Nueva York bajo el terror de los Zombies, de Lucio Fulci

Y llegamos a la primera obra de Fulci sobre zombies. Esto es especialmente importante ya que Fulci es conocido como el padre de los speghetti zombies, películas de temática zombie hechas en Italia -también es conocido como el "padrino del gore"-.

Se trata de una secuela apócrifa de la mítica Dawn of the Dead (1978), del genio George A. Romero. Realmente el guión de la película fue escrito antes de que se estrenara el film de Romero en Italia -promocionado en Europa por Dario Argento, que lo dotó de la banda sonora de Goblin, así como del título Zombie-. En Italia, el título original de la película de Fulci fue Zombi 2, evitando posibles problemas legales con la omisión de la "e". Ambas películas no tienen demasiada relación, salvo por tratar la temática de la épica zombie -un grupo de personas aisladas y acorraladas por los muertos vivientes-, y las secuencias del comienzo y del final -las de Nueva York- fueron incluídas tras el éxito de la película de Romero, de cuyo éxito se sirvieron multitud de películas italianas, empezando por la que comento en estos momentos.

Nueva York bajo el terror de los Zombies (1979), o Zombie en USA, es una película que contiente casi todos los tópicos de las películas de zombies de Romero. Un grupo de personas se ven acorraladas por los zombies en algún lugar aislado; muertos que se levantan de sus tumbas; mordiscos; personas que se convierten en zombies... También comparte elementos del cine clásico de terror -hagamos referencia a I walked with a Zombie (1943, Jacques Tourneur)- como el científico involucrado en la resurrección de los difuntos. Sin embargo todo esto está pasado por la peculiar cámara de Fulci. Esto es: ambientes malsanos y húmedos, feísmo estético, sangre y violencia por doquier... El cóctel resultante es una de mis películas de zombies favoritas.

Desde luego no se puede esperar gran cosa de las interpretaciones, que son correctas y punto. Lo más importante reside en la forma en que se cuenta la historia -una escalada lenta de tensión tras un prólogo brillante, y un final apoteósico-, en los efectos especiales -bizarrísimos y algunas veces bastante realistas para la época-, y en la estética de los ambientes.

Desde luego, queda recomendada como una de las piezas clave de la historia de este subgénero Qque es el cine de zombies.

El más allá, de Lucio Fulci

Parece que he decidido hacer un mini-ciclo Fulci en medio del ciclo "Diablos sobre ruedas, Gatitas al volante". Y es que este director italiano lo merece -senota bastante lo mucho que me gusta el cine italiano de género-. Es un director controvertido como pocos, puedes adorarle u odiarle, dudo mucho que haya un término medio.

Ya he comentado Lo Squartatore di New York (1982), conocida -poco- en España como El destripador de Nueva York, y he hablado de lo mucho que me ha gustdo.

L'aldilà-E tu vivrai nel terrore es el título original de la película que me ocupa ahora mismo. Fue estrenada en 1981, y en España fue renombrada como El más allá -en inglés, The Beyond-, y pertenece a la faceta más "fantástica" de Fulci. No es una simple películade zombies -como Nueva York bajo el terror de los zombi, que me encanta-, sino que entra dentro de un universo má Lovecraftiano.

La sinopsis es básicamente esta (contiene spoilers): Liza acaba de heredar un hotel donde cincuenta años atrás encontrarton a un puintor crucificado en la pared. Contrata a Marta, y su hijo Joe, dos raros persnajes que mueren en extrañas circustancias. Liza se irá dando cuenta de que algo raro está pasando en el edificio. Escucha ruios y un timbe de vez en cuando se activa precisamente e la habtación 36, donde fue crucificado el pintor. El hotel está construído sobre una de las siete puertas del infierno sobre las que habla la profecía de Eibon.

Es considerada como la obra maestra de Lucio Fulci. No es mi favorita del director pero es muy buena. He de confesar que la primera vez que la ví no terminó de gustarme. Gore desordenado, a veces bastante cutre -para lo que estamos acostumbrados hoy en día-y cierta dejadez en el guión. La segunda vez me encantó, porque vi que Fulci no pretendía contar una historia, sino transmitir sensaciones.

La anécdota tarantiniana relativa a esta película es que el director estadounidense reestrenó -creo que en 1997- esta película.

Recientemente ha sido reeditada en DVD.

