soñadores (The Dreamers), Bernardo Bertolucci, 2003

A partir de ahora, dedicaré una especie de monográfico, para hacer un análisis de cada una de estas obras maestras del séptimo arte, el que para mi es el arte definitivo.

Léon, el profesional, de Luc Besson

2007-06-28T18:51:00.000+02:00

Bueno, hoy me apetece comentar una de esas películas que me gustan desde hace tiempo, pero que nunca está de más comentar. Se trata de Léon, el profesional, una película que dirigió en 1994 Luc Besson, y que cuenta con unos protagonistas de excepción: el gran Jean Reno (Juan Moreno, vaya) y la preciosa y brillante Natalie Portman, en su primer papel. Además, destaca Gary Oldman, aunque algo sobreactuado...Ya comenté lo genial que me parece Jean Reno, y lo desaprobechado que está -en vez de explotar su talento, se pone a hacer dinero con cosas como la malísima versión americana de Godzilla o la patética El Código Da Vinci-. Si algún día tengo la oportunidad, está entre mis planes rescatarle del olvido en alguna película (mwahahahahaha). Y es que pienso que también ha hecho cosas realmente buenas como Los ríos de color púrpura, o esta misma Léon, el profesional. También me encanta Natalie Portman, que además de muy guapa, es muy buena actriz, y que en la película que nos ocupa ahora, es una genial Lolita.

El argumento de la película se centra en Léon, un asesino a sueldo que nunca falla en sus encargos, que sólo bebe leche, y que cuida cariñosamente de una planta de interior. De ahí que sea un auténtico profesional. Mathilda es una niña de doce años que no se lleva nada bien con su familia, excepto con su hermano pequeño. Su padre es contrabandista de droga y hace negocios con el excéntrico Stan -Gary Oldman-, que irónicamente es un corrupto agente de la D.E.A. (Drug Enforcement Administration, departamento gubernamental contra las drogas). Estando Mathilda comprando en un supermercado, Stan mata a la familia de la joven. Ella no tiene más remedio que refugiarse en casa de su solitario y misterioso vecino Léon, y descubre que es un asesino a sueldo. No teniendo ningún lugar adonde ir, Mathilda se queda con Léon y hacen un pacto: ella lavará la ropa, la casa y enseñará a leer a Léon mientras que él la enseñará a disparar para poder vengarse de aquellos que mataron a su hermano.
En mi opinión, es una peli de acción á la française, es decir, que es cine comercial de acción americano, pero cone se toque francés que la hace especial. Acertada a ratos, desafortunada otros ratos, pero sin duda original e inolvidable.

Red Steel, acero al rojo vivo

2007-06-28T18:12:00.000+02:00

Pues sí, como gané el certámen literario que convocava el A.M.P.A (el hampa) de mi ahora ex-instituto, he decidido comprarme el videojuego Red Steel para la Wii, aun a pesar de tener el de El Padrino a medias. Ahora que tengo tiempo podré pasármelos los dos ¡¡Mwahahahahaha!!

Paso, por tanto, a hacer una valoración crítica de este juego, o al menos, de las primeras impresiones que me ha causado -ya llevo algunos días jugándolo-.
En primer lugar, el argumento me encanta, ya que parece que estás viviendo una película de yakuzas o un manga -hay cosas que están prácticamente extraídas directamente de películas como Kill Bill o Crying Freeman-. Eres Scott, un estadounidense comprometido con la hija de un poderoso Oyabun. El día que ibas a pedirle la mano de su hija al señor Sato, unos asaltantes de un clan rival le matan a él y la secuestran a ella -Miyu-. ¡Ahora de tí depende vengar la muerte de Sato-san y rescatar a tu amada!

En tu aventura utilizarás armas de fuego de todo tipo: escopetas, pistolas, UZIs, metralletas, rifles de francotirador, granadas... pero una especial mención requiere el uso de armas blancas: las Katanas. Yo me confieso un gran amante de este tipo de armas -aunque ya sabemos la mala fama que tienen, y más en este país, por cuatro idiotas-, así que disfruto especialmente de los duelos a espada de este juego. Utilizas dos espadas: una Katana, para asestar letales golpes y katas, y una Tanto, un arma corta para parar los golpes de tu rival y dañar su espada. Al principio llevas una Katana normalita, pero más adelante, te confiarán la Katana Giri, un arma legendaria, ante la que tus enemigos temblarán. Las luchas con katana son especialmente intensas gracias al modo de juego de Wii, ya que mueves el mando como si tuvieras literalmente una katana en tus manos. Aún resulta un poco ortopédico el sistema de captura de movimientos, y estoy seguro que en adelante será empleado de manera más natural, pero aún así, no deja de ser divertido en absoluto.

En el apartado gráfico, no entiendo por qué este juego ha sido tan criticado. A mi me parece que tiene unos gráficos muy competentes, en los que destacan ante todo la cuidada iluminación -de película, en muchas ocasiones-, y las texturas. Eso sí, el brazo -ya que es un juego en primera persona-, resulta a veces un tanto de chicle... pero qué diablos, no desmerece en absoluto, ya que el escenario es totalmente destructible, cosa que siempre se agradece, ya que suma realismo y tono peliculero al juego.
En cuanto a la jugabilidad, muchas veces ha sido criticada, y se ha dicho que resulta difícil de controlar en exceso... yo creo que quienes dicen eso o bien nunca han utilizado un mando de Wii, o es que son realmente malos apuntando... a mi se me hace facil -salvo a veces en que se te cansan los brazos, o en las que mueves el mando demasiado deprisa- y mucho más realista que otros juegos. Además, nadie esperará que apuntar "de verdad" sea tan facil como hacerlo con un botoncito ¡Así es mucho mejor!En definitiva, este juego se ha convertido en uno de mis favoritos de los lanzados hasta la fecha para la nueva máquina de Nintendo -el señor Nintendo debe de ser muy feliz con los beneficios que le está reportando esta consola-. Sé que he llegado tarde, ya que el juego salió a la venta a la par que la consola, pero yo voy descubriéndolos a mi ritmo. Además, al ser exclusivo para Wii, promete haber algunas secuelas, convirtiéndose en toda una franquicia. Seguro que en posteriores entregas, se va haciendo más y más divertido.
Además, me encanta el tono peliculero del juego -yo más que videojuegos, busco películas en las que meterme-.

Aprobada selectividad con creces

2007-06-28T15:14:00.000+02:00

Hace algunos días recibí las notas de selectividad. En total, un 7. Si lo juntamos a la media de Bachillerato, 7.48. Esto se traduce por: Jaime Infante Ramírez es apto -espero que haya plazas suficientes- para entrar en Comunicación y Audiovisuales.

Crucemos los dedos, crucémoslos por si acaso, que nunca se puede cantar victoria antes de tiempo.

Otra historia es que he quedado primero en el concurso de relatos cortos de mi instituto. Es decir, que me han dado 60€ en vale regalo del Corte Inglés. Esto es, el juego red steel para mi wii.

Comentaré más adelante qué tal va el juego.

Antonio, por Dios

2007-06-26T21:32:00.001+02:00

Hace unos días encontré esto, así que he decidido colgarlo finalmente... espectacular.

Pues eso...

París Texas, de Wim Wenders

2007-06-24T23:29:00.000+02:00

Una de las películas que he descubierto últimamente y que me ha fascinado especialmente es París Texas de Wim Wenders. Se trata de una producción franco-alemana ambientada en Texas, que ganó la Palm D'or de Cannes en 1984.

Argumento (puede haber spoliers):

La pelícua comienza con un hombre que vaga por el desierto cercano a la frontera con México, sin rumbo aparente. Se llama Travis (Harry Dean Stanton) y padece amnesia. Resulta que ha estado desaparecido durante cuatro años, cuando acude a rescatarlo su hermano, y se lo lleva a su hogar en Los Ángeles. Allí, su hijo Hunter se crió con su hermano y la esposa de éste quienes nunca ocultaron que Travis era su padre desaparecido. Travis se hace amigo de su hijo y lo convence de ir con él en busca de su esposa y madre del pequeño de nombre Jane Henderson (Natassja Kinski). Travis encuentra a Jane y descubre que tiene un empleo poco digno allí, contacta con ella, y juntos reviven su pasado.
El título proviene de un solar que posee Travis en la ciudad Texana de Paris, lugar con el que su padre solía bromear, diciendo que "conoció a su madre en Paris".
La película, de una serenidad y calma infinitas (que no lentitud), está rematada por el genial blues de Ry Cooder, con su inconfundible slide guitar.

Sencillamente magistral.

Wong Kar-Wai, "el poeta de la imágen"

2007-06-24T20:22:00.000+02:00

Wong Kar-Wai, con sus eternas gafas de sol...