Giallos

Hago un pequeño alto en la maratón de películas con persecuciones trepidantes de coches para comentar un par de películas de ese género que tanto me gusta: EL GIALLO. "Giallo" significa literalmente "amarillo" en italiano, país de donde es originaro el género.

¿Y qué es un giallo? Pues no es más que lo que podríamos llamar un spaghetti Thriller, la versión italiana enloquecida y desquiciada de los thrillers norteamericanos -por ejemplo, las pelis de Hitchcock-. La principal diferencia es la escasez de tapujos en lo que a violencia explícita se refiere -he aquí una de las principales fuentes de las splatters- la descarada sexualidad de las protagonistas -a veces próxima al destape español- y la fuerte estilización -elemento compartido por casi todo el cine italiano "de género", no hay más que ver mis adorados spaghetti western-.

El retrato robot del asesino prototípico del giallo es básicamente una persona enfundada en una gabardina, con guantes de cuero negros, y que porta un pasamontañas o un sombrero que le oculta la cara. Suelen usar armas blancas -cuchillas de afeitar, navajas, sierras...- pero pueden cometer asesinatos de lo más ocurrentes con casi cualquier cosa -véase la bañera de agua caliente de Rojo oscuro, de Dario Argento-.

Algunos de los autores más destacados son:

-Mario Bava: el "creador" del género. O al menos el mas importante de los primeros que dieron su visión a la italiana de los thrillers americanos. Destaca cómo impuso las normas estéticas del género: la estilización de los planos, la plasticidad de los colores, muy vivos... Obras suyas son La máscara del Demonio (1960) , Diabolik (1968), Seis mujeres para el asesino (1964) o Bahía de sangre (1971).

-Dario Argento: el director que dio fama internacional al género. Discípulo de Bava, debutó con la genial El pájaro del plumaje de cristal (1970). Este auto destaca por su persnal manera de dirigir, caracterizada por ciertos planos "firma" (como alguien asomándose a un cristal, las manos del asesino en primer plano...) y por sus personajes plenamente funcionales. Otras obras suyas en el género son El gato de las nueve colas (1971), Cuatro moscas sobre terciopelo gris (1971) -con la que cierra su "trilogía de los animales"-, Rojo oscuro (1975) o Tenebrae (1982). También es importante destacar otras obras de Argento englobadas dentro del género fantástico, como Suspiria (1977), Inferno (1980) o Phenomena (1985). Últimamente ha participado en la serie Masters of Horror, con uno de los capítulos más terroríficos, a mi juicio: Jennifer. Además a día de hoy está por estrenarse la tercera parte de su trilogría sobre las madres: la Terza Madre (precedida por Suspiria e Inferno). A mi personalmente me encanta el trabajo de este director.

-Sergio Martino: tal vez no sea especialmente destacable dentro del género en sí, pero suyo es mi giallo favorito (o uno de los tres favoritos): Torso, violencia carnal (1973). Su cine es aún más violento que el de Argento -o al menos más brutal-, y tiene un contenido sexual más descarado.

-Lucio Fulci: el padre del Spaghetti Zombie. Sin embargo le meto en este grupo por una película fundamentalmente -la única suya dentro del giallo que he visto hasta la fecha-: El destripador de Nueva York (1982). Me ustaría dedicarle un monográfico a esta película más adelante -porque creo que la voy a ver bastantes veces-. pero el único adjetivo que le encaja es el de bizarrada. Y eso me encanta. Fulci es un director plenamente excesivo, cualidad por la cual puedes adorarle -como hago yo- u odiarle -como hace mucha gente. También destacan en su filmografía son Zombie 2: Nueva York bajo el terror de los zombies (1979), Miedo en la ciudad de los muertos vivientes (1980), Aquella casa al lado del cementerio (1981), o El más allá (1981). Esta última me encanta.

Por último, creo que merece una mención especial Ennio Morricone con el que tal vez sea uno de sus trabajos más olvidados o desconocidos: las bandas sonoras de la trilogía inicial de Dario Argento -arriba mencionadas-, la llamada "trilogía de los animales". Quentin Tarantino rescató algunos de estos temas para su Death Proof.

CICLO: Diablos sobre ruedas, Gatitas al volante

Últimamente me ha dado porel cine de coches, así que declaro abierto un pequeño monográfico sobre películas de coches, road movies, y demás. He llegado a este punto debido a dos factores fundamentales: el hecho de que este verano se estrenase Death Proof -que, como a todo fan de Tarantino, me encantó hasta decir "Dios, lo ha vuelto a hacer"- y el estar sacándome el carnet de conducir y estar ya con el práctico. Si unimos los dos factores -Tarantino y vida real- tendremos una locura pasajera por las peliculas sobre coches. Tarantino encendió la chispa de este gusto y el coche hizo el resto. Eso no quiere decir que me hayan dejado de gustar los westerns o las pelis de artes marciales. Simplemente añado otro género al saco.
El ciclo Estará formado por las siguientes películas:
Faster, Pussycat, Kill! Kill!, de Russ Meyer.
Punto límite: Cero (Vanishing Point), de Richard C. Sarafian.
El diablo sobre ruedas, de Steven Spielberg.
La huída, de Sam Peckinpah.
Eso sí, no me gustaría que se pensara "bah, las ha visto sólo porque a Tarantino le gustan". Ni de coña. Algunas de ellas las he descubierto gracias a él. Otras ya las conocía y me decidió a verlas. Y otras ya me encantaban antes.

Quedan todos invitados, pues, a la carrera.

Johnny cogió su fusil, de Dalton Trumbo

Hoy toca repasar un clásico esencial de la historia del cine descubierto par mi por un compañero de clase y de charlas cinéfilas, al que aprovecho para agradecer la recomendación desde aquí -dejando constancia de que no sólo me gustan las "pelis de testosterona"-. Se trata del clásico antibelicista Johnny Cogió su fusil (Johnny got his gun), dirigida en 1971 por Dalton Trumbo, que adaptó una novela propia.

Guión: Dalton TRUMBO (d'après son roman, 1939)

Producción: Bruce CAMPBELL y RICH PRODUCTIONS

Images: Jules BRENNERMusique: Jerry FIELDING

Formato: Blanco&Negro - color (Eastmancolor) 35 mm.

Duración: 111 minutos.

Galardones: el GRAN PREMIO ESPECIAL DEL JURADO, PREMIO DE LA CRÍTICA INTERNACIONAL Festival de Cine de Cannes;

Intérpretes:

Timothy Bottoms

Jason Robards

Kathy Fields

Donald Sutherland

Diane Varsi

Marsha Hunt

Se trata de, junto a Senderos de Gloria (Paths of Glory, 1957, Stanley Kubrick), la mejor película antibelicista que he visto. La visión de Dalton Trumbo, aunque genial en el planteamiento, flaquea en mi opinión en la dirección, que a veces se hace confusa. Sin embargo, teniendo en cuenta que se trata de la única película dirigida por Trumbo, no está nada mal. Además, consigue crear situaciones realmente angustiosas mediante los juegos de sombras, principalmente en la escenas en blanco ynegro -pues se trata de una película que intercala escenas en color y en blanco y negro-.

El guión, como ya he dicho basado en la novela del propio director y adaptada por él mismo, es verdaderamente brillante. Un joven norteamericano (Joe) es enviado a luchar en la I Guerra Mundial -esa terrible carnicería organizada con pensamient decimonónico pero armamento del s XX-. Deja atrás a su familia -su padre falleció algún tiempo atrás- y a suamantísima novia, con la que mantiene una primer ay única relación sexual la noche antes de partir. En las trincheras. Joe resulta horriblemente herido por una bomba: pierde ambos brazos y ambas piernas, así como la mandíbula, la lengua, y los ojos, quedando ciego, mudo, sordo e irreconocible. Se trata por tanto, de un torso que es incapaz de exteriorizar emoción o pensamiento algunos, pero que sigue sufriendo y haciéndose preguntas. Un hombre enjaulado en su propia mutiliación, que no tiene más compañía que la suya propia, sus angustias, y sus fantasmas.

Así, Trumbo nos narra mediante flashbacks, sueños y hechos reales -éstos últimos, en blanco y negro- el tremendo desasosiego y dolor de un hombre destrozado. Pero no contentos con el resultado, el ejército decide ocultarle en un hospital, para mantenerle vivo y estudiarlo. Johnny sólo quiere que le muestren al mundo, como la grotesca creación del hombre que es.

Las enfermeras encargadas de cuidarle son aleccionadas para no sentir lástima por él. Sólo una acaba esteriorizando la tremenda empatía, el terrible sentimiento de culpa que hace brotar en el mismo espectador la visión del pobre Joe.