A la espera de conocer mañana los resultados de selectividad, me apetece hablar algo sobre un director al que estoy descubriendo -y eso que no es nuevo- desde hace un tiempo. Se trata de Wong Kar-Wai, el autor Hongkonés (aunque nació en Shangai).
Se trata de un autor sorprendente. En muchas de sus películas el tiempo parece quedar en suspenso, presentando largas tomas a cámara lenta al son de algún cantante cubano. Sin duda, se trata de películas que han de ser degustadas más que vistas. Han de ser admiradas de una manera plenamente abierta.
En este primer acercamiento al director hablaré sobre dos películas principalmente: In the mood for love y 2046.

IN THE MOOD FOR LOVE (deseando amar)La acción se desarrolla en Hong Kong en 1962. Chow Mo-Wan (Tony Leung Chiu-Wai), redactor jefe de un diario local, alquila una habitación en un apartamento el mismo día que Su Lizhen (Maggie Cheung Man-yuk), secretaria de una compañía naviera. Son vecinos de habitación. Por motivos de trabajo sus respectivas parejas los dejan solos durante cierto tiempo. A pesar de tener una casera y unos vecinos amistosos, Chow y Su se encuentran a menudo a solas en sus habitaciones y entablan una amistad. Una vez, Chow descubre que sus respectivas parejas mantienen una relación extra-matrimonial en común. A partir de este momento ambos empiezan a pasar cada vez más tiempo juntos reconfortándose el uno con la presencia del otro. Chow invita a Su a ayudarlo a escribir una serie de historias de artes marciales que escribe para un periódico. Según su relación se vuelve más íntima, la gente se empieza a darse cuenta, mientras cada uno de ellos intenta persuadir al otro para que no deje a su respectiva pareja.

Esta película me regaló una escena que nunca olvidaré... aquella en la que dice "en la antigüedad, cuando alguien tenía un secreto, subía a una montaña solo. Allí, susurraba su secreto en un hueco en un árbol. Después, cubría el hueco con barro, de manera que quedara a salvo para siempre". Yo me apliqué el cuento.

2046
Un periodista y escritor free lancer (el mismo personaje, Chow Mo-Wan, interpretado por Tony leung) se aloja en el cuarto 2046 de un hotel, en el cual reflexionara sobre los significados y misterios de su vida amorosa, todo eso relacionado con una novela de ciencia ficción que escribirá, en la cual una androide con sentimientos retardados no se dará cuenta de que ama al personaje hasta que ya es demasiado tarde. Así, van desarrollándose, paralelas a la construcción de la novela, las aventuras amorosas de Chow.
"Si hubiera nacido en otra época, mi vida hubiera sido diferente", afirma el personaje, "No sirve de nada encontrar a la persona indicada si el momento no es el adecuado", "El amor es una cuestión de tiempo".

WONG KAR-WAI
Wong Kar-Wai ha logrado resaltar sobre la industria cinematográfica Hongkonesa, mayoritariamente comercial. Un director de cine con una visión poética de la vida (es llamado "poeta de la imagen") que- junto con su inseparable director de fotografía, el australiano Christopher Doyle- ha devuelto al panorama cinematográfico una revisión postmoderna y oriental de aquel estilo de cine que ya practicó en los sesenta la nouvelle vague francesa.
El estilo de dirección de Wong Kar-wai requiere mucho de los actores. Rodando sin guión, el excelente autor chino obliga al reparto a estar a la altura de los personajes, y los constantes cambios en el argumento hace que las películas tarden bastante en rodarse.

Cómo descubrí a Wong Kar-Wai

Resulta curioso cómo entré en contacto con el cine de este genial autor. Hace cosa de un año, en una noche de insomnio, decidí encender la televisión. Descubrí asombrado una escena de una película. Se trataba de una mujer oriental que, con unos guantes de fregar los platos y unas gafas de sol, jugaba en su piso como si fuera una niña, con un avioncito, y con unos peces en la pecera. Mientras, sonaba una canción que no fui capaz de identificar... pero el caso es que la simbiosis entre música-imágen y el ritmo y estética de la escena me dejaron totalmente deslumbrado. Al día siguiente investigué y conseguí el título de la canción: California Dreaming, de the Mamas& the Papas, pero no fui capaz de averiguar el nombre de la película.
Pues bien, con los días alguien me comentó sobre la existencia de una película, 2046, que podía gustarme. Practicamente olvidé la recomendación, y no la recordé hasta que, meses más tarde, una compañera comenzó a hablarme sobre ella. Tampoco gran cosa, sólo "le gusta a mi amigo no se cuántos, o a no se quién más". Empezó a picarme el gusanillo de la curiosidad aún más. Acabé comprando en DVD las dos películas -aunque también se debe incluir en la saga Days of Being Wild- que estaban en relación: In The Mood for love y 2046. Las vi, y ya no pude escapar.
Qué sobervio me pareció el modo de contar historias, de una manera nada típica, y unas historias de lo más personales... qué forma de retratar lo que es el "amor". Parecía ser que el director lo entendía exactamente igual que yo... y esa música de Nat King Cole... ¡¡menudo director!! Esto fue sobre navidades...
Tanto me ha influido e impactado la obra de este hombre, que he llegado a emplear diálogos o situaciones de estas dos películas en mi propia vida personal. Y también me ha inyectado el gusto por Nat King Cole...
Ahora bien, por casualidades de la vida, topé con otra película de Wong Kar-Wai que más adelante comentaré... una película con una canción, California Dreaming... ¡La película con esa escena que un año atrás me había dejado fascinado! El círculo parece estar cerrado... se trata de Chungking Express, y es una obra deliciosa... porque "delicioso" es el único adjetivo que parece encajar al 100% con el cine de Wong Kar-Wai.
Ahora mismo, se cuenta entre mis directores favoritos.

Bienvenido a la familia

2007-06-22T16:29:00.000+02:00

" ...pero ahora vienes a mí a decir: 'Don Corleone, pido justicia', y pides sin ningún respeto, no como un amigo, ni siquiera me llamas Padrino. En cambio vienes a mi casa el día de la boda de mi hija a pedirme que mate por dinero."

Como ya he completado la parte principal del Zelda: Twilight Princess -sólo me faltaría completar pequeñas misiones y algún minijuego, por lo que ya no es tan divertido-, he decidido hacerme con otro juego para la Wii. Tras dudar entre dos -Red Steel y El padrino-, me he decantado por la adaptación al videojuego de una de mis películas favoritas, la épica saga de Francis Ford Coppola. El Red Steel acabaré comprándomelo, pero tal vez cuando baje algo de precio.
Esta edición del videojuego El padrino tiene como subtítulo El Chantaje, pero el argumento es idéntico al del resto de las versiones para otras plataformas de juego. Se diferencia en el apartado gráfico -superior al de PS2 y X-BOX360, pero inferior al de PS3- y, sobre todo, en el modo de juego, ya que saca todo el partido posible al revolucionario mando de Wii. La casa que ha producido el juego es EA.
Una vez he empezado a jugar, la primera impresión es que es un juego al más puro estilo GTA, es decir, que te deja total libertad de movimientos por la ciudad, mientras vas completando las misiones que el Don y demás miembros de la Familia te van encomendando.
En este juego eres Aldo -aunque puedes cambiar el nombre-, hijo de uno de los hombres de confianza de Don Vito. Tu padre murió en el 36, por "negocios", así que ahora vas a trabajar para el Don, subiendo en la escala del hampa neoyorkino de los 40's, siguiendo un argumento paralelo al de la primera película de la trilogía. Uno de los puntos fuertes del juego es que a Aldo lo creas tú desde el principio, es decir, que has de determinar el aspecto físico que tendrá, combinando una gran variedad de rasgos. Yo lo he hecho parecido a mí mismo.
En el apartado gráfico es en lo único que parece resentirse, ya que resulta un tanto tosco y desfasado. Lo único que se salva es la recreación de los rasgos y las expresiones de algunos personajes -como, por ejemplo, el propio Vito Corleone-. La única cara que no se parece en nada es la de Michael Corleone, debe ser que Al Pacino no ha dejado que le conviertan en personaje de videojuego.
También es una pena que los coches no puedan conducirse en "primera persona", es decir,
Respecto al argumento, de momento va respetando y complementando de manera bastante competente todo aquello que sucedía en la película -supongo que habrán sacado algún as directamente de la novela de Mario Puzo-. Tal vez falle que algunas escenas que sí que transcurren en la película son recreadas muy "de aquella manera", pero bueno, el resultado en conjunto no está nada mal.
La ambientación musical es inmejorable, ya que se trata de la propia banda sonora de la película.
El doblaje al español también resulta muy atractivo.

En cuanto a nivel de dificultad... pues de momento me parece bastante fácil, pero entretenido, eso sí.
El punto fuerte del juego en esta plataforma, y lo que le diferencia de las demás versiones -para X Box, Psp, Playstation 2 y 3...- es la jugabilidad. Cada parte del mando -el mando propiamente dicho y el nunchuck- se convierten respectivamente en tus manos derecha e izquierda, de tal manera que a la hora de dar palizas para extorsionar, o de estrangular a alguien, resulta mucho más realista y te metes más en el juego.

Ronin, de John Frankenheimer

2007-06-21T22:21:00.000+02:00

"-¿te asusta perder el pellejo?