Mi opinión: brillante de principio a fin.

Nueva lista de películas favoritas

No me apetece borrar la anterior lista de mis películas favoritas, siempre está bien revisarla para ver mi evolución como cinéfilo. Pero me apetece colgar una un poco más depurada.
He llegado a la conclusión de que he de diferenciar las que considero "mis películas favoritas" de aquellas otras que considero "las mejores películas que se han hecho". Es decir, que son dos conceptos completamente diferentes. Por ejemplo, considero Érase una vez en América como una de las tres mejores películas que se han hecho, pero puestos a elegir entre mis favoritas, pondría El bueno, el feo y el malo, por hablar sólo de un director.

De todos modos es muy variable. Si hubiera redactado la lista a los 12 años, estarían El silencio de los Corderos y Star Wars sin dudarlo. Y siguen encantándome, pero a día de hoy, las estrictamente favoritas son estas.

Por lo tanto, allá van. Esta vez las únicas normas son: no repetir director ni equipo creativo y reducir la lista a 10.

Por lo tanto, allá van esas 10 películas que, no siendo necesariamente las mejores de la historia -también tengo lista para eso, pero es mucho más complicado-, son aquellas que de verdad me gustan.

Eso sí, no habrá ranking. No es un podio ni nada así. Es simplemente una lista. De hecho, las ordenaré de manera cronológica.

Río Bravo (Rio Bravo, 1959, Howard Hawks).

Tarantino la definió como "the best hang out movie ever". Y lo mismo pienso yo. Poner la película es como ir a dar un paseo con viejos amigos. Vas y haces la ronda con el bueno de John T. Chance y con Dude. Tocas unas canciones con Colorado. Juegas una partida en el hotel... Muchos de los valores por los que me rijo vienen de hombres como Hawks o Leone, que hablaban de tiempos en los que "los hombres eran hombres", cualquiera que sea el significado de eso.

El bueno, el feo y el malo (Il Buono, il bruto, il Cattivo, 1966, Sergio Leone).

Para mí, en esta película está la mejor escena jamás rodada. Y qué diablos, nunca he visto nada tan emocionante en la pantalla. Esos tres chacales luchando ferozmente por un tesoro, el marco de la guerra civil americana, la emoción de la música de Ennio Morricone, la brillante direccíón de Sergio Leone. Si tuviera que hacer un top 1 de mis películas favoritas, esta sería la elegida.

Cowboy de medianoche (Midnigh Cowboy, 1969, John Schlesinger)

Una de las últimas inclusiones en la lista. Ejemplar película de Schlesinger que muestra las aventuras de un gigoló Tejano en Nueva York. Memorable la peculiar amistad entablada con Ratso (Dustin Hoffman), la brillante banda sonora... Una película que me encantó de principio a fin y que merece estar entre estas diez. Y menudo finalazo.

Grupo Salvaje (Wild Bunch, 1969, Sam Peckinpah)

Mucho dudé si meter esta película o Perros de paja, del mismo director. Sin duda, se nota que me gusta el western (no todo, ojo). Genial película crepuscular sobre los últimos hombres de verdad en el oeste. Un puñado de forajidos violentos y puteros que no dudan en matar por egoísmo. Pero al final matan por una causa justa, redimiéndose. La frase: "Si se mueven, mátalos".

Taxi Driver (Taxi Driver, 1976, Martin Scorsese).

Nunca se reflejó tan bien la soledad del hombre. La metáfora del taxista, completamente rodeado de gente, pero abrumadoramente solo. Los intentos fallidos por salir de esa soledad, el descenso a la locura, la redención como brutal héroe. Menuda obra maestra hizo usted, señor Scorsese. Y menudo Robert De Niro, en uno de los papeles de su vida.

La chaqueta metálica (Full Metal Jacket, 1987, Stanley Kubrick).

Siempre odié las clases de Educación Física. Me sentía como el Recluta Patoso en la primera mitad de la película. La dura instrucción militar, la alienación del hombre para ser convertido en máquina de matar... y después la segunda mitad, la puesta en práctica, el horror (y a la vez la belleza) de la guerra, lo salvaje del mundo... Kubrick, señoras y señores. Seguramente no es su mejor película, pero sí fue la que vi de él. Las primeras impresiones son importantes.

Pulp Fiction (Pulp Fiction, 1994, Quentin Tarantino).