-me cubre el cuerpo"

RONIN, de John Frankenheimer, y protagonizada por Robert DeNiro y Jean Reno, es una de esas películas que tal vez no cuenten una gran historia, pero que te la cuentan de tal manera que te engancha.
El planteamiento es sencillo: varios ex-agentes de diferentes grupos terroristas/agencias (ingleses, americanos, irlandeses, franceses, alemanes...) de inteligencia de diferentes países son reunidos en París por una mujer Irlandesa. No se sabe quién manda a esta mujer. Se les encarga recuperar un maletín por el que luchan diversos bandos, aunque no se les dice lo que hay en su interior.
La historia se desarrolla entre rápidas ráfagas de diálogo (en ocasiones brillante) y trepidantes persecuciones automovilísitcas por las calles de diversas ciudades francesas.
Lo malo es que el director parece sacrificar parte del desarrollo de la trama para dar más de sí en estas escenas de acción y en el desarrollo de la intrigante trama. Es decir, que nos deja un poco a medias al explicarnos cómo va naciendo algo entre Deirdre (Natascha McElhone) y Sam (Robert De Niro).
Sin embargo, sí que nos regala una buena reflexión sobre el compañerismo y el honor entre aquellos que deben guardarse las espaldas mutuamente, como es el caso de Sam (Robert De Niro) y Vincent (Jean Reno, uno de esos actores que, en mi opinión, son geniales, pero nadie ha sabido darles nunca "ese" papel, salvo, quizás, el de Lèon en Lèon, el profesional).
En definitiva, una película tal vez irregular en cuanto al desarrollo de su argumento, pero impecable en cuanto a la narración de la acción. Hace pasar un rato genial, y sin duda es genial ver al tándem De Niro-Reno en la pantalla.

Brother, de Takeshi kitano

2007-06-21T22:02:00.000+02:00

Una vez conseguidas las vacaciones, comienzo un régimen fílmico de lo más recomendable. Voy a una media de película por día. En primer lugar porque quiero ampliar mi cultura cinematográfica, por lo que veré y comentaré muchas obras que, sorprendentemente, no había visto hasta la fecha. Y en segundo lugar, por puro goce, por lo que también comentaré y veré películas que ya son clásicos de mi videoteca.

No voy a poner una nota numérica ni chorradas así.

Anoche me dispuse a ver una de esas obras sobre las que tenía una opinión bastante ambigua. Y es que la opinión sobre una película cambia mucho según el momento de la vida en que sea vista. Eso es lo que me pasa siempre con BROTHER, de Takeshi Kitano.

Se trata de una película totalmente magistral. A veces exagerada sí, pero sin duda eso le da un tono épico encantador.
SINOPSIS: Aniki Yamamoto, tras la muerte del jefe de su banda, debe trasladarse a Los Angeles desde Japón, donde está residiendo su medio-hermano Ken (un mestizo afro-japonés), supuestamente para estudiar pero en realidad está comprometido con el mundo de la droga. Yamamoto tarda poco en hacerse con el control de una banda y empezar su periplo como yakuza, hasta que se enfrentan con la mafia.

No quiero desvelar el final, pero no puedo eludir decir que la escena final, que nos muestra que Yamamoto también es humano, y cómo ha llegado a congeniar con el amigo de su hermano (este amigo está interpretado por Omar Epps, el doctor Foreman de House).

Takeshi Kitano, con su hermanito y Omar Epps

En definitiva, una película muchas veces infravalorada, este periplo americano del gran Takeshi Kitano (o "Beat" Takeshi, en su faceta interpretativa).

Meiko Kaji (梶芽衣子, Kaji Meiko)

2007-06-18T16:55:00.000+02:00

Me apetece hablar algo sobre esta actriz/cantante japonesa que, sin quererlo, ha compuesto buena parte de la Banda Sonora Original de esta última semana de mi vida, y de mi futuro cortometraje (próximamente disponible la Banda Sonora en Bad Ass Blues Band cd's, compañía filial de mi productora, Bad Ass Blues Band Company).
Dando unos tijeretazos a la Wikipedia, se puede decir más o menos esto:

Nació el 24 de marzo de 1947 en Chiyoda, Tokio, Japón. Es una cantante y actriz japonesesa. En 1970, con poco éxito pero mucha experiencia en el negocio del cine, firmó con el estudio Nikkatsu y actuó en papeles más o menos importantes en la serie Stray Cat Rock, películas sobre confrontaciones entre bandas juveniles de chicas que, aunque son inventivas, tenían un guión pobre.
En 1971, Nikkatsu comenzó a moverse en el negocio erótico, mucho más lucrativo, por el cual es mejor conocida hoy en día. Ante todo se dedicaron a producir películas de porno blando y romántico.
Para evitar de convertirse en una estrella del pink film, Kaji se fue a la Toei, donde conoció al director Shunya Ito, y participó en cuatro películas de la serie Female Prisoner Scorpion, gracias a lo cual se hizo famosa en todo Japón.. Las películas fueron adaptadas de un famoso manga de Toru Shinohara. En la cuarta parte, Toei substituyó a director Shunya Ito por Yasuharu Hasebe, una decisión que no gustó demasiado a Kaji, por lo que ella dejó la serie, que continuó hasta 1998 con seis nuevas entregas de poca calidad.
En 1973 consiguió el papel de Yuki en Lady Snowblood, la película sobre venganza, que se ha popularizado más adelante como película del culto en occidente. Fue basado en el manga de Kazuo Koike que también creó la serie del Crying Freeman y del manga Lobo solitario y su cachorro. Esta película se cuenta entre las más importantes influencias recibidas por Quentin Tarantino para su Kill Bill. Fue seguida por una secuela, Lady Snowblood 2: love song of vengeance.
Kaji comenzó a aparecer en varias de las películas de Kinji Fukasaku, lo más notablemente posible Yakuza Graveyard (1976). En 1978, apareció en una adaptación de la película de Sonezaki Shinju, por la cual ella consiguió las nominaciones para la mejor actriz en cinco entregas de galardones, ganando cuatro de ellos. Sin embargo, la película permanece practicamente desconocida, por no haber sido nunca lanzada en video o DVD.
Su carrera como cantante fue entretejida con su carrera como actriz, cantando a menudo en las bandas sonoras de películas que ella protagonizaba. Dos de sus canciones han aparecido en sendos volúmenes de Kill Bill.

¡Menuda mujer!

Born again!

2007-06-18T16:37:00.000+02:00

Nutrido grupo de selectividosos dándole al Bic.

Bueno, me pido disculpas a mí mismo por no haber podido escribir ninguna entrada durante estas semanas, salvo algún que otro lamento estúpido. Ha sido debido al malvado virus de la selectividad, que me ha atacado hasta dejarme K.O.
Ahora que he acabado (bueno, de hecho, ya hace unos días), y que tengo tiempo para descansar, me siento realmente renacido (vaya, supongo que es obvio de dónde viene el título: el Daredevil de Miller y Jim Lee).
El Cebollense tampoco pudo hacerse cargo del blog, pues está en paradero desconocido por el momento. Lo único que sé sobre él es lo que se dice en una carta del FBI que ha llegado a mi casa por correo, y según parece, le han secuestrado para sacarle yo que sé qué órganos. Creo que lo escribían desde Roswell... seguro que se lo pasa bien y hace muchos amiguitos ^_^.
La experiencia de la selectividad es cuanto menos, curiosa. En un resúmen rápido y cutrón, diría que se trata de tres días muy muy cansados -y cansinos- durante los que no te da tiempo a hacer nada de lo que quieres, sólo a hacer exámenes y a esperar en los pasillos como si se tratara de un hospital. Hablas con los compañeros, te comes las uñas, te metes miedo a tí mismo, y, antes de que te des cuenta realmente de la noción del tiempo, ha acabado. Y en esos tres días te habrá dado tiempo a hacer de todo, hasta a saber qué fue de Ash, el protagonista de la saga Evil Dead -el genial actor Bruce Campbell-. Sólo diré que ahora es corregidor de economía...
Ahora, sólo queda esperar hasta que lleguen los resultados de las pruebas de selectividad -sí, suena a pruebas de VIH, pero viene a ser lo mismo-. Mientras tanto, voy a comentar algunos DVD's, comics y libros que he ido descubriendo en este tiempo, o algunos que tenía ganas de comentar y ahora que tengo tiempo puedo.

POSTDATA:También es importante dar la noticia: LOVELY & DEADLY, mi esperado primer cortometraje, se haya en fase de pre-producción -es decir, que de momento el cast, el crew, y la madre que los parió están compuestos básicamente de... mi-. Pero ya es imparable e inevitable. ¿El primer paso de una gran carrera?¡Mwahahahahahahahahahaaaaaa!... más quisiera...