Pocas palabras para el genio de los diálogos y del ritmo narrativo. EL cineasta más brillante de los últimos tiempos. Dicen que no ha inventado nada nuevo... inventa con la suma de los opuestos, crea un estilo propio a base de fuentes tanto cultas como desconocidas. La película de los 90's, sin lugar a dudas, y una de las que más me impactaron en el primer visionado. Está en la lista desde el minuto uno de la primera vez que la ví.

Chungking Express (Chong qing sen lin, 1994, Wong Kar-Wai).

Mi película oriental favorita, probablemente. Amor en tiempos de superpoblación y comida rápida. Dos historias muy vagamente relacionadas, sobre un par de policías y sus problemas con las mujeres. La ciudad que hierve de gente, la tierna pero triste pérdida de un amor, y el esperanzaador descubrimiento de otros nuevos. Eso, y Faye Wong bailando al ritmo de California Dreaming.
Fargo (Fargo, 1996, Hermanos Cohen).

Otra gran obra de los 90's (para mí, junto con los 60's y 70's, las épocas doradas del cine), en la que para mí es la mejor película de humor negro. Mucha gente la ve como un thriller, pero yo me desternillo con ella. Brillante diálogo, sordidez, nieve y dinero. Los Cohen en su mejor obra (con permiso de El Gran Lebowski). Es de esas películas que nada más acabar de verla estaba deseando ponerla otra vez (de hecho, la vi dos días consecutivos). Grandes Frances McDormand y Steve Buscemi.

Hable con ella (2002, Pedro Almodóvar)
Probablemente, la inclusión más polémica (???). Esta película es una de las cosas más absolutamente tristes que pueden verse. Y su creador lo logra mediante el humor. Si puedes reírte con unos personaje,s entonces llorarás por lo que les pase. Si todo son lágrimas, acabarás aborreciéndolos. Qué buen ejemplo de cine.

Seguramente cualquier día alteraré la lista. Pero por ahora, creo que estas son mis 10 favoritas (aunque lógicamente, hay muchas más).

Curiosamente, no he visto ninguna de ellas en la gran pantalla (cosa que me encantaría hacer algún día). Si ya son mis favoritas habiéndolas visto sólo en pantalla pequeña, no quiero imaginar cuánto me gustarían en el cine.

The Dreamers, de Bernardo Bertolucci

Voy a comentar una película que me gusta mucho. Me gusta por sus interpretaciones, por su estética, por lo sorprendente que resulta, por su banda sonora, por su narración... se trata de The Dreamers (en español, Los Soñadores), del casi siempre polémico, y a veces delicioso, Bernardo Bertolucci.
El director de Parma se lució con esta obra, homenaje a tres cosas: al cine (sobre todo), al espíritu de mayo del 68 en París, y al despertar sexual.
En mi opinión, se tratan los tres temas con igual intensidad en el film, pero muchas veces la manera tan explícita que tiene Bertolucci de narrar los encuentros sexuales (véase El último tango en París) hace que mucha gente considere esta una obra sobre todo erótica. Es cierto que trata la sexualidad de manera poco habitual, ya que muestra desnudos frontales, y genitales en primer plano (yo diría que es el único plano Sergio Leone que he visto de un pene en el cine no X).
Ficha:
Dirección: Bernardo Bertolucci.
Países: Reino Unido, Francia e Italia.
Año: 2003.
Duración: 120 min.
Interpretación: Michael Pitt (Matthew), Eva Green (Isabelle), Louis Garrel (Theo), Robin Renucci (Padre), Anna Chancellor (Madre), Florian Cadiou (Patrick).
Guión: Gilbert Adair; basado en su novela "The holy innocents".
Producción: Jeremy Thomas.
Fotografía: Fabio Cianchetti.
Montaje: Jacopo Quadri.
Dirección artística: Jean Rabasse.
Vestuario: Louise Stjernsward.