Pulp Fiction

2007-05-19T13:50:00.001+02:00

Creo que el título de la entrada lo dice todo ¿no es así? Seguro que con sólo ver el cartel ya empieza a sonar en vuestra cabeza el genial Miserlou de Dick Dale.
Finalmente, he acabado los exámenes -para bien o para mal- así que me toca pasar un fin de semana nervioso y paranoico, a la espera de los resultados. Como si fueran las pruebas del SIDA, vamos.
Para relajarme -aunque, con el periplo a la comisaría de la calle Leganitos posterior a esto, no se si mis nervios mejoraron o empeoraron- me dirigí al Fnac -mi templo- a comprar la edición especial coleccionista de Pulp Fiction, una de las dos o tres películas que no dudo en calificar como "mis favoritas" o "las mejores de la historia".
El dvd de Pulp Fiction, en su edición standard, estaba descatalogado y agotado desde hace años -llegando a pedirme por él en una ocasión 30 eurazos-. Pero qué agradable sorpresa dieron los amiguitos de Miramax hace unas semanas, poniendo a la venta esta suculenta edición que, aunque con años -muchos- de retraso, llega a nuestro país cargadita de extras.
En primer lugar, cabe destacar lo bonito de la caja en que viene presentada, con su doble estuche de cartón, y su genial diseño.

La edición contiene 2 dvds. El primero de ellos contiene la película, un acceso directo a las canciones de la misma, y una opción para activar datos sobre la producción a lo largo del metraje.

"No empecemos a chuparnos las pollas todavía"

El segundo de los discos, el que es propiamente de extras, contiene un documental, apariciones de Quentin Tarantino en programas televisivos, escenas eliminadas, un reportaje llamado "la generación Tarantino", otro sobre el diseño de producción, un "detrás de las escenas del montaje", entrevistas en los Independient Spirit Awards y en el festival de Cannes, críticas y artículos sobre la película, filmografías,trailers de cine de todo el mundo, anuncios de TV y 8 galerías de fotogramas con cientos de fotos.
Creo que es, por fin, la edición digna que se merece este PELICULÓN, con mayúsculas, de uno de los tres hombres que más me ha inspirado en la senda cinematográfica a lo largo de mi vida -junto con Kubrick y Miike-.
Sobre el argumento, dudo mucho que quede algo por decir, ¿no?. Las historias de dos asesinos a sueldo, la sexy mujer del jefe, y un boxeador desesperado, entre otras muchas subtramas, componen un elenco añocojantemente genial, inolvidable, impecable.
La Banda Sonora, como siempre, el fuerte del amigo Quentin, es brillante. No falla en ninguno de los momentos, sacando del olvido temazos como el Miserlou de Dick Dale, ya por siempre ligado a esta película.
En definitiva, una gran película por fin en una buena edición, que ya es un must-have para todo cinéfilo.

Tratado sobre la grandeza

2007-05-11T23:55:00.000+02:00

Uno de los mayores ideales del hombre es alcanzar la grandeza. Al menos, lo es de determinados hombres con un potencial especial en su interior, una "capacidad especial" que les permite hacer algo con destreza, unida con una llamada a la acción y a evitar la inactividad.

Pero la grandeza ha de ser, antes de ser anhelada realmente, analizada con precisión. La grandeza es la cualidad de destacar sobre los demás en algo en concreto. Pero no es destacar por algo negativo, no es destacar de manera fácil y rastrera, sino que es brillar con luz propia y genuina, alzarse sobre la masa de pasivos y abrazar lo más alto. ¿Es, por tanto, deseable la grandeza? La grandeza puede estar en muchas ocasiones ligada a la fama, y en la actualidad, la grandeza que es famosa está realmente denostada. Llegar a ser alguien con una gran personalidad, y explotar al máximo el potencial lleva a la envidia y al resentimiento de aquellos que, o bien carecen de potencial, o que dejan que se pudra en su interior. Ese resentimiento hará que traten de hacer caer a los gigantes de sus torres, sólo por el hecho de ser más grandes. Por tanto, antes de tratar de ser grande, una persona debe decidir si prefiere consagrarse a otro tipo de vida, no necesariamente dejando pudrirse su valía, sino simplemente consagrándola a tareas más "familiares" -esto es, si alguien dotado para la música decide que no quiere destacar, pero dedica su talento para componer una canción para, por ejemplo, un hijo: ésta persona no deja que su potencial se pudra en el resentimiento, pero tampoco lo explota para compartirlo con los demás, simplemente juzga que la grandeza no es para él, lo que no es, en absoluto, criticable-.

Para alcanzar la grandeza se debe seguir una serie de pasos. Seguramente no sean pasos infalibles y no sean aplicables a todos los casos, pero sí que resultan cuanto menos acertados, y esenciales para entender la naturaleza misma de la grandeza y decidir si es realmente o no deseable. Será, en cierto modo, como un Bushidô del talentoso. Una serie de pasos para alcanzar el virtuosismo en la materia en cuestión, de manera que se pueda alcanzar el máximo punto de grandeza.

En primer lugar, se debe analizar la naturaleza del propio potencial. No todas las personas están igual de dotadas para las mismas áreas. Existen personas dotadas para las artes, para las ciencias, para el deporte, etc. Actualmente ser un "hombre del renacimiento", dado lo avanzado de cada una de las materias, es practicamente imposible. No se puede ser el mejor físico nuclear, a la vez que el mejor literato y que el mejor corredor de fondo. Uno ha de decidir hacia dónde le llama la vocación, que acompaña siempre al potencial. De todos modos, este tratado va más encaminado hacia cualquier modalidad artística, más que de otro campo.

El segundo paso consiste en encontrar los medios para hacer que el talento pueda desarrollarse. En muchas ocasiones las circunstancias en las que la persona ha nacido puedeque incluso le hagan ignorar involuntariamente su propio potencial. En otras, la escasez de recursos hará imposible el desarrollo del mismo. En cualquier caso, se ha de buscar el modo -lo cual no es fácil en absoluto- de llegar más lejos. Esta parte resulta especialmente dura, porque esto afecta a las demás áreas de la vida del individuo. Debe encontrar maestros que le instruyan en aquello para lo que está llamado, de tal manera que conozca los predecesores y las ideas contemporáneas a si tiempo. Pero no se debe olvidar que un maestro es alguien con vocación frustrada, es decir, un profesor de pintura es alguien que anhelaba verse expuesto en grandes museos, pero que se ha de ver limitado a transmitir sus conocimientos, para que al menos, no queden en vano. Por tanto, todo alumno resultará mediocre si no supera a su maestro. En cuanto a las otras áreas de la propia vida a la que afecta esto, está principalmente el área afectiva. Los sentimientos nos vuelven torpes e ineficaces. Nos nublan la vista clara de la ambición, trabando nuestro camino hacia la grandeza. Por tanto, se ha de olvidar, por duro que sea, el amor. El amor, especialmente, y, por extensión, su antítesis el odio, puede ser una fuente de inspiración, pero a menudo resulta entumecedor. Actúa como una droga, proporcionando euforia mental, pero torpeza física. Por tanto, en caso especialmente de los llamados al arte, los sentimientos han de ser no eliminados, sino utilizados como materia de modelaje. El amor intenso, así como el dolor por una pérdida, etcétera, han de ser elementos inspiradores que ayuden a alcanzar cotas más altas, y que doten al artista de individualidad, de originalidad. Porque las experiencias propias, así como la asimilación de las mismas, son siempre únicas, íntimas e intransferibles.

En tercer lugar, se debe eliminar la duda, y sus consecuencias, el miedo y la pereza. Si ante la dura prueba que supone el segundo paso -la vida consagrada al potencial- el hombre duda, y se deja llevar por el miedo, acabará aborreciendo su propio potencial, y negándolo. Si por miedo a no ser aceptado, o a fracasar, o a tener que dejar de vivir como hasta entonces, el hombre deja de lado su potencial, acabará aborreciéndolo, y finalmente, será el punto en el que pueda decidir si dejar que se marchite, o si consagrarlo a la manera más familiar antes mencionada. En el hombre está la capacidad de elegir, y nadie dice que la grandeza sea lo más deseable o lo más fácil. Si, por el contrario, se echa atrás por pereza, por miedo al esfuerzo, el potencial se convertirá irremediablemente en resentimiento contra aquellos que si que tuvieron el valor de continuar. En el caso del miedo, es una vía de escape aceptable pero no legítima, pero la pereza es directamente despreciable, por ser hija del conformismo, y de la voluntad de convertirse en una oveja más del rebaño.

En cuarto lugar, una vez aceptada la vía de la grandeza, se debe abrir plenamente el espíritu a uno mismo. Es decir, aceptarse tal y como se es, con virtudes y defectos. Ésto es especialmente importante, porque uno debe potenciar sus virtudes y elegir qué hacer con sus defectos. Puede optar por disimularlas, lo que no es malo en absoluto. Lo malo es esconderlas con vergüenza, puesto que se convertirán puntos débiles fácilmente atacables por los rivales. Lo otro que puede hacer es optar por el cinismo, y alardear de dichos defectos, convirtiéndolos en una manera de destacar, pero esta es una vía peligrosa. Si se hace bien, se puede destacar excéntricamente, es decir, de manera plenamente original y personal, de manera que se brillará mucho. Pero se puede caer a lo más bajo si ese cinismo se torna en chabacanería y se olvida el objetivo primordial. Así uno se convierte en un creador de usar y tirar. Así sólo se demuestra la poca voluntad real de grandeza.