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Argumento:
Matthew es un joven norteamericano que está en París pasando un año para aprender francés. Pero lo que realmente hace es pasar el día en la Cinemathèque Française, templo de culto del cine, y hogar de nacimiento de la oh-tan-brillante Nouvelle Vague. Es la primavera del 68, y el arresto del director de la cinemathèque lleva a unos graves disturbios juveniles (principalmente entre el apasionado grupo de cinéfilos), que desencadenaron los célebres acontecimientos del mayo del 68 parisino.
Matthew conoce durante esa primera revuelta a dos jóvenes hermanos gemelos: Isabelle y Theo. Entablan una intensa amistad, que lleva a los gemelos a invitar a Matthew a pasar un mes en su gran apartamento parisino, mientras sus padres están en la playa.
El fanatismo de los tres por el cine, la extraña relación de los hermanos (casi incestuosa), y los retorcidos juegos que comienzan mezclando cine y sexo, llevarán al grupo a un despertar sexual que los aísla de los acontecimientos que se desarrollan en las calles.

Reparto:

En el papel de Matthew, un más que remarcable Michael Pitt, que se ha convertido en uno de los mejores actores del actual cine "independiente". Además de buen actor, tiene un grupo de música que se dedica a hacer grunge al más puro estilo Nirvana (de hecho, se diría que casi copian). En la película Dreamers, canta uno de los temas de la Banda Sonora: una versión del mítico Hey Joe, de Jimmy Hendrix. Entre sus papeles más destacados, y obviando el de asesino en Murder By numbers, junto a Sandra Bullock, yo destacaría su interpretacióin de Blake, el principal personaje de Last Days, la película de Gus Van Sant sobre los últimos días de Kurt Cobain.

En el papel de Theo, uno de los gemelos, un joven francés: Louis Garrel, que hace un trabajo más que correcto, y que aporta al personaje un aire misterioso y reservado, que le da un toque mágico.
Y, finalmente, la dulce, dulce guinda sobre el pastel: la bellísima Eva Green, en el papel de Isabelle, que deslumbrará a todo el público por su formidable actuación, y a la sección masculina con sus... encantos de mujer. Entre su filmografía posterior (puesto que esta fue su primera película), destacan Arséne Lupin (2004) o El Reino de los Cielos (2005), de Ridley Scott. Además, se ha convertido en Chica Bond, en la película Casino Royale (2006).

Cine postmoderno:

The Dreamers es una película sobre las películas. Es decir, que es plenamente postmoderna, habla desde el cine, sobre el cine. Y de una manera descarada, y estéticamente brillante, llegando a tomar directamente anécdotas de otras películas, para recrearlas.

Muy memorables son momentos como el "We acept you, One of us!", tomado del clásico Freaks, o la imitación por parte de Theo de Scarface, de Howard Hawks.
Sin embargo, yo me quedo con el momento en el que los tres jóvenes baten el récord marcado en Bande Á Parte(Jean-Luc Godard, 1964), de recorrido rápido (de hecho, corriendo) del Museo del Louvre.

Top de mis películas favoritas

Llevo tiempo madurando esta lista, y creo que nunca podría ser perfecta... hay directores que repiten, actores que también... pero ¡qué diablos! Si los mismos equipos creativos han sido capaces de crear tal perfección, merecen estar varias veces en esta lista.
Es mi lista personal de mis 20 películas favoritas. Quentin Tarantino hizo la suya personal, con 12 y he de reconocer que comparto algunas de sus elecciones, pero esta es personal e intransferible.
El mundo y los críticos podrán estar o no de acuerdo... pero para mi no hay NADA como el cine, y dentro del cine, NADA como estas películas. Todas poseen algo que yo llamo un "momento cinematográfico". Para mi esto es que de repente, en algún punto de la película, la música, la escena, el diálogo (o la ausencia de este), el ritmo, las interpretaciones... se combinan de manera insuperable, causándome escalofríos. Me encanta eso en una película. Además de estos "momentos", las películas son geniales en conjunto (individualmente), al verlas en perspectiva.
Debo decir que no están en ningún orden concreto, es decir, que según mi estado de ánimo y demás, el orden puede ser alterado, así que es simplemente un conjunto, sin jerarquía.