En quinto lugar, se debe tener claro el sistema de ideas y lo que se quiere transmitir. Esto es, se debe crear el concepto de uno mismo, de losintereses e ideas propias, para proyectarlos en las creaciones. Uno debe crear sobre la base de lo que se quiere hacer, no crear por crear. Hacer algo con un mensaje concreto, que vaya más allá de la anécdota. Para eso, se debe abrir de nuevo el espíritu a uno mismo y ver qué es lo que quiere decir en realidad con ese potencial. En qué quiere emplearlo. Este momento es importante porque si uno se mantiene fiel a si mismo, será grande y consecuente. Si no, será un vendido, un asalariado de cualquier compra-almas de poca monta. Sería una prostitución de la vocación, que recompensaría venalmente -tanto al vendido como al que ha comprado-. Pero aquel que de verdad cree que tiene algo que decir y una manera genial de hacerlo lo hace de verdad, y no se vende. Si se hace sólo por dinero, entonces no quiere alcanzar el máximo ideal de la grandeza, es decir, llegar a ser recordado e inspirar a los siguientes, habiendo superado a los anteriores. La riqueza, aunque siempre sea importante la financiación, nunca ha de ser una primera prioridad para alguien que aspira a la grandeza.

En sexto y último lugar, se debe crear, es decir, acumular el camino elegido, lo aprendido, la experiencia vital y lo que se quiere contar, creando un estilo propio y característico. Esto no es en absoluto fácil, y he aquí el momento en el que se demuestra el verdadero potencial y si de verdad se está llamado a la eternidad. Si se logra sobresalir realmente no sólo sobre las ovejas, sino sobre aquellos a la misma altura, y sobre aquellos que han estado siempre por encima. Pocos lo lográn, se pueden contar con los dedos de una mano. Pero es el fin último, la eternidad.

Una vez expuesto el tema y los procedimientos, sólo cabe sopesar si se quiere de verdad hacer el sacrificio de la vida efectiva por la vida eterna. Este enuncaido es seductor, pero sin duda engañoso. La vida eterna es aquella de la que realmente no se tendrá ni noticia. No son pocos los genios que han muerto en el anonimato, y cuyas obras han sido reconocidas póstumamente. Y en cualquier caso, la repercusión real y la verdadera calidad de la grandeza no se comprueban sino con perspectiva histórica. Por tanto, la elección es dura y difícil, pero es algo que se ha de hacer. El mundo está lleno de grandes frustrados, de gente sencilla que decide no intentar destacar pero no convertirse en masa, de ovejas y de gente que ha trabajado duramente su potencial, aunque hayan quedado en el anonimato. Lo único que se puede hacer, pues, es intentarlo, aunque el sólo intento no sea suficiente.

Tetsuo, el hombre de hierro

2007-05-06T11:58:00.000+02:00

tornillos rosca chapa proporcionados por Black&Decker

La gente cuando está depre suele hacer varias cosas: a) hincharse de helado (las tarrinas enormes esas), b) comer mucho, c)suicidarse, d)quedarse tirado en la cama mirando al techo y dejando que le nazcan setas en el pecho (en este caso, como veremos, más que setas son remaches).

Pues bien, una vez superadas la fase c) y d), yo hice lo propio. Lo que yo hago es comprar una película que tenga ganas de ver. Pero no una cualquiera, siempre una lo más bestia y sangrienta posible. Lo más impactante, vomitivo, bisceral y anómalo que me pueda echar en cara. Así que, como ayer una buena (buenísima, esa Cristina, siempre salvándome la vida) amiga me dijo de ir a ver Spiderman 3 -que comentaré en breves- al cine, ya que estaba me pasé por un Daily Price, una tienda de música, pelis y videojuegos de segunda mano que me encanta. Si compras películas muy conocidas lo más probable es que estén requetesobadas y un poco estropeadas, pero como yo allí solo compro películas de las mias, suelen ser dvds que la gente ha comprado porque les llamaba la anteción la portada y después se han arrepentido estrepitosamente -así conseguí Gozu, por ejemplo-, de manera que me ahorro casi la mitad y además están en perfecto estado -primer principio de la guía económica del friki, por el ilustre economista, el Cebollense-.

Pues bien, ayer estaba especialmente deprimido, y estuve a punto de comprar las tres partes de Samurai. Pero en el mismo stand vi un pack: Tetsuo I: el hombre de hierro, y Tetsuo II: el cuerpo de martillo. La caja que contenía ambas películas estaba un poco estropeada, pero no era nada que mis dotes de anticuario aficionado no pudieran solucionar.

¡Wow! Las dos partes de la famosa saga del gran Shinya Tsukamoto en pack y baratitas. Tripas, tornillos, zooms, low motion, 8 mm,y mucha, mucha diversión. Las compré casi sin dudar, y, como siempre, como el bulímico cinematográfico y comiquero que soy, me arrepentí un poco de haberme gastado el dinero -que aun estoy amortizando la Wii-.

Lo malo es que como estoy de exámenes, no podré disfrutarlas del tirón. Pero esta tarde cae la primera parte, en un descanso del empolle.

Hasta ahora este criterio de depresión-tripas me ha funcionado, y he amortizado mis estúpidos bajones con el descubrimiento de verdaderos peliculones, como Ichi The Killer o Izo. Esta vez no he descubierto nada nuevo, Tetsuo es un clásico del cine fantástico y de terror, pero era uan espinita que tenía clavada, el no haberla visto aún. Y ya que venía con su segunda parte, se une a ese grupo de posesiones tan estimadas por mi: los packs de películas orientales -bueno, colecciono pelis en general, pero esos packs me encantan-, junto con Battle Royale I y II, Dead or Alive I, II y III, la serie MPD Psycho... futura adquisición: ¡el de Izumi!

El papá de la criatura

Ahora paso a hablar un poco de este genial director de culto que es ShinyaTsukamoto, que abrió el camino que después andaría mi idolatrado Takashi Miike, y que es admirado y citado como una de las principales influencias de David Fincher (director de la genial Fight Club) de los hermanos Wachowski (Matrix) o del GRAN Quentin Tarantino.

Tsukamoto nació en Japón en 1960. Con 14 años empieza a realizar sus cortos en 8 mm. Tras finalizar sus estudios de Bellas Artes, se introduce en el mundo de la publicidad dirigiendo anuncios. Dos años después, deja el trabajo para concentrarse únicamente en actuar y dirigir.
Durante los años 80 funda una compañía teatral llamada Kaiju Theater (el teatro de los grandes monstruos marinos), con la que presenta al público algunos de sus cortos.
En 1988 produce, con esta misma compañía, Tetsuo, El Hombre de Hierro. A pesar de estar rodada en condiciones de cierta precariedad y con bajo coste, con esta película se da a conocer como joven realizador ante un público japonés que queda rápidamente rendido a sus pies. El país se estremece cada vez que se estrena una de sus películas.
Tsukamoto, considerado uno de los realizadores más inquietantes del planeta, suele recurrir a temas relacionados con seres mutantes y fantasmagóricos rozando siempre lo irreal. La obsesión es otro de sus temas más recurrentes.
Realizador, director, actor, director artístico, director de fotografía, productor ejecutivo... Tsukamoto consigue crear y organizar una familia de cine compuesta por una serie de colaboradores que le ayudan a desarrollar su universo de fantasmas, inspirado en las películas de David Lynch o de David Cronenberg, siempre repleto de reminiscencias procedentes del mundo del cyberpunk. En poco tiempo ha conseguido crear un universo particular en el cual la carne y el metal se fusionan para crear una nueva forma orgánica. Igual que ellos dos, Tsukamoto utiliza el cuerpo humano como mero recipiente de una forma artística aún mejor. La carne como tal no significa gran cosa para ellos, ésta tan sólo les interesa si está fusionada con otros materiales (metales, tubos, etc).
Tras Tetsuo, El Hombre de Hierro y Tetsuo, El Cuerpo de Martillo, Tsukamoto se consolida como un valor seguro dentro del cine independiente japonés. El prefiere llamar a sus películas “entretenimiento de culto”. Sin duda, Shinya Tsukamoto representa, con sus particulares visiones, un director del momento y del futuro.

Su película de mayor repercusión a nivel mundial hasta el momento ha sido su opera prima, la propia Tetsuo, convertida en película de culto y éxito de crítica Tetsuo fue seleccionada para diversos festivales en Tokio y Roma. Se vio seguida de títulos tan notables como Bullet Ballet o A snake of June.

También cabe recordar su memorable trabajo como actor en sus propias películas y en obras de Miike como Ichi the Killer y Dead Or Alive II.

Dead, dead, dead and buried, Alright!

2007-05-03T14:45:00.001+02:00

Now, everything seems to be finished. But I know it has just started. I'm in the middle of the hurricane again, and I know she isn't another name from the Holy Bible, she's SHE, and no-one else.

I know I've been a little weird in my methods. I've chosen the strangest way to say her "I love you", and I know she hates me and she wants me out of her world right now. But I still feel that kind of stupid sensation, and I hate it, because it hurts.

I'm looking for some medicine, something good enough for my sick and stupid stomach and soul. I've discovered the effects of some soft drugs mixed with alcohol. They make me feel fine for a while, but later, I remember her face, and the way she says "you're crazy, after some weeks we won't meet again" and all that stuff that make me feel sad. And I cry and I hurt myself and I wish I was dead, dead, dead and buried. ALRIGHT!

I thought she whould've liked it very much. The surprise, the pages, the angels and the promises. But it all is scum in the end. I always do the same: I spoil some old friendship with my stupid drawings. They're damned.

I'm affraid. I'm affraid of talking to her. She whould hate me and stab me in the side and split my heart out of my chest. The phone bites my face and picks my hears and I feel my blood is like acid and I just want to jump out the window.

I think I love her too much. And it hurts. It hurts because she hates me. Now, her smiles are fake oasis. Her deep dark eyes, where I used to want to swim, are now like smoking machine guns waiting to shoot me. But I still feel the same, what a heartache. And I'm very sad and I don't know what to do or what to say or what to think. I just want to stop it all, stop being as I am, and become who she wanted. I whould like to stop existing.

FORGET HER NOW!, the people on the streets seems to say. I want to be over, with no return, no extra credits and no resurrection. I want to be under the ground, in company of my cold dead body, and my wooden case.

But it's not just for the few people loving me, the ones that help me stand as she used to do before I spoilt it all, isn't it? It's always me, always my stupid way to say I love you.

I must be strong and all that things but I think I'm drown in the middle of that kind of pitt, and everything's strange and I want to stop the world, and to put my brain out of my head and to shoot it and to be again under the ground. It's all a joke since the day I said "I love you".

Stupid. Stupid me. I though I could chase an angel. But everything I've got is pain and sadness and drawings I'll never send to nobody. I wanted to be her superhero, but angels don't need them. I whould like to be with her. To talk, to walk, to admire her. But now I'm the last in the list. I'm the one she'll forget. The only thing that will remain of all that years of I-don't-know-what-a-kind-of-friendship is... a great emptyness, and four stupid pages a drew for her, just because that was the only way I could say her "I love you". STUPID ME AGAIN.

But love is not just. Love is shit. Love stinks. And the way I express it also does. I hate myself. But I just don't want to hate her.
Old friends say "don't fool yourself, she's not behaving good" but I say "I'm not good enough for her". She'll be with her friends laghting and dancing and drinking and having a great time, and I'll be here, with the tears making deep paths trough my stupid fool face.

I feel so miserable that I just can cry and go on. Cry and go on.

I love you.

Do I? yes, I still do.

I love you.

Yokai Daisenso, el cine infantil según Takashi Miike

2007-04-30T18:58:00.000+02:00

- vaya... ¿un humano?¿nos lo comemos o

le hacemos cosquillas?

Fin de semana atareado en el pueblo -estudiar, comerme la cabeza con otros asuntos-, así que compré el viernes La Gran Guerra Yokai, de mi director nipón favorito, Takashi Miike.

Tenía entendido que era infantiloide -bueno, está dirigido al público infantil, aunque a mi esos bichos de pequeño me habrían dado miedo-, pero a mi me ha gustado bastante.

Durante las celebraciones populares, el joven de diez años Tadashi es elegido “Jinete Kirin”, defensor de la justicia y la paz. La leyenda cuenta que el Jinete kirin debe ir a una montaña cercana y reclamar una legendaria espada, guardada por el gran Goblin para así luchar contra el malvado ejército de Yomotsumono. Cuando los niños a lo largo del país empiezan a desaparecer y terroríficos monstruos comienzan a atacar a la gente, Tadashi deberá olvidar sus miedos y con la ayuda de los espíritus del bien se embarcará en la mayor aventura de su vida para derrotar al malvado Yomotsumono y rescatar a los niños de Japón en una épica batalla...

Este es el planteamiento inicial de la película. Pero da demasiadas cosas por supuestas, ya que en occidente no tenemos ni idea d elo que es un Yokai.

Según wikipedia:

Yōkai (a menudo nombrados Youkai, en Japonés: 妖怪) ("apariciones", "espíritus" "o demonios") son una clase de criaturas en la cultura japonesa que van desde el malévolo oni al travieso kitsune o la mujer pálida Yuki-onna. Unos poseen parte de animal y parte de rasgos humanos (por ejemplo Kappa y Tengu). Los Yōkai son generalmente más poderosos que los seres humanos, y debido a esto, tienden a actuar con arrogancia sobre los mortales. Los Yōkai también tienen valores diferentes de los seres humanos, y cuando estos entran en conflicto pueden conducir a la enemistad. Ellos son generalmente invulnerables al ataque humano, pero pueden ser derrotados por expertos exterminadores yōkai (退治屋, taijiya) y monjes budistas con la bendición de Buda.
Algunos yōkai simplemente evitan a los seres humanos y así el problema que conllevaban; generalmente habitan áreas aisladas lejos de viviendas humanas. Otros yōkai, sin embargo, deciden vivir cerca de asentamientos humanos conviviendo en buena armonía. Algunas historias cuentan que los yōkai crían como los humanos para tener han'yō, o “semi-demonios”. La mayor parte de estos cuentos comienzan como historias de amor, pero a menudo acaban con tristeza, resultado de los muchos obstáculos que tienen que afrontar los yōkai y los mortales en sus relaciones.
Estas criaturas han sido simbolizados y representados en representaciones artísticas como la pintura, el teatro, hasta inclusive en el manga, anime y videojuegos.

La película, como está hecha por quien está hecha, tiene los puntazos brillantes y muy peculiares de su director. Algunas escenas que no son demasiado infantiles y algunos planteamientos ídem.

En definitiva, plenamente recomendable. La pregunta es ¿qué no es capaz de hacer el señor Miike san?

P.D: lo que no tiene precio son los sketches de humor con el Kappa, en los extras. Son geniales y desternillantes.

Un cínico a las puertas del Infierno

2007-04-26T14:30:00.000+02:00

Hoy me apetece comentar algo de Hellblazer, una de las series que más me interesan, principalmente por su protagonista, John Constantine. Sobre el personaje se ha hecho una malísima película, con Keanu Reeves como protagonista, que prefiero olvidar. Pero eso no quita que la serie original sea brillante. Es otra de las que PlanetaDeAgostini está reeditando, dentro de la colección Vertigo de DC.

El orígen de la serie está en un número del Swamp Thing de Alan Moore, en la que apareció como secundario. Después, se le confió a Jamie Delano la tarea de llevar una serie con el personaje como protagonista: Hellblazer. Delano pensaba que alcanzarían los 12 números con mucha suerte... y van por más de 200 -eso sí, los equipos creativos han cambiado numerosas veces-.

John es un cabronazo. Esa es la palabra que mejor le describe. Fuma compulsivamente, bebe mucho, es borde, prepotente, chulo, machista y además un cínico. Pero es mi clase de cabrón. Es un ocultista inglés que se dedica a solucionar entuertos con seres demoniacos. Pero lo que me resulta más atractivo del personaje -además de su carácter- es su pasado. Es uno de los pocos personajes de comic del que sabemos que tiene un pasado en todo momento, aun sin conocerlo. Sabemos que ha cometido muchos errores, como el de Newcastle. Sabemos que mucha gente ha muerto por su culpa, y por su inexperiencia en sus comienzos como mago. Sabemos que todos esos fantasmas que le persiguen son de seres queridos que han ido muriendo. Todo eso le hace humano y cercano.

Su eterna gabardina, su corbata, su perenne cigarro, su aspecto a lo Sting... son imagenes que nos remiten directamente a él, al gran mago. Eso y su mal humor. Si está con resaca, o si por lo que sea no ha dormido bien, o si tiene cualquier problema infinitamente humano, no lo oculta, y lo paga con los demás.

Pero no es realmente una mala persona. Es un mago haciendo lo que mejor sabe, y no necesita a nadie más. Mantiene muchos romances, pero siempre será un lobo solitario. No puede evitar ser lo que es, un personaje tremendamente trágico y maldito. Pero se lo toma con humor.

Transmetropolitan, el futuro de Spider Jerusalem

2007-04-25T19:57:00.000+02:00

Últimamente PlanetaDeAgostini se dedica a reeditar algunos clasicazos de la célebre línea Vértigo de DC Comics. Iré comentando las series que me hago en este aspecto, que tampoco es que sean pocas...

Pero la que me ocupa en estos momentos es TRANSMETROPOLITAN, de Warren Ellis y Darick Robertson.

Se trata de una de las series que empecé con más escepticismo, puesto que no sabía en absoluto a lo que me enfrentaba, pero ha ido escalando puestos hasta muy arriba en mi top de series favoritas. No había tenido la oportunidad de leer nada de esta serie antes de esta edición, pero ahora la lectura de cada número -que contiene dos números USA- se convierte en un auténtico placer.