-El bueno, el feo y el malo (Il bueno, il Bruto, il cattivo), Sergio leone, 1966
-Taxi Driver, Martin Scorsese, 1976
-El Padrino, (The Godfather), Francis Ford Coppola, 1972
-2001: una odisea del espacio, (2001: a space oddisey), Stanley Kubrick, 1968
-El cazador, (The deer hunter), Michael Cimino, 1978
-Fargo, Joel Cohen, 1996
-La gran evasión, (The great Escape) , John Sturges, 1962
-Casablanca, Michael Curtiz, 1942
-Érase una vez en América, (Once upon a time in America), Sergio Leone, 1984
-El silencio de los corderos, (Silence of the lambs), Jonathan Demme, 1991
-Asesino Shogun, (Shogun Assasin), Kenji Misumi, Robert Houston, David Weisman, 1972
-La naranja mecánica, (A clockwork orange), Stanley Kubrick, 1971
-Pulp Fiction, Quentin Tarantino, 1994
-Blade Runner, Ridley Scott, 1982
-Apocalypse Now, Francis Ford Coppola, 1979
-Chungking Express, Wong Kar-Waikira Kurosawa, 1994
-Alta Fidelidad, (High Fidelity), Stephen Frears, 2000
-Star Wars (trilogía original), George Lucas, Irvin Kershner, Richard Marquand 1977-1980-1983
-Banda Aparte (Bande á Part), Jean-Luc Godard, 1964
-El club de la lucha, (Fight Club), David Fincher, 1999
-The Killer, John Woo, 1989
-Amélie, (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain), Jean-Pierre Jeunet, 2001
-El precio del poder, (Scarface), Brian De Palma, 1983
-Perros de paja (Straw Dogs), Sam Peckinpah, 1971
-Los soñadores (The Dreamers), Bernardo Bertolucci, 2003







A partir de ahora, dedicaré una especie de monográfico, para hacer un análisis de cada una de estas obras maestras del séptimo arte, el que para mi es el arte definitivo.

París Texas, de Wim Wenders

Una de las películas que he descubierto últimamente y que me ha fascinado especialmente es París Texas de Wim Wenders. Se trata de una producción franco-alemana ambientada en Texas, que ganó la Palm D'or de Cannes en 1984.

Argumento (puede haber spoliers):

La pelícua comienza con un hombre que vaga por el desierto cercano a la frontera con México, sin rumbo aparente. Se llama Travis (Harry Dean Stanton) y padece amnesia. Resulta que ha estado desaparecido durante cuatro años, cuando acude a rescatarlo su hermano, y se lo lleva a su hogar en Los Ángeles. Allí, su hijo Hunter se crió con su hermano y la esposa de éste quienes nunca ocultaron que Travis era su padre desaparecido. Travis se hace amigo de su hijo y lo convence de ir con él en busca de su esposa y madre del pequeño de nombre Jane Henderson (Natassja Kinski). Travis encuentra a Jane y descubre que tiene un empleo poco digno allí, contacta con ella, y juntos reviven su pasado.
El título proviene de un solar que posee Travis en la ciudad Texana de Paris, lugar con el que su padre solía bromear, diciendo que "conoció a su madre en Paris".
La película, de una serenidad y calma infinitas (que no lentitud), está rematada por el genial blues de Ry Cooder, con su inconfundible slide guitar.

Sencillamente magistral.

Wong Kar-Wai, "el poeta de la imágen"

Wong Kar-Wai, con sus eternas gafas de sol...

A la espera de conocer mañana los resultados de selectividad, me apetece hablar algo sobre un director al que estoy descubriendo -y eso que no es nuevo- desde hace un tiempo. Se trata de Wong Kar-Wai, el autor Hongkonés (aunque nació en Shangai).
Se trata de un autor sorprendente. En muchas de sus películas el tiempo parece quedar en suspenso, presentando largas tomas a cámara lenta al son de algún cantante cubano. Sin duda, se trata de películas que han de ser degustadas más que vistas. Han de ser admiradas de una manera plenamente abierta.
En este primer acercamiento al director hablaré sobre dos películas principalmente: In the mood for love y 2046.

IN THE MOOD FOR LOVE (deseando amar)La acción se desarrolla en Hong Kong en 1962. Chow Mo-Wan (Tony Leung Chiu-Wai), redactor jefe de un diario local, alquila una habitación en un apartamento el mismo día que Su Lizhen (Maggie Cheung Man-yuk), secretaria de una compañía naviera. Son vecinos de habitación. Por motivos de trabajo sus respectivas parejas los dejan solos durante cierto tiempo. A pesar de tener una casera y unos vecinos amistosos, Chow y Su se encuentran a menudo a solas en sus habitaciones y entablan una amistad. Una vez, Chow descubre que sus respectivas parejas mantienen una relación extra-matrimonial en común. A partir de este momento ambos empiezan a pasar cada vez más tiempo juntos reconfortándose el uno con la presencia del otro. Chow invita a Su a ayudarlo a escribir una serie de historias de artes marciales que escribe para un periódico. Según su relación se vuelve más íntima, la gente se empieza a darse cuenta, mientras cada uno de ellos intenta persuadir al otro para que no deje a su respectiva pareja.