El planteamiento inicial de la serie resulta en principio demasiado manido: una visión de una sociedad en un futuro indeterminado, desde la cual se hace una crítica feroz del presente, blah blah blah. Inmediatamente nos vienen a la cabeza títulos de películas como Blade Runner y demás cyberpunks. Pero esta visión resulta cuanto menos, peculiar.

El protagonista es Spider Jerusalem, un periodista retirado en las montañas, que decide volver a la Gran Ciudad para retomar su carrera -de hecho, le obligan-. Así, cada arco argumental narra una investigación periodística y sus consecuencias, todo ello sazonado con lo cabronazo y cínico que es Spider, que es un personaje por el que siento absoluta simpatía.

Spider cuenta con algunas ayudantes a lo largo de la serie -al menos hasta donde llevo leído, han pasado dos por la historia-, que le asistirán en las, digamos, poco ortodoxas investigaciones que lleva a cabo.

Pero Spider, debido a su temperamento y forma de escribir, se ha ganado algunos enemigos: candidatos a presidentes, organizaciones, la cabeza criogenizada de su ex-mujer...

Por último, en el apartado del dibujo, Darick Robertson da lo mejor de sí mismo en cada número, consiguiendo una narración fluida y en ocasiones brillante. No desmerece en absoluto con respecto del dibujo de otras series del sello.

De momento no puedo contar mucho más de esta estupenda serie, puesto que llevo leídos 7 números -14 números USA-. Sé que, tras el cierre de la gran -GRAN- PREACHER, Transmetropolitan se convirtió en la serie estrella de Vértigo, y que se mantuvo así hasta el inicio de la nada despreciable 100 BULLETS -ambas series, preacher y 100 bullets, que comentaré tambien-. Así que promete, promete mucho. Bueno, tampoco es que haya dado poca cosa hasta ahora, porque resulta una delicia leer los jocosos comentarios de Spider sobre cualquier tema.

He de decir que es uno de los pocos comics con los que no he podido contener una carcajada de vez en cuando. Eso es algo que casi nunca me pasa, pero Spider tiene algunos puntazos de muy alto standing.

Recomendada queda.

5 motivos para preparar algo especial

2007-04-25T15:05:00.000+02:00

Últimamente he dedicado mi tiempo libre -bueno, de hecho, el poco que me dejan los estudios y la Wii- a preparar algo especial para una persona en concreto. Al principio no necesitaba motivos, lo hacía movido por la ilusión y punto. Después, con el tiempo, me fui dando cuenta de que era absurdo. ¿Para qué hacerlo? ¿era necesario? ¿qué fuerza kármica me obligaba?

Pues bueno, como creo que se me estaba acabando el fuelle de los sueños, he decidido hacer un top 5 sobre esto. Bueno, pues a ello, ¿Qué motivos tendría un tipo como yo -egoísta ý pesimista- para hacer algo así por otra persona?

5.-Cabezonería. Soy un cabezota y ya que me he puesto, lo termino. Me gusta autoflagelarme.

4.-Demostrar algo, aunque no se el qué. Supongo que ponerme a prueba a mi mismo.

3.-Porque no quiero preguntarme por qué no lo hice.

2.-Porque disfruto dibujando. Me encanta, lo paso en grande diseñando las páginas, los diálogos, etc, mientras escucho algo de buena música.

1.-Su risa. Tiene la mejor risa de la historia de todas las risas del universo. Si se ríe de verdad, lo hace con todo el cuerpo.

Top 5, trabajos soñados

2007-04-21T18:44:00.000+02:00

Si el tiempo, el lugar y las condiciones no los hicieran imposibles:

5.-Poeta/pintor francés durante el s. XIX.
Poco dinero, poca comida, poco lujo... pero mucho arte. Y un París en pleno romanticismo. Moriría de tuberculosis.

4.-Miembro de un grupo de Punk londinense a finales de los 70's.
Contracultura, rebelión e imperdibles. Nos llamaríamos algo asi como "moist vagina" o "Colon's methastasis". Moriría de sobredosis.

3.-Dibujante de comics.
Tal vez poco conocido, pero sí muy influyente.¿ Acabarían haciéndose ediciones de lujo de mis clásicos?

2.-Director de cine.
Rompedor, ecléctico, hiperactivo, violento... Mucha diversión.

1.-Samurai rônin durante el período Edo
Poca comida, viajar sin rumbo fijo, y vivir aventuras sórdidas pero exóticas. Acabaría enamorándome de la hija de algun Damyô, lo que haría que me mataran. Llevaría un juego fabuloso de Katanas, e iría ganando combate tras combate a los otrs rônins que buscasen mejorar sus habilidades.

Los consejos útiles del Cebollense #1

2007-04-21T16:26:00.000+02:00

El cebollense ha decidido daros algunos consejos sobre un tema capital en el mundo en el que vivimos: cómo fabricar NAPALM.

¿Quién no tiene un vecino que pone la televisión a todo volumen a altas horas de la madrugada?¿Quién no ha odiado alguna vez a algún profesor/jefe por esos comentarios tan jocosos y graciosetes?¿Quién no tiene algún que otro enemigo mortal, en definitiva?

Como seguro que todos respondemos a alguna de estas preguntas con un "a mi me lo vas a contar", paso a publicar los consejos útiles que el cebollense me ha dado. Disfrutad, y recordad que son manualidades que podéis hacer en compañía de vuestros hijos, si los tenéis.

El Napalm es un líquido increíblemente inflamable que se utilizaba en Vietnam para asar a los vietnamitas escondidos entre la vegetación. Pues si os pensabais que el Napalm era alguna mezcla altamente explosivade productos químicosla respuesta es NO.

Napalm es simplemente una partede jabón y una parte de gasolina, así de sencillo. El jabón tiene queser una pastilla de jabón picada en trocitos. Los detergentes no sirven, por los tensioactivos que llevan en su composición.

Hierve agua y ve a un lugar abierto sin peligros de llamas. Pon la gasolina en la parte superior y luego pon el jabón. Remuévelo hasta que este espeso.

Ahora tienes una de las mejores bombas de fuego que existen. Si te sale debería ser una sustancia como un gel mas o menos, es altamente inflamable, así que cuidado con ello.

Al menos una vida espiral

2007-04-20T15:09:00.000+02:00

Mi problema de pesadillas se ha convertido en algo casi crónico. Eso cuando puedo dormir. A veces ni eso. Así que las horas en blanco pueden llevarse de varios modos: alcanzar el virtuosismo en alguna materia (a esas horas, preferentemente no musical), o la meditación.

Pensando pensando he llegado a una conclusión: algún funcionario del Karma me odia con fervor. Se dedica a compensar los pequeños errores que cometo, que no son pocos, con olvido y superposición. Pero los grandes... los ahonda.
Y ahora me encuentro como un Morfeo escuálido y ojeroso, aristocrático y prepotente, que consigue apartar a todos los que alguna vez ha apreciado de su lado, atrayendo para sí sólo ilusiones fútiles.

Y son ya algunas las veces que he visto reflejado este diálogo del mismo Morfeo:
"¿Qué hemos de hacer con los aposentos que ocupó la...ehm... señora?"

"Borradlos. Por completo."

"De acuerdo, señor"

"Ah, y una cosa más. No volváis a mencionarla en mi presencia. Díselo a todo el personal de palacio".

Esta vez todo comienza igual que siempre. Felicidad, euforia, paranoia, ira, tristeza, clamor y silencio. Una sinfonía que se repite con una periodicidad pasmosa y perfecta, como si fuera la obra del mejor de los compositores.

Y ahora me pregunto, ¿y si realmente no es tan complicado?, ¿y si soy yo la pieza que falla siempre y que nunca termina de encajar?. No cabe duda de que mi parte de culpa tengo.

Pero esta vez me importa de verdad. He elaborado mis top 5 y ha pasado la prueba de "si la dibujo y a la primera sale genial, es que funciona". He llegado a matematizarlo. Normalmente a estas alturas ya me habría aburrido. Pero no es el caso.

Y la prueba de ello es el largo tiempo tratando de captar su mirada en sobre el papel, escuchando canciones de Radiohead.

Conclusión ¿insomnio y pesadillas por largo tiempo? ¿Tanto he descuidado mi propio reino que ya ni eso domino?

La determinación es, pues, tomar cartas en el asunto y terminar con todo este trámite, que cada vez se vuelve más tedioso.

Pero la duda ahora es... ¿Para qué? ¿Qué mejoraría o cambiaría?

Eso es lo más genial, que aun no lo sé.

Top 5 sobre "esa" persona

2007-04-19T19:19:00.000+02:00

Top 5 canciones sobre alguien en concreto:

5.-Fake Plastic Trees, de Radiohead.

"If I could be who you wanted..."

4.-Heroin, de Velvet Underground.

"I wish I was born on hundred years ago"

3.-Te quiero dijiste, de Nat king Cole.

"Si de mi te acuerdas, como yo de tí"

2.-Heart Shaped Box, de Nirvana.

"I wish I could eat your cancer before you turn black"

1.-Hallelujah, en versión de Jeff Buckley.

"It's a cold and it's a broken, Hallelujah"

Algún día recordaré esta lista y no estaré muy seguro del porqué de las canciones. Pero ahora tengo plena convicción. También se que me dejo alguna en el tintero. Pero estas deben ser las más obvias. Además, tratándose de quien se trata, debería haber incluido a Bach, o incluso Madamme Butterfly. Pero... no se puede mezclar.

Y también se que hacer esto es absurdo e inútil. Pero, ¿y qué?

Secreto

2007-04-16T15:29:00.000+02:00

En la antigüedad, cuando una persona tenía un secreto que no quería contar a nadie, subía a un monte y buscaba un árbol con un agujero. Le susurraba el secreto al agujero, y lo tapaba después con hierba y barro. De este modo, el secreto quedaba bajo seguro para siempre.

Así habló el cebollense

2007-04-15T22:27:00.000+02:00

Presento en sociedad al Cebollense. Se trata de un pobre alien desgraciado al que tengo metido en un armario, y que se encarga de corregir las faltas de ortografía, erratas y demás pifias mentales cometidas por mi en este blog. Cobra en especie, una cebolleta al día. Lo malo es que a veces se le escucha roerla por la noche y hay que quitársela y echarle agua con la manguera. Pero bueno, nadie puede denunciarme por infracción de los derechos humanos, porque es un alienigena. Además, nadie puede sonsacarle información, porque sólo dice "quiero cebolleta".

Pues eso, presentado queda.

Top 5, los mejores villanos

2007-04-15T12:31:00.001+02:00

Bueno, creo que va siendo hora de empezar a plasmar alguno de mis Top 5 -los tengo para casi todo, y constantemente se me van ocurriendo nuevos-. Éste va dedicado a los mejores villanos del cine. Aquellos que, bien por su frialdad y crueldad, o por su pose de malvado de opereta, me han llegado más adentro.
He aquí, por tanto el Top 5 de los mejores malosos dados por el cine:

5.-Norman Bates, de Psycho
nterpretado por Anthony Perkins.
Personaje nacido de la novela homónima de Robert Bloch

Una silueta inolvidable,

"¿quieres una tapita de jamón?"

La intensa y brillante actuación de Anthony Perkins, la mítica escena de la ducha, el grito de "I'm Norman Bates", de Perkins disfrazado de la madre del personaje, la momificación, la ambigüedad, los trastornos profundos... Todo queda reflejado en un personaje que es probablemente el primer gran malo del cine. De la mano de Hitchcock, nos llega un ser que nos recuerda el daño que pueden hacer el aislamiento y la soledad...
Bates sufrió abuso emocional (y sutilmente sugerido también, el abuso sexual) de parte de su madre, quien le inculcó que las mujeres y el sexo eran cosas del demonio. Los dos vivían solos en una dependencia emocional insana después de la muerte del padre de Bates. Cuando Bates era adolescente, su madre tuvo un amante, lo que lo hizo sumamente celoso. Los asesinó a ambos con estricnina y conservó el cadáver de su madre. Bates desarrolló síndrome de personalidades múltiples, y asumía la personalidad de su madre, reprimiendo su muerto como una forma de escapar de la culpa de haberla matado.

4.- HAL 9000, de 2001: a space odyssey

Personaje nacido en la novela homónima de Arthur C. Clark

Una de las miradas más inquietantes

Punto débil: ctrl+alt+supr

La frialdad del mal hecha patente. Un ordenador que encarna los terrores del hombre, por ser de él de quien dependen sus frágiles vidas en un entorno tan hostil como es el espacio. La voz calmada, la luz roja, incesante, observando desde la inteligencia superior que supone el superordenador, la canción Daisy Bell cuando le desconectan, convirtíendose al final en algo casi humano... Sin duda uno de los más grandes, y ni siquiera es humano.

3.- Alex Delarge, de A clockwork Orange
Interpretado por Malcom McDowell
Personaje nacido en la novela homónima de Anthony Burguess

Un buen vaso de lactana plus, eso nos dejaba

preparados para una noche de ultraviolencia

Mi admiración por este personaje no conoce límites. Su infinito nihilismo, egoísmo y virulencia le hacen ocupar un lugar especial en los corazones de todo cinéfago. Beethoven nunca sonó tan duro y violento.
Alex es retratado como un sociópata que roba, viola y asesina. Intelectualmente, sabe que su comportamiento esta mal, el mismo dice que "no pueden tener una sociedad con gente como yo."
Alex vive con sus padres y con una serpiente (creada para la película) llamada Basil. Es un joven que tiene los principales atributos humanos: amor a la agresión, amor al lenguaje y amor a la belleza. Es el líder de un grupo de tres drugos ("amigos" en nadsat, el particular argot de los jóvenes de la película).

2.-Darth Vader, de Star Wars
Interpretado por por David Prowse, con la voz de james Earl Jones

Su carencia de fe resulta peligrosa...>coff< >coff<

El "malo" que todos recordamos desde niños, aun desde antes de haber visto la sagrada trilogía. Su indumentaria negra de samurai espacial, su bronquitis crónica, su espada láser, la acongojante voz de Constantino Romero (un igualmente genial James Earl Jones en el original), sus frases míticas, su final redención en El retorno del jedi... indudable su entrada en el ranking, ¿no es así?

1.-Hannibal Lecter, de The Silence of the lambs, Hannibal, Red Dragon, y Hannibal Rising

Interpretado por Anthony hopkins

Un día uno del censo vino a hacerme una
entrevista. Me comí su hígado acompañado de habas y con un buen Ciantí...
>fsfsfsfs<

A pesar de la franquicia creada en torno a él, no se puede negar que la sóla mención de la criatura creada por Thomas Harris produce un ligero escalofrío en alguna parte de nuestro cerebro. Recordamos inmediatamente su celda de cristal en El silencio de los corderos, las conversaciones con Clarice Starling, el Quid pro Quo... Anthony Hopkins fue capaz de crear, a partir de las novelas de Harris, un personaje que ha hecho escuela. Sólo ver alguna foto del actor caracterizado -es decir, simplemente poniendo esa fría mirada de infinita sabiduría y maldad- nos hace sentir temor. Porque cuando el mal está combinado con la mera brutalidad es peligroso, pero cuando lo está con la inteligencia y el refinamiento...

Es "el conde Drácula de la era de los ordenadores y los teléfonos móviles", ha afirmado Stephen King. Y no le falta razón, pues según Harris va desarrollando en nuevas -y, eso sí, cada vez peores novelas- la mitología, la indiosincrasia del personaje, se van desvelando secretos que relacionan al caníbal con el vampiro. Ambos resultan ser condes del este de Europa, que irrumpen en occidente con su brutalidad, refinados e hipnóticos.

Championship Vinyls

Henry Miller

Ulysses, by James Joyce

Bloomsday!

Mis libros favoritos

Nueva York bajo el terror de los Zombies, de Lucio Fulci

El más allá, de Lucio Fulci

El Destripador de Nueva York, de Lucio Fulci

Giallos

Vanishing Point, de Richard C. Sarafian

Faster, Pussycat, Kill! Kill!, de Russ Meyer

CICLO: Diablos sobre ruedas, Gatitas al volante

Johnny cogió su fusil, de Dalton Trumbo

La Nouvelle Vague y "Al final de la escapada", de Godard

Nueva lista de películas favoritas

Especial Audrey Herpburn: homenajeando a un ángel

El bueno, el feo y el malo, de Sergio Leone

Jaime Infante, Guardián entre el centeno

Happy Together, de Wong Kar-Wai

Chungking Express, de Wong Kar-Wai

1.- Chungking Mansions: historia del agente 233

2.-Midnight Express: historia del agente 663

Taxi Driver, de Martin Scorsese

Bubba Ho-Tep, de Don Coscarelli

La naranja Mecánica (A Clockwork Orange), de Stanley Kubrick

Moral

Psicología

"Videa bien, hermanito, videa bien"

El silencio de los corderos (Silence of the lambs), de Johnathan Demme

Perros de paja (Straw Dogs), de Sam Peckinpah

El cazador (The Deer Hunter), de Michael Cimino

Lovely & Deadly, de Jaime Infante

The Dreamers, de Bernardo Bertolucci

Érase una vez en América (Once upon a time in America), de Sergio Leone

Top de mis películas favoritas

Léon, el profesional, de Luc Besson

Red Steel, acero al rojo vivo

Aprobada selectividad con creces

Antonio, por Dios

París Texas, de Wim Wenders

Wong Kar-Wai, "el poeta de la imágen"

Bienvenido a la familia

Ronin, de John Frankenheimer

Brother, de Takeshi kitano

Meiko Kaji (梶 芽衣子, Kaji Meiko)

Born again!

Pulp Fiction

Tratado sobre la grandeza

Tetsuo, el hombre de hierro

Dead, dead, dead and buried, Alright!

Yokai Daisenso, el cine infantil según Takashi Miike

Un cínico a las puertas del Infierno

Transmetropolitan, el futuro de Spider Jerusalem

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