Esta película me regaló una escena que nunca olvidaré... aquella en la que dice "en la antigüedad, cuando alguien tenía un secreto, subía a una montaña solo. Allí, susurraba su secreto en un hueco en un árbol. Después, cubría el hueco con barro, de manera que quedara a salvo para siempre". Yo me apliqué el cuento.

2046
Un periodista y escritor free lancer (el mismo personaje, Chow Mo-Wan, interpretado por Tony leung) se aloja en el cuarto 2046 de un hotel, en el cual reflexionara sobre los significados y misterios de su vida amorosa, todo eso relacionado con una novela de ciencia ficción que escribirá, en la cual una androide con sentimientos retardados no se dará cuenta de que ama al personaje hasta que ya es demasiado tarde. Así, van desarrollándose, paralelas a la construcción de la novela, las aventuras amorosas de Chow.
"Si hubiera nacido en otra época, mi vida hubiera sido diferente", afirma el personaje, "No sirve de nada encontrar a la persona indicada si el momento no es el adecuado", "El amor es una cuestión de tiempo".

WONG KAR-WAI
Wong Kar-Wai ha logrado resaltar sobre la industria cinematográfica Hongkonesa, mayoritariamente comercial. Un director de cine con una visión poética de la vida (es llamado "poeta de la imagen") que- junto con su inseparable director de fotografía, el australiano Christopher Doyle- ha devuelto al panorama cinematográfico una revisión postmoderna y oriental de aquel estilo de cine que ya practicó en los sesenta la nouvelle vague francesa.
El estilo de dirección de Wong Kar-wai requiere mucho de los actores. Rodando sin guión, el excelente autor chino obliga al reparto a estar a la altura de los personajes, y los constantes cambios en el argumento hace que las películas tarden bastante en rodarse.

Cómo descubrí a Wong Kar-Wai

Resulta curioso cómo entré en contacto con el cine de este genial autor. Hace cosa de un año, en una noche de insomnio, decidí encender la televisión. Descubrí asombrado una escena de una película. Se trataba de una mujer oriental que, con unos guantes de fregar los platos y unas gafas de sol, jugaba en su piso como si fuera una niña, con un avioncito, y con unos peces en la pecera. Mientras, sonaba una canción que no fui capaz de identificar... pero el caso es que la simbiosis entre música-imágen y el ritmo y estética de la escena me dejaron totalmente deslumbrado. Al día siguiente investigué y conseguí el título de la canción: California Dreaming, de the Mamas& the Papas, pero no fui capaz de averiguar el nombre de la película.
Pues bien, con los días alguien me comentó sobre la existencia de una película, 2046, que podía gustarme. Practicamente olvidé la recomendación, y no la recordé hasta que, meses más tarde, una compañera comenzó a hablarme sobre ella. Tampoco gran cosa, sólo "le gusta a mi amigo no se cuántos, o a no se quién más". Empezó a picarme el gusanillo de la curiosidad aún más. Acabé comprando en DVD las dos películas -aunque también se debe incluir en la saga Days of Being Wild- que estaban en relación: In The Mood for love y 2046. Las vi, y ya no pude escapar.
Qué sobervio me pareció el modo de contar historias, de una manera nada típica, y unas historias de lo más personales... qué forma de retratar lo que es el "amor". Parecía ser que el director lo entendía exactamente igual que yo... y esa música de Nat King Cole... ¡¡menudo director!! Esto fue sobre navidades...
Tanto me ha influido e impactado la obra de este hombre, que he llegado a emplear diálogos o situaciones de estas dos películas en mi propia vida personal. Y también me ha inyectado el gusto por Nat King Cole...
Ahora bien, por casualidades de la vida, topé con otra película de Wong Kar-Wai que más adelante comentaré... una película con una canción, California Dreaming... ¡La película con esa escena que un año atrás me había dejado fascinado! El círculo parece estar cerrado... se trata de Chungking Express, y es una obra deliciosa... porque "delicioso" es el único adjetivo que parece encajar al 100% con el cine de Wong Kar-Wai.
Ahora mismo, se cuenta entre mis directores favoritos.